06 Декабря 2024 - 15 Февраля 2025
Персональная выставка Игоря Скалецкого. Крупноформатные работы последних лет, а также ранняя живопись и аналоговые коллажи 2000-х годов.
Посетить галерею
Вход в галерею осуществляется по предварительной записи. Пожалуйста, оставьте свои контактные данные и выберите желаемый день для посещения.
Отправляя форму, вы даете согласие на обработку персональных данных
Сегодня, 20.01 (Пн) - галерея работает в обычном режиме.
Коллекция
Издания
К выставке ТРИКСТЕР был издан каталог со вступительной статьей Сергея Хачатурова – арт-критика, теоретика, куратора и историка искусства. Каталог вобрал в себя более 70 поражающих своей красочностью работ 2023-2024гг., а также раннее творчество художника
Игорь Скалецкий. Шапито трикстеров
Сергей Хачатуров - арт-критик, теоретик, куратор, историк искусства, кандидат искусствоведения, доцент кафедры истории русского искусства исторического факультета МГУ, преподаватель Московской школы фотографии и мультимедиа имени Александра Родченко.
Первое знакомство с творчеством Игоря Скалецкого может озадачить. Будто пришел ты в музей искусства модернизма, от символистов до поп-артистов, а какой-то тролль сорвал все полотна и запихнул их в стиральную машинку. Раскрутил там на центрифуге и невыжатыми вытащил. Словно цветной жгут, влажный, бесформенный. Вот вам, смотрите! И Рой Лихтен штейн потек лужами Климта, а коллажи Тома Вессельмана впечатались в композиции Мориса Дени... Оторопь сменяется, однако, азартным интересом. Что не так? Почему, несмотря на вопиющее преступление против красоты музея, работы Скалецкого гипнотизируют и соблазняют? А к созерцанию этого палимпсеста хочется возвращаться снова и снова. Важно проверить себя, может, самому зрителю оптику пора менять? Думаю, Игорь Скалецкий – один из самых последовательных сегодня художников-интервентов в благостный и сонный мир истеблишмент-арта. Он ведет себя как трикстер, задирая, провоцируя, совмещая несовместимое. Миссия его – простирнуть в стиральной-времени-машинке заскорузлое в своем самоуверенном тщеславии наше догматичное мнение о том, что хорошо, что плохо. Прочистить оптику на сей момент. В его шапито картин-трикстеров ключевым методом разных визуальных чудес выступает коллаж. Коллаж – любимый и надежный друг художника Скалецкого. Он обращается к нему уже давно и получает всегда точные решения. Стоит вспом нить фотоколлажи презентационных изданий и журналов, в которых опусы Скалецкого являются лучшими подчас мате риалами. Аналоговый способ монтажа фотографий помогает Игорю создавать интригующие диорамы-паззлы. В этом он наследует британским поп-артистам, прежде всего, Ричарду Гамильтону. Именно Гамильтон в 1956 году создал первый пре цедент «шапито трикстеров», коллаж с жесткой сатирой на общество потребления «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Как и у Гамильтона, у Скалецкого разные атрибуты и объекты вреза ются друг в друга, вспарывая правильный строй пространственных связей. Они не только развлекают. Они ранят, дразнят, беспокоят. Из ныне живущих собеседников фотографического коллажного метода можно вспомнить художницу направления postdigital, постинтернет-искусства Санду Андерлон. Она создает гигантские аппликации наподобие фресковых коллаж ных циклов. Пантомима сегодняшней жизни с ее гротеском и абсурдом разыгрывается в них во всей своей неукротимой мощи. Очень зыбка грань виртуальной фантасмагории и реального повседневного конвейера бесконечно множащихся, продающих себя образов-симулякров. Игорь Скалецкий столь же сложен и щедр, что и постдигитальные художники Запада, но обладает одним несомненным индивидуальным качеством: отменным чувством юмора. Это качество он использует в своих сравнительно новых работах, что сделаны в традиционной технике (холст, масло) и представляют собой раскрученный на центрифуге музей модернизма. Коллажный метод встраивания, врезания друг в друга фрагментов, выполненных в разных, взаимоисключающих часто стилях, конечно, ассоциируется с успешными ху дожниками Лейпцигской школы, прежде всего, с Нео Раухом. Как и Раух, Скалецкий получил классическое академическое образование и потому совершать интервенцию, вылазки трикстера в картину может во всеоружии отменного чувства фор мы. Благодаря коллажированию живописи романтизма и бидермайера с абстракцией и сюрреализмом Нео Раух создает ситуацию картины-улики, в которой много свидетельств о случившемся драматическом, трагическом событии, но ключа к прочтению нет. Такой метод сближает живопись Рауха с самым молодым агрегаторным искусством художников-зумеров. Из россиян можно вспомнить Павла Польщикова, Славу Нестерова, Анну Таганцеву. Они размещают улики, криптограммы. Собирают коллажи, свидетельства разных ремесленных практик и инсталлируют какое-то загадочное событие, ситуацию, в которой сам зритель должен быть Шерлоком Холмсом, детективом-следователем. Игорь Скалецкий будто бы вышучивает и зверскую серьезность модернистской традиции (от символизма к модерну и авангарду), и заумное искусство интермедиальных агрегаторов, и самого Нео Рауха. Эпос у него становится обэриутским стихом абсурда, а детектив оборачивается юмореской. Колористическая изобретательность совмещается с пародией на канон символистской репрезентации. Мемы поп-арта, веб-панковского дизайна передразнивают друг друга. Сам образ часто становится коверным на сцене цирка разноцветных огней. Неспроста любимый у меня образ Скалецкого – шагающий в сверкающих шароварах оплазмированный человечек клоунского вида. Вдруг неожиданно среди это веселой круговерти остро прожигает чувство пронзительной меланхолии. Скалецкий не скрывает, что мир его хрупок, иллюзорен, уязвим. Эти пляшущие на занавесе гибриды игры воображения мимолетны, словно мираж. В такой пронзительной интонации Игорь Скалецкий внезапно схож с другим уникальным мастером коллажной картины – Питером Дойгом.
О галерее
Alina Pinsky Gallery открылась в 2017 году. Специализация - современное и модернистское искусство. Галерея работает с известными художниками советского нонконформизма и талантливыми представителями российской арт-сцены, регулярно проводя выставки в своем пространстве, участвуя в ярмарках и музейных проектах.
Alina Pinsky Gallery открылась в 2017 году. Специализация - современное и модернистское искусство. Галерея работает с известными художниками советского нонконформизма и талантливыми представителями российской арт-сцены, регулярно проводя выставки в своем пространстве, участвуя в ярмарках и музейных проектах.
О галерее
Alina Pinsky Gallery открылась в 2017 году. Специализация - современное и модернистское искусство. Галерея работает с известными художниками советского нонконформизма и талантливыми представителями российской арт-сцены, регулярно проводя выставки в своем пространстве, участвуя в ярмарках и музейных проектах.
Пресса
Alina Pinsky Gallery открывает выставку Льва Повзнера. Проект «Поле чудес» объединит около 90 живописных и графических работ, созданных с 1990-х по 2010-е годы, и станет крупнейшей выставкой автора за последнее время..
В экспозицию в Alina Pinsky Gallery вошли картины-ребусы, созданные с 1990-х по 2020-е. Это первая после долгого перерыва выставка мастера, звезда которого взошла на художественном небосклоне на излете оттепели
На стенде Alina Pinsky Gallery на ярмарке Cosmoscow — мини-выставка музейного уровня художников — классиков старшего поколения: уникальные модули 1970-х годов Татьяны Андреевой, художницы на много лет опередившей
Своими впечатлениями о том, как новый менеджмент ярмарки Art Basel повлиял на состав художников и многое другое, с нами поделилась галеристка Алина Пинская
.
.
Alina Pinsky Gallery открывает выставку Льва Повзнера. Проект «Поле чудес» объединит около 90 живописных и графических работ, созданных с 1990-х по 2010-е годы, и станет крупнейшей выставкой автора за последнее время..
В экспозицию в Alina Pinsky Gallery вошли картины-ребусы, созданные с 1990-х по 2020-е. Это первая после долгого перерыва выставка мастера, звезда которого взошла на художественном небосклоне на излете оттепели
На стенде Alina Pinsky Gallery на ярмарке Cosmoscow — мини-выставка музейного уровня художников — классиков старшего поколения: уникальные модули 1970-х годов Татьяны Андреевой, художницы на много лет опередившей
Своими впечатлениями о том, как новый менеджмент ярмарки Art Basel повлиял на состав художников и многое другое, с нами поделилась галеристка Алина Пинская
.
.
Kruzhok представил капсулу, созданную к открытию персональной выставки Евгения Музалевского в Alina Pinsky Gallery. В коллекцию вошло восемь вещей, созданных по мотивам работ художника.
27-летнему Евгению Музалевскому — ученику мастерской легендарного фотографа и художника Сергея Браткова в Школе Родченко — мы предрекалибольшое будущее еще два года назад...
В работах, написанных им уже в период обучения в Институте искусства и дизайна в Оффенбахе, Евгений Музалевский показывает новый способ взаимодействия с пространством холста.
Накануне мы в очередной раз убедились, что Alina Pinsky Gallery кладезь не только прекрасных работ художников, но и светских персон Алине Пинской вот уже в который раз удается собрать...
Алена Долецкая и Маша Федорова в среду посетили открытие выставки Евгения Музалевского. Алина Пинская, в чьей галерее и состоялась персональная выставка, с особым трепетом знакомила...
В Alina Pinsky Gallery прошло открытие персональной выставки Евгения Музалевского. В свои 27 лет автор накопил весомый багаж визуального и эмоционального опыта, а также заслужил широкое ...
В четверг Alina Pinsky Gallery открыла в пространстве LOBBY выставку графических работ Евгения Музалевского «Моя любимая муха». Основательницы арт-консерьежа радушно встречали гостей...
С 23 мая по 4 июня в ММОМА на Петровке пройдет выставка «Vis-à-vis». Куратором выступила галерист Алина Пинская. Совместно с фондом «Друзья» Музей представляет проект «Vis-à-vis»...
.
.
В арт-пространстве Алины Пинской прошло открытие выставки True Colors, лейтмотивом которой стал цвет как принципиальное средство художественной выразительности...
Открытие выставки True Colors с работами художников галереи. Лейтмотивом экспозиции стал цвет как принципиальное средство художественной выразительности. В состав выставки вошли...
Недавно в Alina Pinsky Gallery прошла выставка «И как нам создавать свою красоту?». Как говорят организаторы, это «женская выставка» в галерее, не присягавшей феминистскому движению.
Весна — время цвета. Если вам пока не хватает его в окружающем пространстве, выставка в Alina Pinsky Gallery поможет: ее лейтмотивом как раз стал цвет как принципиальное средство...
Выставка 18 художниц «И как нам создавать свою красоту?» в Alina Pinsky Gallery охватывает столетие, от авангарда до наших дней. В ретроспективе особое место занимает Наталия Турнова, за которой...
Вернисаж посетили Ксения Чилингарова, Светлана Бондарчук, Евгения Линович, Наталья Максимова, Инга Берман, Александра Лекомцева, Анна Андронова, Елена Пинская-Вакуленко...
A large group exhibition of nearly a dozen female artists has opened in Moscow’s Alina Pinsky Gallery. It brings together works from several generations of women in the arts in Russia, from the modernist pioneer Natalia Goncharova to young millennials.
В английском языке есть идиома someone’s true colors, означающая «истинное лицо». «Свое лицо» художники-колористы определяют через свободную цветовую интерпретацию.
Идея гендера заложена в основу концепции выставки «И как нам создавать свою красоту?» в Alina Pinsky Gallery. На нее отобрали работы 18 русских художниц
Работы известных художниц сквозь года и звездные гости на выставке в Alina Pinsky Gallery. 15 ноября в Alina Pinsky Gallery прошло открытие выставки «И как нам создавать свою красоту». Экспозиция затрагивает вопросы о границах живописности и о доле «женского» в работах художниц.
В Alina Pinsky Gallery стартует выставка «И как нам создавать свою красоту?», посвященная женщинам-художницам. Хронологически экспозиция охватывает почти сто лет, предлагая задуматься о гранях живописности и женской роли в искусстве. И вот еще как минимум 5 причин, почему ее стоит увидеть.
Мы уже давно свыклись с тем, что нам не всегда удается побывать на всех мероприятиях, на которые нас приглашают. Однако вчерашнее упущение стало, пожалуй, самым грустным для нас — состоялось открытие выставки «И как нам создавать свою красоту» в Alina Pinsky Gallery.
Галерея «Палисандр» сменила название — теперь это Alina Pinsky Gallery, — и переехала с Трехгорки на Пречистенку. Мы встретились с владелицей галереи Алиной Пинской на новом месте, и она рассказала нам о ребрендинге и своем секрете успеха
В своем пространстве в доходном доме Исакова на Пречистенке галерея открыла юбилейную выставку «Вчера, сегодня, всегда»
.
.
Арт-пространство Алины Пинской отметило свое пятилетие открытием выставки «Вчера, сегодня, завтра», которая объединила работы художников нескольких поколений.
В России много тех, кто может позволить себе покупать искусство и предметы авторского дизайна. О том, как их продавать, — галерист Алина Пинская. «Арт и дизайн всегда сосуществуют рядом...
На прошлой неделе Алина Пинская открыла двери своей обновленной галереи. Название «Палисандр» сменилось на Alina Pinsky Gallery, а акцент на коллекционный дизайн остался неизменным. Мы попросили галеристку выбрать 12 предметов, с которых можно начать собирать свою коллекцию прямо сейчас.
Галерея Алины Пинской отмечает свой первый юбилей. Специально для Forbes Life Алина Пинская сделала подборку топ-продаж своей галереи за пять лет.
Эдгар Жилле (Roger-Edgar Gillet)
1924 - 2004
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем он был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало.
Жилле перестал рисовать в 1998 году . Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке. Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез.
1924 - 2004
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем он был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало.
Жилле перестал рисовать в 1998 году . Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке. Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез.
Леон Зак / Léon Zack (Лев Васильевич Зак)
1892 - 1980Художник «русского зарубежья», скульптор, сценограф, поэт, представитель Парижской школы.
В 1911 году окончил московскую гимназию при Лазаревском институте восточных языков. В 1911–1916 учился на романо-германском отделении историко-филологического факультета Московского университета. Первые уроки живописи брал у художника Александра Якимченко, позже посещал художественные студии Фёдора Рерберга и Ильи Машкова. В 1910-е участвовал в выставках Московского товарищества художников и «Мира искусства». В то же время начинается период футуризма в творчестве Леона Зака. Он становится членом литературной группы эгофутуристов «Мезонин поэзии». Оформляет обложки поэтических сборников членов группы, а также коллективных альманахов «Засахаре кры», «Вернисаж», «Пир во время чумы».
После революции с женой и дочерью эмигрировал через Крым и Турцию в Европу. С 1920 по 1921 жил во Флоренции, затем с 1922 по 1924 — в Берлине, где работал сценографом, оформлял книги. В 1924 году переехал в Париж, где участвовал в Осеннем салоне и салоне Независимых; выставлялся в галереях Парижа, Лондона, Брюсселя, Праги. Одновременно продолжал иллюстрировать книги, создавал рисунки для тканей, делал статуэтки из стекла. В 1930–1940-е неоднократно возвращался к работе в театре, оформлял балеты. В 1938 году получил французское гражданство.
В середине 1940-х начинает уходить от фигуративности к экспрессионизму, а затем к абстракционизму. В 1948 году на персональной выставке в парижской галерее des Garets впервые показал абстрактно-геометрические композиции, которые были и остаются крайне популярными у коллекционеров. В 1950-е произвел художественные и реставрационные работы в Нотр-Дам-де-Повр в Исси-ле-Мулино, Пти-Фрер-де-Повр, в соборах Сакре-Кёр и св. Жанны д’Ар в Париже и многих других. В 1970 году получил приз Президента Франции на биеннале в Ментоне. В 1981 году прошла мемориальная выставка в рамках Осеннего салона.
Работы Леона Зака хранятся в Музее современного искусства города Парижа, Британской галерее Тейт (Лондон), Королевском музее Брюсселя, Институте Карнеги (Питтсбург), в музеях Нанта, Антверпена, Венеции и многих других.
Юрий Купер
*1940
Юрий Купер — один из самых известных на Западе русских художников. График, декоратор, сценограф, представитель младшего поколения художников-нонконформистов, эмигрировавший из СССР в 1972 году. Автор декораций и костюмов к операм: «Борис Годунов» в Большом театре в Москве (2007, реж. Александр Сокуров), «Отелло» в Перми (2008, реж. Владимир Петров), «Кармен» в Ростове (2008, реж. Юрий Лаптев) и другим постановкам. Автор пьесы “Двенадцать картин из жизни художника” (поставлена в МХТ им. Чехова) и романа “Сфумато” (2015). Живет в Лондоне, Париже, Нью-Йорке.
Работы Юрия Купера хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, в коллекциях Министерства культуры Франции, Библиотеки конгресса США и др.
*1940
Юрий Купер — один из самых известных на Западе русских художников. График, декоратор, сценограф, представитель младшего поколения художников-нонконформистов, эмигрировавший из СССР в 1972 году. Автор декораций и костюмов к операм: «Борис Годунов» в Большом театре в Москве (2007, реж. Александр Сокуров), «Отелло» в Перми (2008, реж. Владимир Петров), «Кармен» в Ростове (2008, реж. Юрий Лаптев) и другим постановкам. Автор пьесы “Двенадцать картин из жизни художника” (поставлена в МХТ им. Чехова) и романа “Сфумато” (2015). Живет в Лондоне, Париже, Нью-Йорке.
Работы Юрия Купера хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, в коллекциях Министерства культуры Франции, Библиотеки конгресса США и др.
Ладислас Кийно (Ladislas Kijno)
1921 - 2012
Французский художник польского происхождения. Изучал философию в университете Лилля, где одним из его профессоров был философ и писатель Жан Гренье, в своё время оказавший значительное влияние на молодого Альбера Камю. В начале 40-х годов, ещё студентом, Кийно начал создавать свои первые произведения. Позже он посещал мастер-класс по скульптуре Жермен Ришье, известной своими «гибридами» человека и животного. Даже переехав в Париж в конце 50-х, Кийно сохранил крепкую дружбу с Ришье.
В 1950 году Кийно создал группу «Cadran Group» (вместе с Полем Гаем), а в 1954 году прошла его первая перосональная выставка. В том же году он решил полностью посвятить себя живописи. Тем не менее, следующий год для художника стал кризисным. Кийно сжег все свои картины (около 250 работ) и переселился в Антиб (Франция), где в 1957 году Ромуальд Дор де ла Сушер, друг Николя де Сталя и Пабло Пикассо, выступил с инициативой организовать первую большую выставку Кийно в Музее Антиба (Musée d’Antibes).
В 1958 году Ладислас Кийно переехал в Париж и был принят в комитет «Salon de Mai», коллектив французских художников, встречавшихся в кафе на улице Дофин с 1943 года, со времён оккупации. Он регулярно участвовал в крупных парижских салонах, таких как «Новые реалии», «Сравнения», «Отдел молодежи» и «Сегодняшнее сакральное искусство». Примерно в это же время Кийно начал свою многолетнюю переписку с младшим братом скульптора Камиля Клоделя, поэтом, драматургом и дипломатом Полем Клоделем.
В Париже Кийно изобрел технику фруассажа (froissage) — работу с мятой бумагой. В этот же период художник начал экспериментировать с красками в балончиках с распылителем, создавая таким образом синтез между традиционной техникой живописи и современными «промышленными» нововведениями. Благодаря использованию баллончиков он стал известен как один из «духовных отцов» французского уличного искусства.
Хотя Кийно больше склонялся к абстракции, он никогда не переставал исследовать разницу между фигуративным и абстрактным искусством, ища все средства, чтобы преодолеть разрыв между ними. Это исследование привело Кийно к созданию собственной художественной вселенной, собственной мифологии. В этот период Кийно искал вдохновение в многочисленных путешествиях: в Китай, на Маркизские острова, на Туамоту и остров Пасхи. В 1980 году на Венецианской биеннале он выставил 30 монументальных полотен в узнаваемой «мятой» технике под общим названием «Театр Неруды».
1921 - 2012
Французский художник польского происхождения. Изучал философию в университете Лилля, где одним из его профессоров был философ и писатель Жан Гренье, в своё время оказавший значительное влияние на молодого Альбера Камю. В начале 40-х годов, ещё студентом, Кийно начал создавать свои первые произведения. Позже он посещал мастер-класс по скульптуре Жермен Ришье, известной своими «гибридами» человека и животного. Даже переехав в Париж в конце 50-х, Кийно сохранил крепкую дружбу с Ришье.
В 1950 году Кийно создал группу «Cadran Group» (вместе с Полем Гаем), а в 1954 году прошла его первая перосональная выставка. В том же году он решил полностью посвятить себя живописи. Тем не менее, следующий год для художника стал кризисным. Кийно сжег все свои картины (около 250 работ) и переселился в Антиб (Франция), где в 1957 году Ромуальд Дор де ла Сушер, друг Николя де Сталя и Пабло Пикассо, выступил с инициативой организовать первую большую выставку Кийно в Музее Антиба (Musée d’Antibes).
В 1958 году Ладислас Кийно переехал в Париж и был принят в комитет «Salon de Mai», коллектив французских художников, встречавшихся в кафе на улице Дофин с 1943 года, со времён оккупации. Он регулярно участвовал в крупных парижских салонах, таких как «Новые реалии», «Сравнения», «Отдел молодежи» и «Сегодняшнее сакральное искусство». Примерно в это же время Кийно начал свою многолетнюю переписку с младшим братом скульптора Камиля Клоделя, поэтом, драматургом и дипломатом Полем Клоделем.
В Париже Кийно изобрел технику фруассажа (froissage) — работу с мятой бумагой. В этот же период художник начал экспериментировать с красками в балончиках с распылителем, создавая таким образом синтез между традиционной техникой живописи и современными «промышленными» нововведениями. Благодаря использованию баллончиков он стал известен как один из «духовных отцов» французского уличного искусства.
Хотя Кийно больше склонялся к абстракции, он никогда не переставал исследовать разницу между фигуративным и абстрактным искусством, ища все средства, чтобы преодолеть разрыв между ними. Это исследование привело Кийно к созданию собственной художественной вселенной, собственной мифологии. В этот период Кийно искал вдохновение в многочисленных путешествиях: в Китай, на Маркизские острова, на Туамоту и остров Пасхи. В 1980 году на Венецианской биеннале он выставил 30 монументальных полотен в узнаваемой «мятой» технике под общим названием «Театр Неруды».
Серж Шаршун (Serge Charchoune)
1888 - 1975
Французский живописец, график и поэт русского происхождения, в разные периоды своей жизни увлекавшийся футуризмом, кубизмом, дадаизмом и абстракционизмом.
Детство провел в Бугуруслане. В октябре 1909-го переехал в Москву, где занимался в частных студиях Ильи Машкова и Константина Юона. В 1912 г. году дезертировал со службы в армии и переехал в Париж, где начал заниматься живописью. Посещал Русскую академию Марии Васильевой и академию Ла Палетт, учился у Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре де Сегонзака. В 1913–1914 гг. показал первые кубистские опыты в Салоне Независимых.
В Париже примкнул к группе «Дада», участвовал во многих манифестациях дадаизма. В 1921 году выставлялся в Салоне Независимых, на групповой выставке дадаистов в галерее Montaigne и на Выставке русского искусства в галерее Whitechapel в Лондоне.
В середине 1940-х перешел к абстрактно-геометрической живописи. Часто обращался к теме воды и музыки.
В 1960 году переехал в Ванв. Его персональные выставки проходили в Париже, Нью-Йорке, Милане, Дюссельдорфе, Сент-Этьене, Женеве, Люксембурге, Реймсе, Каннах и др. В 1971 году состоялась ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже, после которой пришло признание, а большинство картин было приобретено коллекционерами и музеями.
В 1976 году мемориальные выставки были показаны в галереях C. Ratié и de Seine, в Национальном музее современного искусства в Париже. В 2006 году выставка работ художника была организована Русским музеем и ГМИИ им. А. С. Пушкина.
Произведения Сергея Шаршуна находятся в собраниях крупнейших музеев современного искусства Европы и США, включая Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей современного искусства метрополии Лилля, Государственную Третьяковскую галерею (Москва).
1888 - 1975
Французский живописец, график и поэт русского происхождения, в разные периоды своей жизни увлекавшийся футуризмом, кубизмом, дадаизмом и абстракционизмом.
Детство провел в Бугуруслане. В октябре 1909-го переехал в Москву, где занимался в частных студиях Ильи Машкова и Константина Юона. В 1912 г. году дезертировал со службы в армии и переехал в Париж, где начал заниматься живописью. Посещал Русскую академию Марии Васильевой и академию Ла Палетт, учился у Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре де Сегонзака. В 1913–1914 гг. показал первые кубистские опыты в Салоне Независимых.
В Париже примкнул к группе «Дада», участвовал во многих манифестациях дадаизма. В 1921 году выставлялся в Салоне Независимых, на групповой выставке дадаистов в галерее Montaigne и на Выставке русского искусства в галерее Whitechapel в Лондоне.
В середине 1940-х перешел к абстрактно-геометрической живописи. Часто обращался к теме воды и музыки.
В 1960 году переехал в Ванв. Его персональные выставки проходили в Париже, Нью-Йорке, Милане, Дюссельдорфе, Сент-Этьене, Женеве, Люксембурге, Реймсе, Каннах и др. В 1971 году состоялась ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже, после которой пришло признание, а большинство картин было приобретено коллекционерами и музеями.
В 1976 году мемориальные выставки были показаны в галереях C. Ratié и de Seine, в Национальном музее современного искусства в Париже. В 2006 году выставка работ художника была организована Русским музеем и ГМИИ им. А. С. Пушкина.
Произведения Сергея Шаршуна находятся в собраниях крупнейших музеев современного искусства Европы и США, включая Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей современного искусства метрополии Лилля, Государственную Третьяковскую галерею (Москва).
Марлен Павлович Шпиндлер
1931 - 2003
Cоветский и российский художник-нонконформист, работавший в манере, близкой к абстрактному экспрессионизму.
Имя «Марлен», вдохновленное революцией (Марлен = Маркс + Ленин) получил от отца, шляпника по профессии. Отец хотел, чтобы сын стал художником, поэтому отдал его в изостудию «Мосфильма». Позже Марлен учился в студии Александра Глускина, Элия Белютина и доме культуры в Сокольниках, где преподавал Александр Куприн, в прошлом участник объединения «Бубновый валет».
Сильное влияние на Шпиндлера оказал Михаил Шварцман — живописец, график, монументалист, изобретатель художественного направления «иератизм». Шпиндлер и Шварцман познакомились в электричке. По рекомендации Шварцмана Шпиндлер работал художником-оформителем на Комбинате промышленной графики — важнейшем советском бюро графического дизайна. Оба занимались возрождением «иконности» в искусстве.
Еще в молодости Шпиндлер изобрел собственный знак-инициал — букву «Ш» с тремя поперечными перекладинами («три креста»). Существует множество интерпретаций этого символа: символ счастья, символ семьи, символ Троицы. Знак оказался символом судьбы Шпиндлера и в том, что именно 3 раза художник попадал в места лишения свободы (почти 15 лет, в общей сложности, он провёл в лагерях и ссылках).
Шпиндлер писал свои картины на мешковине, сам замешивал для них краски — перетирал минералы с яичным желтком, как делали в старину иконописцы.
В 1962 г. участвовал в выставке художников студии Белютина на Большой Коммунистической улице с участием Э. Неизвестного, Ю. Соболева-Нолева, Ю. Соостера, В. Янкилевского (Москва). В 1974 году был участником выставки на Большой Грузинской, в 1975 г. — в Доме культуры ВДНХ.
С 1980-х был участником многих выставок на родине и за рубежом: «Графика московских художников» (ЦДХ, Москва, 1988), «Сокровища в грязи» (Художественный музей Тампере, Финляндия, 1990), «Другое искусство» (Государственная Третьяковская галерея, 1990), «Постмодернизм и национальные традиции» (Государственная Третьяковская галерея, 1993), «Нонконформисты — второй русский авангард 1955–1988. Из коллекции Якоба и Кенды Бар-Гер» (Государственная Третьяковская галерея, 1996) и др. В 1990-х состоялось несколько персональных выставок художника в Центре современного искусства (1993, 1994), в Международной федерации художников (1994).
В 1996 году прошла персональная выставка Марлена Шпиндлера в Третьяковской галерее.
В 2000 вышел документальный фильм о художнике «Марлен Шпиндлер».
Работы мастера хранятся в коллекциях Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, в галереях и частных собраниях в России, Европе и Америке.
1931 - 2003
Cоветский и российский художник-нонконформист, работавший в манере, близкой к абстрактному экспрессионизму.
Имя «Марлен», вдохновленное революцией (Марлен = Маркс + Ленин) получил от отца, шляпника по профессии. Отец хотел, чтобы сын стал художником, поэтому отдал его в изостудию «Мосфильма». Позже Марлен учился в студии Александра Глускина, Элия Белютина и доме культуры в Сокольниках, где преподавал Александр Куприн, в прошлом участник объединения «Бубновый валет».
Сильное влияние на Шпиндлера оказал Михаил Шварцман — живописец, график, монументалист, изобретатель художественного направления «иератизм». Шпиндлер и Шварцман познакомились в электричке. По рекомендации Шварцмана Шпиндлер работал художником-оформителем на Комбинате промышленной графики — важнейшем советском бюро графического дизайна. Оба занимались возрождением «иконности» в искусстве.
Еще в молодости Шпиндлер изобрел собственный знак-инициал — букву «Ш» с тремя поперечными перекладинами («три креста»). Существует множество интерпретаций этого символа: символ счастья, символ семьи, символ Троицы. Знак оказался символом судьбы Шпиндлера и в том, что именно 3 раза художник попадал в места лишения свободы (почти 15 лет, в общей сложности, он провёл в лагерях и ссылках).
Шпиндлер писал свои картины на мешковине, сам замешивал для них краски — перетирал минералы с яичным желтком, как делали в старину иконописцы.
В 1962 г. участвовал в выставке художников студии Белютина на Большой Коммунистической улице с участием Э. Неизвестного, Ю. Соболева-Нолева, Ю. Соостера, В. Янкилевского (Москва). В 1974 году был участником выставки на Большой Грузинской, в 1975 г. — в Доме культуры ВДНХ.
С 1980-х был участником многих выставок на родине и за рубежом: «Графика московских художников» (ЦДХ, Москва, 1988), «Сокровища в грязи» (Художественный музей Тампере, Финляндия, 1990), «Другое искусство» (Государственная Третьяковская галерея, 1990), «Постмодернизм и национальные традиции» (Государственная Третьяковская галерея, 1993), «Нонконформисты — второй русский авангард 1955–1988. Из коллекции Якоба и Кенды Бар-Гер» (Государственная Третьяковская галерея, 1996) и др. В 1990-х состоялось несколько персональных выставок художника в Центре современного искусства (1993, 1994), в Международной федерации художников (1994).
В 1996 году прошла персональная выставка Марлена Шпиндлера в Третьяковской галерее.
В 2000 вышел документальный фильм о художнике «Марлен Шпиндлер».
Работы мастера хранятся в коллекциях Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, в галереях и частных собраниях в России, Европе и Америке.
Бернард Шульце (Bernard Schultze)
1915 - 2005
Немецкий художник, важнейший представитель германской абстрактной живописи 1950-х — 60-х годов. Родился в западных польских землях, которые в то время входили в состав Германии, с 1922 года жил в Берлине. В 1934-39 гг. учился в Высшей школе художественного образования (Hochschule für Kunsterziehung) в Берлине и Академии художеств (Kunstakademie) в Дюссельдорфе. С 1939 до 1945 г. воевал.
В 1947 г. отец художника, судья по профессии, был назначен в Высший суд земли (Oberlandesgericht) во Франкфурте-на-Майне. Бернард Шульце поселился с отцом в этом городе. В это время он часто бывает в Париже на выставках художников-информалистов и в 1951 году сам начинает писать абстрактные картины.
В декабре 1952 года во Франкфурте прошла знаменитая выставка группы «Квадрига». В группу входили четыре художника-абстракциониста — Бернард Шульце, Карл Отто Гётц, Отто Грейс и Хайнц Крёйц. Это была первая авангардная художественная группировка в Германии после долгого засилья нацистского «реализма».
В 1955 г. Шульце женился на художнице Урсуле Блюм. В 1968 г. они переехали в Кёльн.
С 1955 г. Бернард Шульце создавал рельефную живопись, приклеивая к холсту различные объекты, с 1957 г. «табускрипты» — работы в смешанной технике, с 1961 г. Migofs — фигуративные скульптуры из подручных материалов, изображающие формы жизни, которых нет в природе (само это слово изобретено художником).
В 1966 г. получил премию Вильгельма Лота от города Дармштадта. В 1972 г. избран в члены берлинской Академии художеств. В 1981 г. провозглашён титулярным профессором в земле Северный Рейн-Вестфалия. В 1984 г. Бернарду Шульце присудили премию Großer Hessischer Kulturpreis, 1986 — медаль Ловиса Коринта, в 1989 — почётный орден земли Северный Рейн-Вестфалия, в 1990 — медаль Стефана Лохнера, в 1998 — крест за заслуги перед ФРГ, в 2002 — премию Binding-Kulturpreis.
1980-е — 1990-е годы — время больших ретроспектив художника. В те же годы он энергично работает, создавая крупные, монументальные полотна. Он также известен как выдающийся график.
Среди музеев, в коллекциях которых есть работы Бернарда Шульце, — музей Людвига в Кёльне, Städel Museum в Франкфурте-на-Майне, MUMOK в Вене, музей Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Центр Помпиду в Париже, галерея Тейт в Лондоне, MoMA в Нью-Йорке, Гарвардский художественный музей. Его картинами украшена столовая виллы Хаммершмидт в Бонне (резиденции президента ФРГ до середины 1990-х годов).
1915 - 2005
Немецкий художник, важнейший представитель германской абстрактной живописи 1950-х — 60-х годов. Родился в западных польских землях, которые в то время входили в состав Германии, с 1922 года жил в Берлине. В 1934-39 гг. учился в Высшей школе художественного образования (Hochschule für Kunsterziehung) в Берлине и Академии художеств (Kunstakademie) в Дюссельдорфе. С 1939 до 1945 г. воевал.
В 1947 г. отец художника, судья по профессии, был назначен в Высший суд земли (Oberlandesgericht) во Франкфурте-на-Майне. Бернард Шульце поселился с отцом в этом городе. В это время он часто бывает в Париже на выставках художников-информалистов и в 1951 году сам начинает писать абстрактные картины.
В декабре 1952 года во Франкфурте прошла знаменитая выставка группы «Квадрига». В группу входили четыре художника-абстракциониста — Бернард Шульце, Карл Отто Гётц, Отто Грейс и Хайнц Крёйц. Это была первая авангардная художественная группировка в Германии после долгого засилья нацистского «реализма».
В 1955 г. Шульце женился на художнице Урсуле Блюм. В 1968 г. они переехали в Кёльн.
С 1955 г. Бернард Шульце создавал рельефную живопись, приклеивая к холсту различные объекты, с 1957 г. «табускрипты» — работы в смешанной технике, с 1961 г. Migofs — фигуративные скульптуры из подручных материалов, изображающие формы жизни, которых нет в природе (само это слово изобретено художником).
В 1966 г. получил премию Вильгельма Лота от города Дармштадта. В 1972 г. избран в члены берлинской Академии художеств. В 1981 г. провозглашён титулярным профессором в земле Северный Рейн-Вестфалия. В 1984 г. Бернарду Шульце присудили премию Großer Hessischer Kulturpreis, 1986 — медаль Ловиса Коринта, в 1989 — почётный орден земли Северный Рейн-Вестфалия, в 1990 — медаль Стефана Лохнера, в 1998 — крест за заслуги перед ФРГ, в 2002 — премию Binding-Kulturpreis.
1980-е — 1990-е годы — время больших ретроспектив художника. В те же годы он энергично работает, создавая крупные, монументальные полотна. Он также известен как выдающийся график.
Среди музеев, в коллекциях которых есть работы Бернарда Шульце, — музей Людвига в Кёльне, Städel Museum в Франкфурте-на-Майне, MUMOK в Вене, музей Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Центр Помпиду в Париже, галерея Тейт в Лондоне, MoMA в Нью-Йорке, Гарвардский художественный музей. Его картинами украшена столовая виллы Хаммершмидт в Бонне (резиденции президента ФРГ до середины 1990-х годов).
Жан Миотт (Jean Miotte)
1920 - 1999
Выдающийся французский художник-абстракционист.
Родился в Париже. В 1944 окончил Ecole des Travaux Publics (Париж) со степенью бакалавра, по математической специальности. С 1945 года занимался живописью. После срочной службы в армии (1945-46) твёрдо решил посвятить себя искусству и занялся самообразованием. Он посещал музеи, ателье художников на Монпарнасе (в частности, был у Отона Фриеза, Осипа Задкина). На него произвела большое впечатление живопись Жака Вийона, Анри Матисса и Жоржа Руо, чуть позже — Робера Делоне и Фернана Леже.
Благодаря своим русским друзьям Миотт становится ценителем балета, ездит с ними на представления в Лондон и Монте-Карло. Позже он сделает много декораций и костюмов для театра.
В 1948 г. путешествует по Италии. Помимо музейных впечатлений, он обзаводится знакомствами среди молодых итальянских художников и архитекторов (в частности, сближается с художниками из римской Gruppo Forma 1 Пьеро Дорацио, Мино Гверрини и Акилле Перилли). С 1950 г. работает в своей мастерской в Медоне. В этом же году но впервые обращается к абстрактной живописи. Знакомится с Жаном Арпом и Джино Северини (который в это время тоже обратился к абстракционизму). В 1952 г. знакомится с художником Сэмом Фрэнсисом и посещает его мастерскую в Виль-д’Авре.
В 1952 г. Жан Миотт впервые выставляется на Salon des Réalités Nouvelles. В 1953 г. его работу приобретает Музей современного искусства города Парижа. В том же году начинает работать в Булони. Его булонскую мастерскую посещает Анри Гётц с учениками. В 1954 г. в галерее Люсьена Дюрана (Париж) прошла первая персональная выставка Миотта.
В середине 1950-х гг. сближается с русскими художниками Второй парижской школы — Ланским, Поляковым, Димитриенко. Мишель Сёфор включил его в свой «Словарь абстрактной живописи» (1957). На выставке «50 лет абстрактной живописи» в галерее Крёза, посвящённой выходу этой книги, также была показана живопись Миотта. В 1958 г. представителем Жана Миотта становится галерея Жака Дюбурга.
В 1961 г. Жан Миотт получает грант Фонда Форда, который позволил ему шесть месяцев жить в Нью-Йорке. Там он позакомился с художниками Александером Колдером, Робертом Мазервеллом, Жаком Липшицем и Марком Ротко. Его работы приобретают нью-йоркская галерея Кнёдлера, дирижёр Метрополитен-опера Владимир Гольшман и виолончелист Альфред Уолленстайн.
В 60-е годы в галереях и музеях Голландии и Дании проходит несколько персональных выставок Миотта. В 1966 г. Георг Трёллер снял для австрийского телевидения первый документальный фильм о нём. Принимал деятельное участие в событиях мая 1968 г. в Париже.
В 1971 г. избран в члены жюри Salon des Réalités Nouvelles. В 1972 г. открыл студию в в Гамбурге. В 1975 г. вышла первая монография о Миотте с текстами Хосе Аугусто Франса и Кастора Зайбеля, в 1976 — вторая, написанная американским писателем Честером Хаймсом (переиздана в 1987 г.).
В 1976 г. переезжает в Нью-Йорк, снимает мастерскую в СоХо и заключает договор о сотрудничестве с галереей Марты Джексон. Владимир Бибич снимает о нём документальный фильм для Юнеско. В 1979 г. выставка Миотта проходит в Пекине. Он — первый художник Запада, чьи произведения были показаны в Китае после периода «культурной революции».
В 1981 г. из машины Жана Миотта похитили 12 его работ. После этого происшествия он глубоко подавлен и два года почти не пишет новые картины. Однако, продолжает путешествовать с выставками: в 1982 г. он посещает сначала Японию (Нару и Киото), затем Гонконг. В 1983 г. Жерар Ланжвин снимает новый фильм о Миотте, который поканывают на его новой большой выставке в Сингапуре.
С конца 1950-х до конца 1990-х Жан Миотт участвовал в сотнях выставок, как групповых, так и персональных, во множестве стран от Финляндии до Тайваня. Одних ретроспектив было восемнадцать. О Миотте сняли восемь фильмов и написали одиннадцать монографий (автор одной из них, 1998 г., — Карл Рурберг, бывший директор музея Людвига в Кёльне).
С начала 1970-х годов Миотт отходит от масляной живописи, всё чаще предпочитая акриловые краски. Кроме живописи, он занимался литографией, издавал малотиражные livres d’artiste (в частности, с Мишелем Бутором в 1985 и 1988 гг., с Андре Верде в 1987, Кеннетом Уайтом в 1994 г.), по его эскизам делали ковры. В 1991 году он принял участие в работе 55 художников из 23 стран над альбомом ЮНЕСКО, посвящённым Декларации прав человека.
Его работы находятся в MoMA, музее Купер-Хьюитт, музее Соломона Гуггенхайма и Художественном музее Челси в Нью-Йорке, в Музее современного искусства города Парижа, в коллекции Министерства культуры Франции, Национальной библиотеке Франции, французском Национальном фонде современного искусства, Опере Бастилии в Париже, в музее Людвига в Кёльне, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Национальном музее Сингапура, Национальном музее Бангладеш в Дакке, Тайванском художественном музее в Тайчуне, музее университета Брандейса, США, Художественном музее Экланда в Чепел Хилл, США, SMPK, Kupferstichkabinett (Берлин), Культурном центре Куаутемока (Мексика), в музеях Сен-Омера, Дюнкерка, Рокбрюн-Кап-Мартен, Шатору, Берк-сюр-Мер, Марк-ан-Барёль, Мюххена, Саарбрюкена, Дортмунда, Гамбурга, Вальядолида и Вильяфамеса (Испания),Мааслуиса (Нидерланды), Монте-Карло, Копенгагена, Бейрута.
1920 - 1999
Выдающийся французский художник-абстракционист.
Родился в Париже. В 1944 окончил Ecole des Travaux Publics (Париж) со степенью бакалавра, по математической специальности. С 1945 года занимался живописью. После срочной службы в армии (1945-46) твёрдо решил посвятить себя искусству и занялся самообразованием. Он посещал музеи, ателье художников на Монпарнасе (в частности, был у Отона Фриеза, Осипа Задкина). На него произвела большое впечатление живопись Жака Вийона, Анри Матисса и Жоржа Руо, чуть позже — Робера Делоне и Фернана Леже.
Благодаря своим русским друзьям Миотт становится ценителем балета, ездит с ними на представления в Лондон и Монте-Карло. Позже он сделает много декораций и костюмов для театра.
В 1948 г. путешествует по Италии. Помимо музейных впечатлений, он обзаводится знакомствами среди молодых итальянских художников и архитекторов (в частности, сближается с художниками из римской Gruppo Forma 1 Пьеро Дорацио, Мино Гверрини и Акилле Перилли). С 1950 г. работает в своей мастерской в Медоне. В этом же году но впервые обращается к абстрактной живописи. Знакомится с Жаном Арпом и Джино Северини (который в это время тоже обратился к абстракционизму). В 1952 г. знакомится с художником Сэмом Фрэнсисом и посещает его мастерскую в Виль-д’Авре.
В 1952 г. Жан Миотт впервые выставляется на Salon des Réalités Nouvelles. В 1953 г. его работу приобретает Музей современного искусства города Парижа. В том же году начинает работать в Булони. Его булонскую мастерскую посещает Анри Гётц с учениками. В 1954 г. в галерее Люсьена Дюрана (Париж) прошла первая персональная выставка Миотта.
В середине 1950-х гг. сближается с русскими художниками Второй парижской школы — Ланским, Поляковым, Димитриенко. Мишель Сёфор включил его в свой «Словарь абстрактной живописи» (1957). На выставке «50 лет абстрактной живописи» в галерее Крёза, посвящённой выходу этой книги, также была показана живопись Миотта. В 1958 г. представителем Жана Миотта становится галерея Жака Дюбурга.
В 1961 г. Жан Миотт получает грант Фонда Форда, который позволил ему шесть месяцев жить в Нью-Йорке. Там он позакомился с художниками Александером Колдером, Робертом Мазервеллом, Жаком Липшицем и Марком Ротко. Его работы приобретают нью-йоркская галерея Кнёдлера, дирижёр Метрополитен-опера Владимир Гольшман и виолончелист Альфред Уолленстайн.
В 60-е годы в галереях и музеях Голландии и Дании проходит несколько персональных выставок Миотта. В 1966 г. Георг Трёллер снял для австрийского телевидения первый документальный фильм о нём. Принимал деятельное участие в событиях мая 1968 г. в Париже.
В 1971 г. избран в члены жюри Salon des Réalités Nouvelles. В 1972 г. открыл студию в в Гамбурге. В 1975 г. вышла первая монография о Миотте с текстами Хосе Аугусто Франса и Кастора Зайбеля, в 1976 — вторая, написанная американским писателем Честером Хаймсом (переиздана в 1987 г.).
В 1976 г. переезжает в Нью-Йорк, снимает мастерскую в СоХо и заключает договор о сотрудничестве с галереей Марты Джексон. Владимир Бибич снимает о нём документальный фильм для Юнеско. В 1979 г. выставка Миотта проходит в Пекине. Он — первый художник Запада, чьи произведения были показаны в Китае после периода «культурной революции».
В 1981 г. из машины Жана Миотта похитили 12 его работ. После этого происшествия он глубоко подавлен и два года почти не пишет новые картины. Однако, продолжает путешествовать с выставками: в 1982 г. он посещает сначала Японию (Нару и Киото), затем Гонконг. В 1983 г. Жерар Ланжвин снимает новый фильм о Миотте, который поканывают на его новой большой выставке в Сингапуре.
С конца 1950-х до конца 1990-х Жан Миотт участвовал в сотнях выставок, как групповых, так и персональных, во множестве стран от Финляндии до Тайваня. Одних ретроспектив было восемнадцать. О Миотте сняли восемь фильмов и написали одиннадцать монографий (автор одной из них, 1998 г., — Карл Рурберг, бывший директор музея Людвига в Кёльне).
С начала 1970-х годов Миотт отходит от масляной живописи, всё чаще предпочитая акриловые краски. Кроме живописи, он занимался литографией, издавал малотиражные livres d’artiste (в частности, с Мишелем Бутором в 1985 и 1988 гг., с Андре Верде в 1987, Кеннетом Уайтом в 1994 г.), по его эскизам делали ковры. В 1991 году он принял участие в работе 55 художников из 23 стран над альбомом ЮНЕСКО, посвящённым Декларации прав человека.
Его работы находятся в MoMA, музее Купер-Хьюитт, музее Соломона Гуггенхайма и Художественном музее Челси в Нью-Йорке, в Музее современного искусства города Парижа, в коллекции Министерства культуры Франции, Национальной библиотеке Франции, французском Национальном фонде современного искусства, Опере Бастилии в Париже, в музее Людвига в Кёльне, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Национальном музее Сингапура, Национальном музее Бангладеш в Дакке, Тайванском художественном музее в Тайчуне, музее университета Брандейса, США, Художественном музее Экланда в Чепел Хилл, США, SMPK, Kupferstichkabinett (Берлин), Культурном центре Куаутемока (Мексика), в музеях Сен-Омера, Дюнкерка, Рокбрюн-Кап-Мартен, Шатору, Берк-сюр-Мер, Марк-ан-Барёль, Мюххена, Саарбрюкена, Дортмунда, Гамбурга, Вальядолида и Вильяфамеса (Испания),Мааслуиса (Нидерланды), Монте-Карло, Копенгагена, Бейрута.
Жерар Эрнест Шнайдер (Jerard Schneider)
1896 - 1986
Один из первых и главных художников французской лирической абстракции.
Родился в Швейцарии в семье антиквара. Провёл детство в Нёвшателе. В возрасте 20 лет поступил в Национальную школу декоративных искусств (École nationale des arts décoratifs) в Париже, в 1918 г. перешёл в Ecole Nationale des Beaux-Arts (также в Париже), где учился у Фернана Кормона, патриарха французской академической живописи, учителя Ван Гога и Тулуз-Лотрека. С 1922 г. постоянно живёт в Париже. В 1926 г. впервые выставился на Осеннем салоне.
20-е годы для Жерара Шнайдера — время долгого поиска себя. Он работает реставратором живописи, изучает историю искусств, экспериментирует с техниками. Он также писал стихи и входил в литературную группировку сюрреалистов. С 1932 г. под влиянием Кандинского и сюрреалистов Шнайдер постепенно отходит от изобразительности. Свою живопись он начинает определять как лирическую абстракцию. В 1936 г. выставил на Салоне сверхнезависимых пять своих работ, в 1937 — одну, в 1938 — три, абстрактные, с одинаковыми названиями «Композиция».
Во время войны Жерар Шнайдер жил в оккупированном Париже. Он продолжал писать абстрактные картины, которым с 1945 года даёт новые названия: Opus с порядковым номером. Одна из последних его работ, названных «Композиция», в 1945 г. стала одним из первых приобретений Национального музея современного искусства.
В 1946 г. выставился на первом Salon des réalités nouvelles — главной парижской периодической выставке абстрактного искусства (Шнайдер вновь участвовал в ней в 1949, 1956 и 1958 гг.). В 1947 г. работы Шнайдера были показаны на групповой выставке «Абстрактная живопись» в парижской галерее Дениз Рене. В том же году в галерее Лидии Конти прошла его персональная выставка.
В 1948 г. получил французское гражданство.
50-е годы — время наибольшей славы Жерара Шнайдера. Вместе со своими друзьями, Хансом Хартунгом и Пьером Сулажем, он считается важнейшим художником-абстракционистом. Его картины включают почти во все обзорные выставки француского искусства, которыых в 50-е годы было множество в разных странах. Бывало, что одновременно он участвовал в десяти выставках. Вот некоторые из них, самые важные.
С 1949 года Жерар Шнайдер постоянно выставлялся на Salon de Mai, а в 1956 г. избран в его оргкомитет. Участвовал в передвижной выставке Wanderausstellung Französischer Abstrakter Malerei, проходившей в Западной Германии в 1948-49 гг., выставился в 1949 и 1951 г. в галерее Бетти Парсонс в США, затем в выставке Advancing French Art в разных городах США. В 1955 — 1961 знаменитая галерее Сэмюэла Кутца в Нью-Йорке была эксклюзивным представителем Жерара Шнайдера в США. В 1950 Opus 445 покупает галерея Филлипс, в 1955 г. Opus 95 — MoMA.
В 1953 г. прошла первая ретроспектива Жерара Шнайдера в Брюсселе. В 1962 г. — вторая в Kunstverein в Дюссельдорфе. Он выставлялся на Венецианской биеннале в 1948, 1954 и 1966 г., на биеннале в Сан-Паулу в 1951, 1953 и 1961 г., на Документе в Касселе в 1955 и 1959. Эспозиция во французском павильоне на Венецианской биеннале 1966 г. была его персональной выставкой. В 1970 г. прошла новая ретроспектива Шнайдера в Городской галерее современного искусства в Турине, а затем в павильоне «Земля людей» в Монреале. Предисловие к её каталогу написал Эжен Ионеско.
В 1950 г., когда Жерар Шнайдер участвовал в коллективной выставке в Японии, он получил премию губернатора Токио. В 1957 г. — Prix Lissone. В 1975 г. — Grand Prix National des Arts.
Абстрактная живопись Жерара Шнайдера эмоциональная, интуитивная. Он вообще рассматривал её как отражение внутреннего мира художника. Шнайдер был тонким знатоком музыки и находил в живописи много общего с её строем.
Работы Жерара Шнайдера хранятся в Центре Помпиду и Музее современного искусства города Парижа, MoMA, музее Людвига в Кёльне, Галереи современного искусства в Риме, коллекции Филлипс в Вашингтоне, Музее изящных искусств в Монреале, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Музее современного искусства в Брюсселе, Художественном музее в Нанте, в музее Финикса, Йельском университете в Нью-Хэвене, Принстонском университете и Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, Walker Art Center в Миннеаполисе, музее Олбрайта-Нокса в Баффало, Fine Art Center в Колорадо-Спрингз, музее Джакарты, Художественном музее в Сеуле, Государственном музее в Камакуре, фонде Сони Хени и Нильса Онстада в Осло, Городской галерее современного искусства в Турине, музее Ворчестера (США), в Kunsthaus в Цюрихе и Музее искусства и истории в Нёвшателе. Мозаика Жерара Шнайдера находится в здании Министерства почты и телекоммуникаций в Париже.
1896 - 1986
Один из первых и главных художников французской лирической абстракции.
Родился в Швейцарии в семье антиквара. Провёл детство в Нёвшателе. В возрасте 20 лет поступил в Национальную школу декоративных искусств (École nationale des arts décoratifs) в Париже, в 1918 г. перешёл в Ecole Nationale des Beaux-Arts (также в Париже), где учился у Фернана Кормона, патриарха французской академической живописи, учителя Ван Гога и Тулуз-Лотрека. С 1922 г. постоянно живёт в Париже. В 1926 г. впервые выставился на Осеннем салоне.
20-е годы для Жерара Шнайдера — время долгого поиска себя. Он работает реставратором живописи, изучает историю искусств, экспериментирует с техниками. Он также писал стихи и входил в литературную группировку сюрреалистов. С 1932 г. под влиянием Кандинского и сюрреалистов Шнайдер постепенно отходит от изобразительности. Свою живопись он начинает определять как лирическую абстракцию. В 1936 г. выставил на Салоне сверхнезависимых пять своих работ, в 1937 — одну, в 1938 — три, абстрактные, с одинаковыми названиями «Композиция».
Во время войны Жерар Шнайдер жил в оккупированном Париже. Он продолжал писать абстрактные картины, которым с 1945 года даёт новые названия: Opus с порядковым номером. Одна из последних его работ, названных «Композиция», в 1945 г. стала одним из первых приобретений Национального музея современного искусства.
В 1946 г. выставился на первом Salon des réalités nouvelles — главной парижской периодической выставке абстрактного искусства (Шнайдер вновь участвовал в ней в 1949, 1956 и 1958 гг.). В 1947 г. работы Шнайдера были показаны на групповой выставке «Абстрактная живопись» в парижской галерее Дениз Рене. В том же году в галерее Лидии Конти прошла его персональная выставка.
В 1948 г. получил французское гражданство.
50-е годы — время наибольшей славы Жерара Шнайдера. Вместе со своими друзьями, Хансом Хартунгом и Пьером Сулажем, он считается важнейшим художником-абстракционистом. Его картины включают почти во все обзорные выставки француского искусства, которыых в 50-е годы было множество в разных странах. Бывало, что одновременно он участвовал в десяти выставках. Вот некоторые из них, самые важные.
С 1949 года Жерар Шнайдер постоянно выставлялся на Salon de Mai, а в 1956 г. избран в его оргкомитет. Участвовал в передвижной выставке Wanderausstellung Französischer Abstrakter Malerei, проходившей в Западной Германии в 1948-49 гг., выставился в 1949 и 1951 г. в галерее Бетти Парсонс в США, затем в выставке Advancing French Art в разных городах США. В 1955 — 1961 знаменитая галерее Сэмюэла Кутца в Нью-Йорке была эксклюзивным представителем Жерара Шнайдера в США. В 1950 Opus 445 покупает галерея Филлипс, в 1955 г. Opus 95 — MoMA.
В 1953 г. прошла первая ретроспектива Жерара Шнайдера в Брюсселе. В 1962 г. — вторая в Kunstverein в Дюссельдорфе. Он выставлялся на Венецианской биеннале в 1948, 1954 и 1966 г., на биеннале в Сан-Паулу в 1951, 1953 и 1961 г., на Документе в Касселе в 1955 и 1959. Эспозиция во французском павильоне на Венецианской биеннале 1966 г. была его персональной выставкой. В 1970 г. прошла новая ретроспектива Шнайдера в Городской галерее современного искусства в Турине, а затем в павильоне «Земля людей» в Монреале. Предисловие к её каталогу написал Эжен Ионеско.
В 1950 г., когда Жерар Шнайдер участвовал в коллективной выставке в Японии, он получил премию губернатора Токио. В 1957 г. — Prix Lissone. В 1975 г. — Grand Prix National des Arts.
Абстрактная живопись Жерара Шнайдера эмоциональная, интуитивная. Он вообще рассматривал её как отражение внутреннего мира художника. Шнайдер был тонким знатоком музыки и находил в живописи много общего с её строем.
Работы Жерара Шнайдера хранятся в Центре Помпиду и Музее современного искусства города Парижа, MoMA, музее Людвига в Кёльне, Галереи современного искусства в Риме, коллекции Филлипс в Вашингтоне, Музее изящных искусств в Монреале, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Музее современного искусства в Брюсселе, Художественном музее в Нанте, в музее Финикса, Йельском университете в Нью-Хэвене, Принстонском университете и Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, Walker Art Center в Миннеаполисе, музее Олбрайта-Нокса в Баффало, Fine Art Center в Колорадо-Спрингз, музее Джакарты, Художественном музее в Сеуле, Государственном музее в Камакуре, фонде Сони Хени и Нильса Онстада в Осло, Городской галерее современного искусства в Турине, музее Ворчестера (США), в Kunsthaus в Цюрихе и Музее искусства и истории в Нёвшателе. Мозаика Жерара Шнайдера находится в здании Министерства почты и телекоммуникаций в Париже.
Александр Гарбель (Alexandre Garbell)
1903 - 1970
Французский художник, представитель Парижской школы.
Родился в Риге. Начал рисовать в возрасте тринадцати лет. После учебы в Москве переехал с семьей в Германию и начал посещать Гейдельбергскую академию. В 1923 году он прибыл в Париж и стал учеником в Академии Рансона, где он учился у Роже Биссьера — представителя лирической абстракции. Там же Гарбель познакомился с Альфредом Маннесье, Франсисом Грюбером и др. Так он стал частью того, что называется Парижской школой. Довольно быстро Гарбель вырабатывает собственную стилистику.
С 1928 года работы Гарбеля регулярно экспонируются в Париже, как на персональных, так и на групповых выставках.
Во время Второй мировой войны, как многие другие художники (Марсель Ривье, Андре Ланской), Гарбель нашел убежище в Мирманде, где Андре Лот (художник, скульптор, педагог, теоретик искусства) открыл академию. Работая преподавалетем в Академии Андре Лота, Гарбель оказывает влияние на новое поколение художников.
В 1946 году Александр Гарбель вернулся в Париж, где подружился с Полом Акерманом и выставлялся в больших галереях (Delpierre, Galerie du Siècle, Pierre Loeb). Он регулярно участвовал в важных выставках во Франции: Salon des overindépendants, Salon de mai ( 1950, 1954 — 1961); Salon des realités nouvelles (1961); Salon Comparaisons (1956, 1957, 1962, 1963) и многих других. В 50-е и 60-е годы его работы показывали на выставках в Дании, Швейцарии, Англии, Италии, США. К выставке, прошедшей в Нью-Йорке в 1956 году, о Гарбеле был снят телевизионный фильм «Художник и его работы».
Большая персональная выставка «Гарбель, пятнадцать лет живописи» прошла в 1970 году в Galerie Framond в Париже. Художник умер в декабре того же года и был похоронен в Монри.
У Александра Гарбеля есть сын — Камиль Гарбель, скульптор.
В начальный период своего творчества Гарбель был увлечен абстракцией. Позже он он отошел от резкого противопоставления абстрактной и фигуративной живописи. Одними из основных источников вдохновения для него стали скалы и пляж в Мер-ле-Бен — коммуне на севере Франции.
Жан Майе (Jean Mailhe)
1912 - 1997
Французский художник. Родился в Реймсе. После службы в Иностранном легионе жил в Северной Африке (в основном в Марокко). Там прошли его первые выставки: в 1935 и 1939 гг. в Мекнесе, в 1939 в Рабате.
С 1946 г. живёт во Франции. В 1950 году по совету Альбера Глейзера переезжает в Париж и под влиянием этого художника отходит от фигуративизма. В 1962 г. прошла персональная выставка Жана Майе — сначала в мастерской художника, затем в галерее l’Antipoète, находившейся неподалёку. В 1962-63 гг. он участвовал в групповых выставках вместе с Сержем Поляковым, Жаном Арпом, Куртом Зелигманом. В 1967 г. на биеннале в Анконе получил золотую медаль. После 1975 г. выставлялся на Осеннем салоне, салоне Независимых, Salon Comparaisons.
Работы художника хранятся в Парижском музее естественной истории, Fondation Maeght в Сен-Поль-де-Ванс, в музее Пфрцхайма.
1912 - 1997
Французский художник. Родился в Реймсе. После службы в Иностранном легионе жил в Северной Африке (в основном в Марокко). Там прошли его первые выставки: в 1935 и 1939 гг. в Мекнесе, в 1939 в Рабате.
С 1946 г. живёт во Франции. В 1950 году по совету Альбера Глейзера переезжает в Париж и под влиянием этого художника отходит от фигуративизма. В 1962 г. прошла персональная выставка Жана Майе — сначала в мастерской художника, затем в галерее l’Antipoète, находившейся неподалёку. В 1962-63 гг. он участвовал в групповых выставках вместе с Сержем Поляковым, Жаном Арпом, Куртом Зелигманом. В 1967 г. на биеннале в Анконе получил золотую медаль. После 1975 г. выставлялся на Осеннем салоне, салоне Независимых, Salon Comparaisons.
Работы художника хранятся в Парижском музее естественной истории, Fondation Maeght в Сен-Поль-де-Ванс, в музее Пфрцхайма.
Римма Заневская (Сапгир)
1930 – 2021
Cоветская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В начале 1960-х вместе с Франциско Инфанте входила в состав группы художников-кинетистов «Движение».
В 1944–1945 гг. Заневская училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила в Москве.
Работы Риммы Заневской находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи (Москва), в других государственных и частных коллекциях.
1930 – 2021
Cоветская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В начале 1960-х вместе с Франциско Инфанте входила в состав группы художников-кинетистов «Движение».
В 1944–1945 гг. Заневская училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила в Москве.
Работы Риммы Заневской находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи (Москва), в других государственных и частных коллекциях.
Виктор Вазарели (Victor Vasarely)
1906 – 1997
Один из главных художников второй половины XX века. Важнейший представитель и теоретик оп-арта и кинетического искусства.
Виктор (венг. Дьёзё) Вазарели родился в городе Печ в Венгрии. Учился на медика в университете Лоранда Этвёша в Будапеште. В 1927 г., отказавшись от карьеры врача, поступил в частную художественную академию Подолини и Фолкмана. Через год поступил в «Мюхей» — частную школу авангардного художника Шандора Бортника, бывшего преподавателя Баухауза, недавно вернувшегося в Будапешт.
В 1930 г. Виктор Вазарели женился на Кларе Шпиннер, другой ученице Бортника, и вместе с ней переехал в Париж. Во Франции работал графическим дизайнером, делал рекламные плакаты для агентств Havas, Draeger и Devambez. Он планировал развивать методику художественного образования Шандора Бортника и открыть собственную школу, но так и не открыл её. В 30-е Вазарели создвал графические серии с изображениями зебр, тигров, арлекинов, в которых часто прибегает к оптическим эффектам.
В 1942-44 гг. жил в Сен-Сере. После войны его мастерская находилась в Аркёе, пригороде Парижа. В 1961 г. переехал в Анне-сюр-Марн.
Лишь с 1944 года Вазарели систематически занимается живописью. С этого же года он регулярно выставляется в парижской галерее Дениз Рене. Первое время он хаотически осваивал опыт авангардной живописи того времени, подражая то сюрреалистам, то кубистам, то экспрессионистам. С 1947 года начинает писать абстрактные картины. Тогда же он начинает называть своё искусство оптическим).
С конца 1940-х Вазарели создаёт серии работ, в каждой из которых последовательно разрабатывет один пластический мотив: «Данфер» (по станции метро Данфер-Рошро в Париже, основой мотива была мозаика облицовки на этой станции), «Бель-Иль» с мотивом гальки с бель-ильского пляжа, «Горд/Кристалл» — с кубическими структурами, напоминающими дома южнофранцузского города Горда (с 1948 г. Вазарели проводил там лето). Были и другие циклы — в частности, «Посвящение Малевичу».
С 1951 г. занимается кинетическим искусством. Вместе с Марселем Дюшаном, Александером Колдером, Мэн Рэем, Хесусом Рафаэлем Сото и Жаном Тенгели он участвует в большой выставке Le Mouvement («Движение») в галерее Дениз Рене в Париже (1955). К этой выставке было приурочено издание «Жёлтого манифеста» (Le Manifeste Jaune), который Виктор Вазарели написал вместе с Понтусом Хюльтеном и Роже Бордье. Благодаря этому манифесту и некоторым другим, написанным позже, Вазарели стал главным теоретиком и пропагандистом оптического и кинетического искусства.
Работы Виктора Вазарели этого периода чёрно-белые. Лишь в 1960 г. в них возвращается цвета.
Помимо ежегодных выставок в галерее Дениз Рене и зарубежных выставок, которые организовывала чаще всего эта же галерея, Вазарели регулярно показывал свои работы на Салоне новых реальностей, Салоне Сверхнезависисых и Майском салоне. С галереей Рене с 1958 г. сотрудничал также Ивараль, сын Виктора Вазарели.
Идеи, высказанные в манифестах Вазарели (в частности, о том, что произведение искусства существует лишь в воображении зрителя, который в различных ситуациях по-разному воспринимает один и тот же набор оптических сигналов; поэтому зритель, а не художник — его подлинный автор), вдохновили, среди прочих, художников из Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV, активна в 1960-68 гг.). Следуя мысли Вазарели о том, что концепция авторства устарела, они работали коллективно и не афишировали свои имена.
Сам Вазарели пошёл по другому пути. Подобно Малевичу, Мондриану и художникам Баухауза, которые рассматривали абстрактную живопись как систематическую, почти научную работу по выработке универсальных композиционных принципов, в соответствии с которыми может и должна быть заново сконструирована вся предметная среда, окружающая человека; с конца 50-х годов он разрабатывал собственную версию всеобщего пластического языка (или пластического алфавита, как он сам его называл).
Вазарели ограничивает и упорядочивает набор элементов, с которыми работает: три круга, два квадрата, три ромба, два длинных прямоугольника, один треугольник и т. д.; а также по два-три оттенка спектральных и ахроматических цветов. Он постепенно расширял свой «словарь», нумеруя каждый элемент. Производство «произведений искусства» теоретически сводилось к свободным комбинациям ограниченного числа элементов; фактически же эта система так обширна, что оставляет бесконечный простор для творчества. Итог этой работы — альбом 1963 г. «Планетарный фольклор» (Folklore planétaire). Вазарели полагал, что выработанный им набор правил, ясный, последовательный, научный, должен стать новым универсальным языком дизайна и архитектуры.
Поэтому он часто сотрудничал с архитекторами. Первая такая совместная работа — монументальное панно «Посвящение Малевичу» в университетском городке Каракаса, 1954 (архитектор Карлос Рауль Вийянуэва). Кроме того, Вазарели участвовал в оформлении вокзала Мэн-Монпарнас в Париже, жилого дома R.T.L. в Париже, Филологического факультета в Монпелье, Музея Иерусалима, французского павильона на Всемирной выставке 1967 г. в Монреале, катка в Гренобле. Разработал орнамент для сервиза Suomi Тимо Сарпаневы для Rosenthal (1976).
В 1964 — 1976 гг. работал над серией «Hommage à l’Hexagone». Следующий период он называл «гештальт-периодом».
В 1970 г. в Горде открылся музей Виктора Вазарели (закрылся в 1997 г.) В 1975 г. в Экс-ан-Прованс открылся второй и главный музей Вазарели в здании, спроектированном при участии самого художника. Этот музей — один из больших культурных проектов Жоржа Помпиду, который, однако, сам не дожил до его открытия. В 1976 г. Виктор Вазарели установил в центре Жоржа Помпиду в Париже большой кинетический объект «Жорж Помпиду». Тогда же, в 1976-м, в Пече, родном городе художника, открылся третий его музей. В 1987-м — четвёртый, в Будапеште.
Искусство Виктора Вазарели отмечено многими премиями. В 1955 г., после публикации Жёлтого манифеста, он получил премию Критиков в Брюсселе, Золотую медаль на Триеннале в Милане, международные премии в Валенсии и Венесуэле. В 1964 г. — премию Гуггенхайма. В 1965 — Гран-при на VI Международной графической выставке в Любляне, Гран-при VIII Биеннале Сан-Паулу, Золотую медаль Общества содействия искусству и индустрии (Франция). В 1966 г. — премию I Графической биеннале в Кракове и Золотую медаль на II международном симпозиуме эстетики в Римини. В 1967 — приз министра иностранных дел Японии на IX Токийской биеннале и премию института Карнеги. В 1968 г. — первую премию на II Графической биеннале в Кракове, в 1969 — премию «Золотая палитра» на международном Фестивале живописи, Канн-сюр-Мер.
Кавалер Ордена Искусств и Литературы при министерстве культуры Франции (1965) и Ордена Почётного легиона (1970). Профессор Высшей школы прикладного искусства в Будапеште (1969).
Работы Виктора Вазарели побывали в космосе: в 1982 г. альбом с его гравюрами взял с собой французский космонавт Жан-Луп Кретьен на борт корабля «Салют-7». Позже они были проданы на благотворительном аукционе в пользу ЮНЕСКО.
Помимо музея Фонда Виктора Вазарели в Эксе и двух его музеев в Венгрии, работы Вазарели хранятся в Центре Помпиду, музее Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Музее современного искусства (MoMA) и Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, LACMA, Музее современного искусства в Сан-Франциско, Художественном музее Хьюстона, Cranbrook Art Museum, Национальном художественном музее и Музее латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе, Национальном художественном музее в Рио-де-Жанейро, EMMA в Эспоо, Музее современного искусства в Антверпене, Музее Израиля в Иерусалиме и многих других.
1906 – 1997
Один из главных художников второй половины XX века. Важнейший представитель и теоретик оп-арта и кинетического искусства.
Виктор (венг. Дьёзё) Вазарели родился в городе Печ в Венгрии. Учился на медика в университете Лоранда Этвёша в Будапеште. В 1927 г., отказавшись от карьеры врача, поступил в частную художественную академию Подолини и Фолкмана. Через год поступил в «Мюхей» — частную школу авангардного художника Шандора Бортника, бывшего преподавателя Баухауза, недавно вернувшегося в Будапешт.
В 1930 г. Виктор Вазарели женился на Кларе Шпиннер, другой ученице Бортника, и вместе с ней переехал в Париж. Во Франции работал графическим дизайнером, делал рекламные плакаты для агентств Havas, Draeger и Devambez. Он планировал развивать методику художественного образования Шандора Бортника и открыть собственную школу, но так и не открыл её. В 30-е Вазарели создвал графические серии с изображениями зебр, тигров, арлекинов, в которых часто прибегает к оптическим эффектам.
В 1942-44 гг. жил в Сен-Сере. После войны его мастерская находилась в Аркёе, пригороде Парижа. В 1961 г. переехал в Анне-сюр-Марн.
Лишь с 1944 года Вазарели систематически занимается живописью. С этого же года он регулярно выставляется в парижской галерее Дениз Рене. Первое время он хаотически осваивал опыт авангардной живописи того времени, подражая то сюрреалистам, то кубистам, то экспрессионистам. С 1947 года начинает писать абстрактные картины. Тогда же он начинает называть своё искусство оптическим).
С конца 1940-х Вазарели создаёт серии работ, в каждой из которых последовательно разрабатывет один пластический мотив: «Данфер» (по станции метро Данфер-Рошро в Париже, основой мотива была мозаика облицовки на этой станции), «Бель-Иль» с мотивом гальки с бель-ильского пляжа, «Горд/Кристалл» — с кубическими структурами, напоминающими дома южнофранцузского города Горда (с 1948 г. Вазарели проводил там лето). Были и другие циклы — в частности, «Посвящение Малевичу».
С 1951 г. занимается кинетическим искусством. Вместе с Марселем Дюшаном, Александером Колдером, Мэн Рэем, Хесусом Рафаэлем Сото и Жаном Тенгели он участвует в большой выставке Le Mouvement («Движение») в галерее Дениз Рене в Париже (1955). К этой выставке было приурочено издание «Жёлтого манифеста» (Le Manifeste Jaune), который Виктор Вазарели написал вместе с Понтусом Хюльтеном и Роже Бордье. Благодаря этому манифесту и некоторым другим, написанным позже, Вазарели стал главным теоретиком и пропагандистом оптического и кинетического искусства.
Работы Виктора Вазарели этого периода чёрно-белые. Лишь в 1960 г. в них возвращается цвета.
Помимо ежегодных выставок в галерее Дениз Рене и зарубежных выставок, которые организовывала чаще всего эта же галерея, Вазарели регулярно показывал свои работы на Салоне новых реальностей, Салоне Сверхнезависисых и Майском салоне. С галереей Рене с 1958 г. сотрудничал также Ивараль, сын Виктора Вазарели.
Идеи, высказанные в манифестах Вазарели (в частности, о том, что произведение искусства существует лишь в воображении зрителя, который в различных ситуациях по-разному воспринимает один и тот же набор оптических сигналов; поэтому зритель, а не художник — его подлинный автор), вдохновили, среди прочих, художников из Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV, активна в 1960-68 гг.). Следуя мысли Вазарели о том, что концепция авторства устарела, они работали коллективно и не афишировали свои имена.
Сам Вазарели пошёл по другому пути. Подобно Малевичу, Мондриану и художникам Баухауза, которые рассматривали абстрактную живопись как систематическую, почти научную работу по выработке универсальных композиционных принципов, в соответствии с которыми может и должна быть заново сконструирована вся предметная среда, окружающая человека; с конца 50-х годов он разрабатывал собственную версию всеобщего пластического языка (или пластического алфавита, как он сам его называл).
Вазарели ограничивает и упорядочивает набор элементов, с которыми работает: три круга, два квадрата, три ромба, два длинных прямоугольника, один треугольник и т. д.; а также по два-три оттенка спектральных и ахроматических цветов. Он постепенно расширял свой «словарь», нумеруя каждый элемент. Производство «произведений искусства» теоретически сводилось к свободным комбинациям ограниченного числа элементов; фактически же эта система так обширна, что оставляет бесконечный простор для творчества. Итог этой работы — альбом 1963 г. «Планетарный фольклор» (Folklore planétaire). Вазарели полагал, что выработанный им набор правил, ясный, последовательный, научный, должен стать новым универсальным языком дизайна и архитектуры.
Поэтому он часто сотрудничал с архитекторами. Первая такая совместная работа — монументальное панно «Посвящение Малевичу» в университетском городке Каракаса, 1954 (архитектор Карлос Рауль Вийянуэва). Кроме того, Вазарели участвовал в оформлении вокзала Мэн-Монпарнас в Париже, жилого дома R.T.L. в Париже, Филологического факультета в Монпелье, Музея Иерусалима, французского павильона на Всемирной выставке 1967 г. в Монреале, катка в Гренобле. Разработал орнамент для сервиза Suomi Тимо Сарпаневы для Rosenthal (1976).
В 1964 — 1976 гг. работал над серией «Hommage à l’Hexagone». Следующий период он называл «гештальт-периодом».
В 1970 г. в Горде открылся музей Виктора Вазарели (закрылся в 1997 г.) В 1975 г. в Экс-ан-Прованс открылся второй и главный музей Вазарели в здании, спроектированном при участии самого художника. Этот музей — один из больших культурных проектов Жоржа Помпиду, который, однако, сам не дожил до его открытия. В 1976 г. Виктор Вазарели установил в центре Жоржа Помпиду в Париже большой кинетический объект «Жорж Помпиду». Тогда же, в 1976-м, в Пече, родном городе художника, открылся третий его музей. В 1987-м — четвёртый, в Будапеште.
Искусство Виктора Вазарели отмечено многими премиями. В 1955 г., после публикации Жёлтого манифеста, он получил премию Критиков в Брюсселе, Золотую медаль на Триеннале в Милане, международные премии в Валенсии и Венесуэле. В 1964 г. — премию Гуггенхайма. В 1965 — Гран-при на VI Международной графической выставке в Любляне, Гран-при VIII Биеннале Сан-Паулу, Золотую медаль Общества содействия искусству и индустрии (Франция). В 1966 г. — премию I Графической биеннале в Кракове и Золотую медаль на II международном симпозиуме эстетики в Римини. В 1967 — приз министра иностранных дел Японии на IX Токийской биеннале и премию института Карнеги. В 1968 г. — первую премию на II Графической биеннале в Кракове, в 1969 — премию «Золотая палитра» на международном Фестивале живописи, Канн-сюр-Мер.
Кавалер Ордена Искусств и Литературы при министерстве культуры Франции (1965) и Ордена Почётного легиона (1970). Профессор Высшей школы прикладного искусства в Будапеште (1969).
Работы Виктора Вазарели побывали в космосе: в 1982 г. альбом с его гравюрами взял с собой французский космонавт Жан-Луп Кретьен на борт корабля «Салют-7». Позже они были проданы на благотворительном аукционе в пользу ЮНЕСКО.
Помимо музея Фонда Виктора Вазарели в Эксе и двух его музеев в Венгрии, работы Вазарели хранятся в Центре Помпиду, музее Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Музее современного искусства (MoMA) и Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, LACMA, Музее современного искусства в Сан-Франциско, Художественном музее Хьюстона, Cranbrook Art Museum, Национальном художественном музее и Музее латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе, Национальном художественном музее в Рио-де-Жанейро, EMMA в Эспоо, Музее современного искусства в Антверпене, Музее Израиля в Иерусалиме и многих других.
Пётр Павлович Гримм (Pierre Grimm)
1898 – 1979
Живописец, график, сценограф, фотограф. Родился в России в дворянской семье немецкого происхождения. Учился в мастерской Я. Ф. Ционглинского в Петербурге и несколько месяцев посещал Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры.
В 1915 году в качестве художника и фотографа участвовал в этнографической экспедиции по русской части Центральной Азии. В 1917 году жил в Москве и работал как театральный декоратор, рисовал для газет. Увлекался фотографией. После тюремного заключения переехал в Крым.
В 1920 году эмигрировал в Константинополь, затем в Загреб, Вену, Берлин. В 1923 г. поселился в Париже. С 1927 жил на Монпарнасе, где снял небольшую мастерскую и писал виды из ее окна. Там он познакомился с Ю. П. Анненковым, И. А. Пуни, М. Э. Виейра да Силва, А. Сенешем и А. Старицкой.
После войны обратился к абстрактной живописи. С 1952 создавал картоны гобеленов для мануфактуры в Бовэ.
Выставлялся на Осеннем салоне (с 1929), Салоне Тюильри (1939), Салоне Независимых (1957). Его персональные выставки проходили в галерее Crausen в Копенгагене (1935), парижских галереях A. Poyet (1938), Rotgé (1943), Pierre (1949), Bellechasse» (1957), Le Point Cardinal (1962), галерее Knoedler в Нью-Йорке (1949), O`Hana в Лондоне (1954), а также в Стокгольме и Осло (1962). Был участником групповых выставок в галерее Beaux-arts. В 1945 — 1946 гг. участвовал в выставках русских художников, организованных комитетом «Франция–СССР» и Союзом русских патриотов.
Работы экспонировались также на выставках: «Русский взгляд» в Гейдельберге (1974), «Русские художники Парижской школы» (1961), «Снова русские» (1975) в Париже. В 1964 году был награжден орденом Искусств и словесности. В 2011 работы художника экспонировались в Москве на выставке «Арт-миссия: Возвращение на Родину».
1898 – 1979
Живописец, график, сценограф, фотограф. Родился в России в дворянской семье немецкого происхождения. Учился в мастерской Я. Ф. Ционглинского в Петербурге и несколько месяцев посещал Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры.
В 1915 году в качестве художника и фотографа участвовал в этнографической экспедиции по русской части Центральной Азии. В 1917 году жил в Москве и работал как театральный декоратор, рисовал для газет. Увлекался фотографией. После тюремного заключения переехал в Крым.
В 1920 году эмигрировал в Константинополь, затем в Загреб, Вену, Берлин. В 1923 г. поселился в Париже. С 1927 жил на Монпарнасе, где снял небольшую мастерскую и писал виды из ее окна. Там он познакомился с Ю. П. Анненковым, И. А. Пуни, М. Э. Виейра да Силва, А. Сенешем и А. Старицкой.
После войны обратился к абстрактной живописи. С 1952 создавал картоны гобеленов для мануфактуры в Бовэ.
Выставлялся на Осеннем салоне (с 1929), Салоне Тюильри (1939), Салоне Независимых (1957). Его персональные выставки проходили в галерее Crausen в Копенгагене (1935), парижских галереях A. Poyet (1938), Rotgé (1943), Pierre (1949), Bellechasse» (1957), Le Point Cardinal (1962), галерее Knoedler в Нью-Йорке (1949), O`Hana в Лондоне (1954), а также в Стокгольме и Осло (1962). Был участником групповых выставок в галерее Beaux-arts. В 1945 — 1946 гг. участвовал в выставках русских художников, организованных комитетом «Франция–СССР» и Союзом русских патриотов.
Работы экспонировались также на выставках: «Русский взгляд» в Гейдельберге (1974), «Русские художники Парижской школы» (1961), «Снова русские» (1975) в Париже. В 1964 году был награжден орденом Искусств и словесности. В 2011 работы художника экспонировались в Москве на выставке «Арт-миссия: Возвращение на Родину».
Клод Бельгард (Claude Bellegarde)
1927 – 2019
Французский художник-абстракционист. В юности изучал живопись и скульптуру в частной мастерской в Париже.
В конце Второй мировой войны встречается с Ланца дель Васто — знаменитым сторонником концепции ненасильственного протеста, поэтом, писателем и духовной главой «Сообщества Ковчега». Клод Бельгард становится активным участником этого сообщества. Тогда же он начинает заниматься скульптурой.
Вдохновленный тестами Роршаха и живописью абстрактных экспрессионистов, Бельгард постепенно приходит к ташизму («живописи пятнами»).
С 1951 года начинается период монохромной живописи, названный «Белым периодом». Бельгард создает серию работ под названием «Ахроматизм» — текстурные монохромные абстрактные полотна. Именно в этот период Бельгард становится узнаваемым и полноправным членом сообщества послевоенных фрацузских художников. Он присоединяется к авангардной группе «Dessins», которая занимается живописью действия — художественной техникой, заключающейся в том, что вместо нанесения традиционными способами краска наливается, разбрызгивается и т.д. Позже он сближается с абстрактным экспрессионизмом. Интересно, что в 1955 году его «Белые» работы экспонировались в галерее Facchetti, той самой галерее, где впервые был представлен французской публике Джексон Поллок — самый известный представитель абстрактного экспрессионизма.
После высокой оценки критика и теоретика искусства Пьера Рестани Бельгард начинает выставляться за границей: в Германии, Бельгии, Великобритании и Италии, где его работы пользовались особенным успехом. В частности, в Милане, его работу приобрел знаменитый художник Лучо Фонтана. В этот же период его работы начали приобретать французские музеи и центры современного искусства, среди которых Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
В 1960-е годы Бельгард вновь вводит с свою живопись цвет. Некоторое время он проводит в Америке, участвуя в различных художественных симпозиумах, исследующих теорию цвета. В 1964 году его работы экспонируются в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке. Возвращаясь во Францию, он продолжает изучение цвета. Здесь ему предлагают оформить палату для хромотерапии в клинике доктора А. Томатис, что было спровоцировано исследованием о влиянии цвета на психологическое состояние беспокойных пациентов. Эти исследования были опубликованы в книге «Human Nature», а символичная работа художника этого периода «History of the Eye» была приобретена Лионским музеем изящных искусств (Musée des Beaux Arts de Lyon).
Бельгард был представителем Франции на Международной биеннале в Сан-Паулу 1965 года. В том же году он был удостоен премии на биеннале в Сан-Марино, Италия. В 1971 году прошла его ретроспективная выставка в Музее современного искусства города Парижа.
В 1983 году Бельгард получил докторскую степень в Сорбонне, после чего активно выступал на различных конференциях и работал над архитектурными, музыкальными и кинематографическими проектами. В 1986 году Министерство культуры Франции наградило его Орденом Искусств и литературы.
Его работы хранятся в Музее современного искусства города Парижа, центре Жоржа Помпиду, музее Кантини в Марселе; Музее изобразительных искусств в Лилле; галерее Тейт, музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке; Токийском музее современного искусства и других.
1927 – 2019
Французский художник-абстракционист. В юности изучал живопись и скульптуру в частной мастерской в Париже.
В конце Второй мировой войны встречается с Ланца дель Васто — знаменитым сторонником концепции ненасильственного протеста, поэтом, писателем и духовной главой «Сообщества Ковчега». Клод Бельгард становится активным участником этого сообщества. Тогда же он начинает заниматься скульптурой.
Вдохновленный тестами Роршаха и живописью абстрактных экспрессионистов, Бельгард постепенно приходит к ташизму («живописи пятнами»).
С 1951 года начинается период монохромной живописи, названный «Белым периодом». Бельгард создает серию работ под названием «Ахроматизм» — текстурные монохромные абстрактные полотна. Именно в этот период Бельгард становится узнаваемым и полноправным членом сообщества послевоенных фрацузских художников. Он присоединяется к авангардной группе «Dessins», которая занимается живописью действия — художественной техникой, заключающейся в том, что вместо нанесения традиционными способами краска наливается, разбрызгивается и т.д. Позже он сближается с абстрактным экспрессионизмом. Интересно, что в 1955 году его «Белые» работы экспонировались в галерее Facchetti, той самой галерее, где впервые был представлен французской публике Джексон Поллок — самый известный представитель абстрактного экспрессионизма.
После высокой оценки критика и теоретика искусства Пьера Рестани Бельгард начинает выставляться за границей: в Германии, Бельгии, Великобритании и Италии, где его работы пользовались особенным успехом. В частности, в Милане, его работу приобрел знаменитый художник Лучо Фонтана. В этот же период его работы начали приобретать французские музеи и центры современного искусства, среди которых Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
В 1960-е годы Бельгард вновь вводит с свою живопись цвет. Некоторое время он проводит в Америке, участвуя в различных художественных симпозиумах, исследующих теорию цвета. В 1964 году его работы экспонируются в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке. Возвращаясь во Францию, он продолжает изучение цвета. Здесь ему предлагают оформить палату для хромотерапии в клинике доктора А. Томатис, что было спровоцировано исследованием о влиянии цвета на психологическое состояние беспокойных пациентов. Эти исследования были опубликованы в книге «Human Nature», а символичная работа художника этого периода «History of the Eye» была приобретена Лионским музеем изящных искусств (Musée des Beaux Arts de Lyon).
Бельгард был представителем Франции на Международной биеннале в Сан-Паулу 1965 года. В том же году он был удостоен премии на биеннале в Сан-Марино, Италия. В 1971 году прошла его ретроспективная выставка в Музее современного искусства города Парижа.
В 1983 году Бельгард получил докторскую степень в Сорбонне, после чего активно выступал на различных конференциях и работал над архитектурными, музыкальными и кинематографическими проектами. В 1986 году Министерство культуры Франции наградило его Орденом Искусств и литературы.
Его работы хранятся в Музее современного искусства города Парижа, центре Жоржа Помпиду, музее Кантини в Марселе; Музее изобразительных искусств в Лилле; галерее Тейт, музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке; Токийском музее современного искусства и других.
Этторе Соттсас (Ettore Sottsass)
1917 – 2007
Знаменитый итальянский дизайнер и архитектор, один из главных идеологов радикального дизайна, основатель дизайн-группы “Мемфис”, прогремевшей на Миланском мебельном салоне в 1981 году. Обладатель премии Compasso d’Oro 1959 за проект первого итальянского компьютера Elea 9003 для Olivetti, автор бестселлера 1960-х печатной машинки Valentine и крупнейшего аэропорта Милана — Malpensa.
1935 — 1939 — изучал архитектуру в Туринском политехническом университете
Во время Второй Мировой войны оказался в югославском концентрационном лагере в Сараево
1945 — 1946 — работал с отцом над проектами жилищного строительства в архитектурном бюро Giuseppe Pagano
1956 — поездка в Нью-Йорк для работы в студии Джорджа Нельсона, путешествие по США
1958 — становится консультантом по дизайну в компании Olivetti
1959 — получает премию Copmpasso d’Oro за дизайн компьютера Elea 9003 для Olivetti
1961 — путешествует по Индии
1964 – 1965 – создаёт печатную машинку Valentine, за которую получает награду Delta di Ore, руководит ее рекламной компанией, проводимой по всему миру.
1966 — 1967 — начинает сотрудничество с мебельной фабрикой Poltronova; создаёт большую серию керамических ваз, вдохновлённых поездкой в Индию
1967 — становится соучредителем литературного журнала Planeta Fresco совместно с Алленом Гинсбергом
1970 — читает курс лекций в Великобритании и Японии, получает степень почетной доктора архитектуры в London College of Art
1972 — сотрудничество с компанией Alessi; участвует в коллективной выставке итальянского дизайна Italy, the New Domestic Landscape в MoMA, Нью Йорк
1973 — 1975 — участвует в создании Global Tools Group, мультидисциплинарной экспериментальной программы дизайнерского образования. Программа была задумана как система лабораторий во Флоренции, Милане и Неаполе для изучения природных материалов, их свойств и направлена на создание альтернативных отношений с итальянской промышленностью
1976 — большая ретроспективная выставка Этторе Соттсасса в Берлине, Париже, Иерусалиме и Сиднее
1980 — основание компании Sottsass Associati
1981 — возникновение радикальной дизайн-группы Memphis во главе с Этторе Соттсассом, в которую входили Марко Дзанини, Альдо Чибич, Маттео Тун, Микеле де Лукки, Мартин Бедан, Широ Курамата, Массанори Умеда, Натали дю Паскье
1985 — Этторе Соттсасс покидает Memphis и возвращается к архитектурной практике и промышленному дизайну в Sottsass Associati
2000 — проектирует аэропорт Malpensa в Милане
2001 — выставка Memphis Remembered в Музее дизайна в Лондоне.
2007 — выставка Ettore Sottsass: Work in Progress в Музее дизайна в Лондоне.
2008 — 2009 — выставка Ettore Sottsass et le design italien в Центре Помпиду в Париже.
Работы Этторе Соттсасса представлены в постоянных коллекциях музеев: MoMA, Нью Йорк; Centre Pompidou в Париже; Национальный музей Стокгольма.
1917 – 2007
Знаменитый итальянский дизайнер и архитектор, один из главных идеологов радикального дизайна, основатель дизайн-группы “Мемфис”, прогремевшей на Миланском мебельном салоне в 1981 году. Обладатель премии Compasso d’Oro 1959 за проект первого итальянского компьютера Elea 9003 для Olivetti, автор бестселлера 1960-х печатной машинки Valentine и крупнейшего аэропорта Милана — Malpensa.
1935 — 1939 — изучал архитектуру в Туринском политехническом университете
Во время Второй Мировой войны оказался в югославском концентрационном лагере в Сараево
1945 — 1946 — работал с отцом над проектами жилищного строительства в архитектурном бюро Giuseppe Pagano
1956 — поездка в Нью-Йорк для работы в студии Джорджа Нельсона, путешествие по США
1958 — становится консультантом по дизайну в компании Olivetti
1959 — получает премию Copmpasso d’Oro за дизайн компьютера Elea 9003 для Olivetti
1961 — путешествует по Индии
1964 – 1965 – создаёт печатную машинку Valentine, за которую получает награду Delta di Ore, руководит ее рекламной компанией, проводимой по всему миру.
1966 — 1967 — начинает сотрудничество с мебельной фабрикой Poltronova; создаёт большую серию керамических ваз, вдохновлённых поездкой в Индию
1967 — становится соучредителем литературного журнала Planeta Fresco совместно с Алленом Гинсбергом
1970 — читает курс лекций в Великобритании и Японии, получает степень почетной доктора архитектуры в London College of Art
1972 — сотрудничество с компанией Alessi; участвует в коллективной выставке итальянского дизайна Italy, the New Domestic Landscape в MoMA, Нью Йорк
1973 — 1975 — участвует в создании Global Tools Group, мультидисциплинарной экспериментальной программы дизайнерского образования. Программа была задумана как система лабораторий во Флоренции, Милане и Неаполе для изучения природных материалов, их свойств и направлена на создание альтернативных отношений с итальянской промышленностью
1976 — большая ретроспективная выставка Этторе Соттсасса в Берлине, Париже, Иерусалиме и Сиднее
1980 — основание компании Sottsass Associati
1981 — возникновение радикальной дизайн-группы Memphis во главе с Этторе Соттсассом, в которую входили Марко Дзанини, Альдо Чибич, Маттео Тун, Микеле де Лукки, Мартин Бедан, Широ Курамата, Массанори Умеда, Натали дю Паскье
1985 — Этторе Соттсасс покидает Memphis и возвращается к архитектурной практике и промышленному дизайну в Sottsass Associati
2000 — проектирует аэропорт Malpensa в Милане
2001 — выставка Memphis Remembered в Музее дизайна в Лондоне.
2007 — выставка Ettore Sottsass: Work in Progress в Музее дизайна в Лондоне.
2008 — 2009 — выставка Ettore Sottsass et le design italien в Центре Помпиду в Париже.
Работы Этторе Соттсасса представлены в постоянных коллекциях музеев: MoMA, Нью Йорк; Centre Pompidou в Париже; Национальный музей Стокгольма.
Рене Риштен (Rene Richetin)
1923 – 2008
Французский живописец и график. Родился в городе Вьерзоне в центральной Франции. В 1940 г. окончил Школу изящных искусств (l’Ecole des beaux-arts) в Париже. С 1945 г. занимался абстрактной живописью. Входил в группу «Кобра» (1949 — 1952), дружил с её основателями Пьером Алешинским, Карелом Аппелем и Асгером Йорном. В 1965 г. выпустил манифест «Le pop et l’aristo». Четырнадцать работ Рене Риштэна хранятся в Художественном музее Нанта (Musée d’arts de Nantes).
1923 – 2008
Французский живописец и график. Родился в городе Вьерзоне в центральной Франции. В 1940 г. окончил Школу изящных искусств (l’Ecole des beaux-arts) в Париже. С 1945 г. занимался абстрактной живописью. Входил в группу «Кобра» (1949 — 1952), дружил с её основателями Пьером Алешинским, Карелом Аппелем и Асгером Йорном. В 1965 г. выпустил манифест «Le pop et l’aristo». Четырнадцать работ Рене Риштэна хранятся в Художественном музее Нанта (Musée d’arts de Nantes).