МОНОХРОМ, С МАМОЙ ЗА СПИНОЙ в МAMM | Сентябрь 2024
17 сентября 2024 года в Мультимедиа Арт Музее открылась персональная выставка Евгения Музалевского.
Основу музейной экспозиции Музалевского составляют монохромные работы 2022–2023 годов. Серия задумывалась художником специально для институциональной выставки. Экспериментируя с материалами, добавляя к живописи масляными красками пастель, мастер добивается множественных вариаций оттенков внутри одного цвета
Часть проекта в Мультимедиа Арт Музее посвящена результату творческого тандема художника с собственной матерью. Образ матери, обращение к ней, размышления о ней — перманентно присутствуют в работах Музалевского. Все началось с определенного рода терапии, придуманной Евгением для матери, находившейся в колонии общего режима. Пронзительные, мастерски исполненные вышивки повторяют серию вертикальных холстов сына.
Живое и выразительное творчество Музалевского в хорошем смысле эгоцентрично. Оно непосредственно связано с жизненным опытом художника. Осваивая в своих абстрактных композициях масштабную плоскость холста, он конструирует прежде всего пространство собственных смыслов, персональную мифологию, отталкиваясь от событий своей драматической биографии. На выставке также показаны фрагменты графических дневников художника и акварельные работы.
На вернисаже побывали генеральный продюсер "Первого канала" Константин Эрнст, режиссер Павел Лунгин, певец Филипп Киркоров, журналист Алена Долецкая, директор Московского музея современного искусства Василий Церетели.
Выставка открыта до 16 декабря 2024 года
Основу музейной экспозиции Музалевского составляют монохромные работы 2022–2023 годов. Серия задумывалась художником специально для институциональной выставки. Экспериментируя с материалами, добавляя к живописи масляными красками пастель, мастер добивается множественных вариаций оттенков внутри одного цвета
Часть проекта в Мультимедиа Арт Музее посвящена результату творческого тандема художника с собственной матерью. Образ матери, обращение к ней, размышления о ней — перманентно присутствуют в работах Музалевского. Все началось с определенного рода терапии, придуманной Евгением для матери, находившейся в колонии общего режима. Пронзительные, мастерски исполненные вышивки повторяют серию вертикальных холстов сына.
Живое и выразительное творчество Музалевского в хорошем смысле эгоцентрично. Оно непосредственно связано с жизненным опытом художника. Осваивая в своих абстрактных композициях масштабную плоскость холста, он конструирует прежде всего пространство собственных смыслов, персональную мифологию, отталкиваясь от событий своей драматической биографии. На выставке также показаны фрагменты графических дневников художника и акварельные работы.
На вернисаже побывали генеральный продюсер "Первого канала" Константин Эрнст, режиссер Павел Лунгин, певец Филипп Киркоров, журналист Алена Долецкая, директор Московского музея современного искусства Василий Церетели.
Выставка открыта до 16 декабря 2024 года
В новом выпуске «В красках» Егор Спесивцев рассказывает о Наташе Хабаровой — современной художнице, которая на языке чужого тела говорит об одиночестве, выгорании и удовольствии
Художник Евгений Музалевский привлек внимание художественного сообщества в 2021 году своей дебютной выставкой в Alina Pinsky Gallery. В этом году открылся его первый музейный проект — «Монохром, c мамой за спиной» в Мультимедиа Арт Музее, Москва. В экспозиции представлены не только работы художника, но и вышивки его мамы, сделанные по мотивам работ Евгения. Об этике соавторства, опыте узнавания себя в стихах обэриутов и о дневнике как медиуме с Евгением Музалевским поговорила арт-критик Юлия Тихомирова.
"Мастерская-храм" - так назвала редакция газеты The Art Newspaper Russia воссозданную мастерскую Игоря Шелковского в стенах МАММ для выставки «Небесный город. Мастерская художника»
«Accrochage» размышляет о присутствии музейного искусства в повседневной среде: как строгие оптические модули Татьяны Андреевой и минималистичные панно Игоря Шелковского могут стать частью жизни.
Интервью приурочено к выставке Игоря Шелковского «Небесный город. Мастерская художника» в Мульти-Медиа Арт Музее.
Рассказ художника о первой мастерской, знакомстве с Георгием Костаки и о прощании с СССР из-за Федерико Феллини.
Рассказ художника о первой мастерской, знакомстве с Георгием Костаки и о прощании с СССР из-за Федерико Феллини.
Художник вспомнил, как стояли очереди на Малую Грузинскую, где он выставлялся, объяснил, для чего ему нужны приемы сюрреализма и как появились картины-ребусы
Эпохальная выставка Марка Ротко в Fondation Louis Vuitton — уникальная возможность познакомиться с творчеством художника если и не глубоко, то как минимум всеобъемлюще, считает искусствовед и галерист Алина Пинская.
Искусствовед и галерист Алина Пинская вернулась из Парижа, с ярмарки Paris+ par Art Basel и поделилась с «РБК Стиль» впечатлениями о том, каким оказался второй выпуск «базельского» филиала.
Татьяна много лет трудилась фактически «в стол». Сейчас она снова активна и вошла в круг художников Галереи. Представляем интервью, записанное Алиной Пинской для Forbes Life - короткую беседу с художницей о разных аспектах жизни и творческом пути.
Alina Pinsky Gallery участвует в ярмарке современного искусства Cosmoscow в седьмой раз, традиционно представляя всех своих художников и гармонично объединяя в экспозиции разные периоды и направления, -Modern & Contemporary.
В публикации сентябрьского номера Interior + Design рассказали про живопись Евгения Музалевского и магию экспрессионистического цвета в работах Игоря Скалецкого, персональная выставка которого станет главным событием зимнего арт-сезона.
Алина Пинская поделилась с The Art Newspaper своими впечатлениями о том, как новый менеджмент ярмарки Art Basel повлиял на состав художников и многое другое.
С весны 2023 года концептуальный журнал об искусстве и стиле Black Square выпускается в новом формате — как коллекционное издание, представляющее современную культуру вне устоявшихся центров и границ. Для первого выпуска обновленного Black Square поговорили с Таней Столяр о жизни, а также об искусстве.
Kruzhok совместно с Alina Pinsky Gallery представил коллекцию одежды к открытию персональной выставки Евгения Музалевского. Итогом совмесной работы стали восемь айтемов по мотивам его работ.
В мае 2023 года галерея Алины Пинской представила работы Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Наталии Турновой и Наташи Хабаровой на своем стенде в рамках первой ярмарки графики "Контур" в Нижнем Новгороде.
Наташа Хабарова работает в экспрессионистической манере, обращаясь к сюжетам, связанным с телесностью. Чаще всего ее портреты лишены «портретности» — смытые лица даны лишь условно. Она использует приглушенную цветовую гамму и поврежденные материалы, подчеркивая хрупкость, ранимость и уязвимость человеческой натуры.
Государственная Третьяковская галерея при поддержке галереи Алины Пинской представила первую персональную выставку выдающегося российского художника Александра Юликова. В экспозиции представлено более 50 произведений, охватывающих значительный период его творчества 1970–2020-х годов.
В апреле 2023 г. Alina Pinsky Gallery представила в пространстве LOBBY выставку графических работ Евгения Музалевского “Моя любимая муха”.
При поддержке Государственной Третьяковской галереи в парке установлена увеличенная до 7 метров скульптура “Человек бегущий” Игоря Шелковского.
В мае 2023 в ММСИ на Петровке открылась выставка Vis-à-vis, приуроченная к празднованию 8-летия фонда «Друзья». Куратором выступила галерист Алина Пинская.
15 февраля 2023 в пространстве галереи прошла лекция Ирины Кочергиной – искусствоведа и старшего научного сотрудника Государственной Третьяковской галереи, посвященная жизни и творчеству художницы Лидии Мастерковой.
При поддержке Государственной Третьяковской галереи в парке установлена увеличенная до 3,5 метров скульптура “Человек сидящий” Игоря Шелковского.
Работа Евгения Музалевского «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила Первый приз Премии Зверева, учрежденной музеем AZ в начале 2021 года.
Скульптуры Игоря Шелковского в экспозиции выставки «Современное российское искусство – языком анимации«, открывшейся 30 июня 2021 в Мраморном дворце
В сентябре 2022 г. Музей Набокова представил выставку «Как поймать мотылька?» — поэтическое размышление об эскапизме, памяти и миграции в контексте писательской практики Владимира Набокова. В экспозицю вошли графические работы Евгения Музалевского.
Летом 2021 г. MMOMA представил десятую по счету тематическую выставку своей коллекции. На этот раз, посвященную новым поступлениям. Работы Игоря Шелковского и Наталии Турновой вошли в состав экспозиции
Триптих 2020 года Евгения Музалевского представлен среди других произведений молодых актуальных художников разных генераций на site-specific выставке “Монстры под кроватью, открытой Фондом MAXART совместно с культурным пространством «Третье место» в Санкт-Петербурге.
9 июня 2021в Музее Москвы открылась групповая выставка “Мыслящий ландшафт” с участием художников Alina Pinsky Gallery: Игоря Шелковского и Дуни Захаровой.
Проект посвящен художественному исследованию окружающего пространства и поиску новых форм взаимодействия с ним — через живопись, архитектуру, скульптуру, фотографию, видеоарт.
Проект посвящен художественному исследованию окружающего пространства и поиску новых форм взаимодействия с ним — через живопись, архитектуру, скульптуру, фотографию, видеоарт.
Tim Parchikov. Just a Shot Away – это кураторская подборка работ, в основе которой – ключевая серия художника ‘Suspense’. В экспозиции персональной выставки фотохудожника, открывшейся в декабре 2021г. было представлено около полусотни произведений разных периодов, включая самые новые. К выставке произведен 3D-тур по экспозиции.
Скульптуры Игоря Шелковского и его живописные работы из серии "Цветы" вошли в экспозицию выставки «Сады искусств. Метаморфозы», подготовленной в музее-усадьбе "Архангельское" к открытию Ботанических оранжерей.
3 сентября в рамках проекта “Здесь и сейчас” при поддержке Музея Москвы в парке “Зарядье” установили семиметровую городскую скульптуру Игоря Шелковского “Ваза с цветами”.
20 ноября в парке «Зарядье» прошла церемония награждения лауреатов Московской Арт Премии. Первую премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура» получил скульптор Игорь Шелковский за цикл «Люди».
7 октября 2019 во внутреннем дворе Новой Третьяковки навсегда поселились три «человека» Игоря Шелковского — «Стоящий», «Шагающий» и «Бегущий». Давняя мечта Шелковского о выходе современной скульптуры в город осуществилась благодаря дару коллекционеров Алины и Дмитрия Пинских.
29 ноября 2018 года в галерее “Палисандр” прошла лекция Артёма Дежурко о модернистском дизайне и интерьерах в Италии 1930-х — 1950-х годов. В лекции шла речь о проектах Джо Понти, Франко Альбини, Джузеппе Пагано, Пьеро Порталуппи, Карло Моллино, Марко Дзанузо, Освальдо Борсани, Ико Паризи и некоторых других авторов
27 марта 2019 в галерее «Палисандр» прошло мероприятие клуба «Табу» Александра Добровинского — лекция о мужском интерьере, которую прочитал Александр Рымкевич, знаток моды и главный редактор журнала The Rake Russia.
30 января 2019 в галерее состоялась очередная лекция Артёма Дежурко об истории дизайна. В этот раз темой стал шведский дизайн середины ХХ века. Речь шла о том, как благодаря Швеции “современное движение” пришло в Скандинавию, о важной роли выставки декоративных искусств 1930 года в Стокгольме.
4 апреля 2019 сотрудник галереи «Палисандр» Артём Дежурко прочитал лекцию о бесстыдниках и хулиганах, работавших в конце 1960-х и начале 1970-х годов на стыке архитектуры, дизайна и «современного» искусства. В лекции шла речь об Этторе Соттсассе, Алессандро Мендини, Гаэтано Пеше, Андреа Бранци, о таких художественных группировках, как Archizoom, Suрerstudio, Gruppo UFO, Gruppo 9999, Gruppo Strum и Studio 65.
23 октября 2018 в галерее Палисандр состоялась лекция-беседа Артёма Дежурко и Алины Пинской о коллекционном дизайне и достоинствах вещей с историей. Лекторы рассказали о винтажных и современных предметах Имзов, Миса ван дер Роэ, Жана Пруве и Поула Кьярхольма, о том, как стареют материалы и об удовольствии, которое приносит чтение клейм.
19 февраля 2018 галерея «Палисандр» завершила выставочный проект, посвященный эпохе 1980-х, лекцией «Контрдизайн. Новые законы привлекательности». О связи радикального дизайна с индустрией моды рассказали историк моды Андрей Аболенкин и Алина Пинская (галерея «Палисандр»).
Danke für deine Aufmerksamkeit
Молодой харизматичный художник, в образе которого органично и симпатично соседствуют юродивость и рациональность. Недавний выпускник московской Школы Родченко (мастерская Сергея Браткова). Начинал с фотографии, потом через графику пришел к живописи, на выпускной дипломной выставке экспонировал также несколько скульптурных объектов. Занимается видео- и звуковыми коллажами. Относится к тому редкому и ценному типу художников, которые не перестают быть художниками и в повседневной реальности: в одежде, поведении и непосредственной реакции на эту реальность. Экспансивный, импульсивный и впечатляюще продуктивный. Не принадлежит ни к каким художественным группировкам, действует сам по себе и всегда поперек — среды, обстоятельств, людей, гендерных стереотипов. Интуитивный, во многом самоучка, но с каким-то врожденным, животным чувством верных, своих, легко узнаваемых линий, контуров, цветовых отношений и сочетаний слов, описывающих эти отношения в названиях работ. Привычные фигуративные или нарративные связи и ожидания на листе, холсте или в тексте охотно нарушаются в пользу новой образности, отправной точкой для которой часто выступают тривиальные бытовые сюжеты вроде страстей по удаленному зубу или драки из детства. Самородок, оттого щедрый и дерзкий. Если искать аналогии сочетанию художника и контекста, то это, например, Франсуа Озон — «Капли дождя на раскаленных скалах», «Криминальные любовники», «Крысятник», «Летнее платье» и др. — на русском экране в конце 1990-х.
Я написал этот портрет художника в юности для одной арт-платформы, когда Евгений только переехал на учебу в Оффенбах. Через два года мы встретились там. В то время его соседом по квартире (и старшим товарищем по художественной школе) был график и живописец Леонид Цхэ, они сдружились еще в Петербурге/Москве. В благодарность за гостеприимство Леонид подарил Евгению большую живописную работу, которая теперь украшает его просторную комнату с окнами на солнечную сторону и видом на больницу. В быту, как и в искусстве, Евгений совсем не про уют. В скудной обстановке запомнилось то, что обогащает уже известный мне образ художника: разбросанные мягкие игрушки (остатки романтических отношений с девушкой Лаурой, тоже художницей) и два зина Лейлы Хекмат (Leila Hekmat) с легендарной выставки Female Remedy (еще одна больница) в Haus am Waldsee в Берлине, которую я когда-то настоятельно рекомендовал ему посмотреть. В карманном справочнике German for Artists среди прочего есть такое: «Slavoj Žižek hat leider kein Internet zu Hause» («К сожалению, у Славоя Жижека дома нет интернета»). В Германии Евгений застал вторую волну ковида и последующие трагические события.
У тебя в дневниках начинает мелькать немецкий; появились любимые выражения? «Да: gefährlich (опасно), Friedhof (кладбище), Aufmerksamkeit (внимание). Например: danke für deine Aufmerksamkeit (спасибо за твое внимание)». Ты был когда-нибудь до этого в Европе? «Нет, никогда, ни в Европе, ни вообще на Западе, и потому сначала растерялся. Оказался как будто в компьютерной игре. Первое, что я стал рисовать в своих дневниках, — машины. Была такая смена фокуса на что-то немецкое: BMW, Volkswagen, вот это всё. Они разложены на части, представлены как механизмы, фигуры, целующиеся друг с другом». Увлечение немецкими машинами, впрочем, довольно быстро испарилось. И художник в новых обстоятельствах вернулся к старым интересам и мотивам. Одна из самых заметных и весомых для него тем — надгробия, памятники, склепы, порталы. «Да, я давно хожу на кладбища. Я и вовсе жил рядом с кладбищем, Новодевичьим. Но здесь они другие. Памятники зарастают мхом, лишайником. Они старее, другое освещение, влажность, другая скульптура, пластика. Здесь нет оград и довольно часто встречаются семейные склепы».
В целом, немецкий опыт пока, скорее, встраивается в уже существующий общий творческий вектор Музалевского на протяжении последних шести-семи лет. Метафорически его проще всего описать как путешествие из гавани графики в сторону океана живописи.
В эволюции художника от графика к живописцу (и обратно) нет ничего необычного, и само желание выйти из зоны комфорта — полезно для творческого процесса. Тот же Цхэ убедительно проделал схожий путь еще в 2010-х. (Академические навыки в этой эволюции, безусловно, очень многое облегчают, но ничего, конечно, не гарантируют.) В случае же Музалевского это интересная интрига и серьезный вызов в том смысле, что по своему габитусу он более органичен в графике. Спонтанный, неусидчивый, экспромтный, реактивный, перформативный, жестовый, текстуальный, дневниковый пр. Именно с графики начался его творческий путь и признание в столицах — и, к слову, мое знакомство с ним через кабинет графики WöD в Петербурге. (Я также каждый раз вспоминаю, с какой простотой и непринужденностью Евгений всего за один визит сделал бодрую и оригинальную серию цветных литографий в печатной студии «Люда» Петра Белого в Петербурге.) Графика требует минимальных временны́х, финансовых ресурсов и усилий тела, максимально мобильна и лучше укоренена в быту/жизни, непосредственнее связана с ними. Все это абсолютно релевантно в случае Музалевского. Тем не менее его активное освоение искусства живописи, выход в большой формат начались еще с обучения в Школе Родченко в Москве, еще точнее — в мастерской Сергея Браткова («Будь диким, немного наивным, Женя. Это подкупает в твоем творчестве»).
В такой перспективе немецкие произведения художника свидетельствуют о продолжающемся поиске своего «я» в пространстве живописи. Этим они и любопытны. Есть, конечно, искушение сказать, что именно в немецких живописных произведениях появились не свойственные Евгению прежде стремление к Ordnung, архитектоничность и структурированность и пр. «Первые работы здесь я делал очень долго. Да, появился порядок, геометрия, дисциплина, сетка. Так и жизнь поменялась. Думаю, свою роль сыграло и сильное замедление времени в годы того же ковида». Однако, я не стал бы связывать эти новые веяния исключительно с пресловутым немецким чувством порядка. Строго говоря, Германия, к счастью, не сильно «заземлила» художника. Он все такой же витальный, эпатажный пофигист, но уже в отношениях с немецкой бюрократией, и да, он все так же пересекает в модной юбке русскую границу. Более того, Высшая художественная школа Оффенбаха оказалась удобной материальной базой, однако едва ли новым и сильным творческим импульсом для него. Так случается. По признанию самого художника, его главным собеседником-наставником продолжает оставаться Братков. То есть немецкие работы — в большей степени результат его непосредственного знакомства с западноевропейским искусством (из старых мастеров он сразу вспоминает Яна ван Кесселя Старшего, а из современных — Зигмара Польке, Даниэля Рихтера, Розмари Трокель и Стефана Мандельбаума) и, главное, внутренней эволюции и нарастающего понимания того, что, в отличие от графики, живопись, как и природа, не терпит пустоты. Здесь свои темпоральность, телесность, законы, ресурсы и затраты, способы конструирования пространства и пр. Ну и кроме того, это еще большой вопрос: стоит ли радоваться приобретенному порядку, а художнику — обживаться в нем, вместо того чтобы, скажем, идти дальше, дабы не потерять себя и свою фирменную дерзость. Путь сложен и интересен еще и тем, что в Европе значительно больше создателей образов, в том числе в той зоне визуальности, где у Музалевского практически не было конкурентов в России.
В этом процессе творческого поиска, думаю, заметной удачей стал живописный цикл из черно-белых произведений 2022 года. Вернее, не столько весь цикл, состоящий примерно из десяти картин, сколько его центральная, стержневая работа — «Дураки» (название — отсылка к несохранившемуся роману Александра Введенского). Остальные произведения можно рассматривать либо как предысторию движения к этому образу времени, либо как вариации отдельных его мотивов, сюжетов. Монументальные «Дураки» подобны фризу, но, вопреки законам формата, здесь наблюдается скорее общее оцепенение, затор, чем малейшее движение. Мобильность сведена к нулю, поскольку мы имеем дело с конгломератом разноформатных ячеек, камер, клеток, склепов, занятых самыми разными существами. Произведение, рубежное для художника: не только в силу качественно нового и убедительного сочетания принципов графики (линии, сделанные с помощью так называемого oil stick, иероглифы, пятна, имитация печатной техники, штрихов по металлу) и живописи (континуальность и замкнутость на себе пространства), но и вследствие того, что оно попадает в нерв времени, созвучно ему, его смыслам, ощущениям, тревогам, чувству клаустрофобии, общей абсурдности и беспомощности. Такой безупречный пример интонации сегодня. Всегда цветной Музалевский (даже в гравюре) вдруг предстал в черно-белом регистре, а в его атомизированном мире оказались невозможны какие-либо связи: всегда свободные и порой эксцентричные персонажи художника то ли заточены в темницах, то ли погребены, то ли музеефицированы. Кажется, у нашего времени появилась своя «Герника».
«В тот сложный год я стал больше читать. Мне было сложно рефлексировать, принять настоящее, поэтому я стал копаться в прошлом, в 1920–1940-х. Много читал про обэриутов, их трагическую судьбу. Размышлял над тем, что такое заточение. Разглядывая фотографии культурных деятелей того времени, читая их биографии, я попытался упаковать все это в некую галерею, в жестко структурированное пространство, которое напоминает заточение и какой-то архив». (К слову, многочастные произведения в духе «Четырех континентов» Яна ван Кесселя Старшего, картинная галерея, шпалерная развеска в качестве приемов репрезентации и архивирования мира — еще один сюжет, все больше занимающий художника.)
Как известно, верный способ совладания с тяжестью реальности — помощь другому, тому, кому еще сложнее. Этим человеком оказалась мама художника, Ирина, сидевшая в тот момент в тюрьме. Стараясь поддержать ее психологически, Евгений предложил ей сделать вышивку на ткани по его абстрактным эскизам-мотивам (напоминающим серию витражей в соборе), благо она за это время приобрела профессиональные навыки ткачихи. (Такая идея походит на старый способ изготовления шпалер/гобеленов, когда какой-нибудь известный художник отправлял эскиз или — чаще — картон с изображением на специализированную мануфактуру.) Евгений обеспечил Ирину материалами, они затем регулярно созванивались через официальное приложение «Зонателеком» (технически звонить могла только мама), чтобы обсуждать ход работы. Эта по своей сути терапевтическая практика и коммуникация сработала в результате и на благо искусства. На протяжении двух лет возникла серия из шести вертикальных и крупноформатных (почти в рост каждого) произведений-вышивок с приглушенным мягким цветом. (Какие-то работы Ирина назвала в честь своих подруг-сокамерниц и помощниц: «Танька Куразеева», «Олга», «Настя».) Так давний и сквозной образ матери в творчестве художника — в дневниках, графике и живописи — явился здесь через рукотворное действо и принятую поддержку. Повторюсь: Музалевский относится к тому редкому и ценному типу художников, которые не перестают ими быть и в повседневной реальности — в одежде, поведении и человеческой реакции на эту реальность.
А. Ш.
Апрель 2021
Я написал этот портрет художника в юности для одной арт-платформы, когда Евгений только переехал на учебу в Оффенбах. Через два года мы встретились там. В то время его соседом по квартире (и старшим товарищем по художественной школе) был график и живописец Леонид Цхэ, они сдружились еще в Петербурге/Москве. В благодарность за гостеприимство Леонид подарил Евгению большую живописную работу, которая теперь украшает его просторную комнату с окнами на солнечную сторону и видом на больницу. В быту, как и в искусстве, Евгений совсем не про уют. В скудной обстановке запомнилось то, что обогащает уже известный мне образ художника: разбросанные мягкие игрушки (остатки романтических отношений с девушкой Лаурой, тоже художницей) и два зина Лейлы Хекмат (Leila Hekmat) с легендарной выставки Female Remedy (еще одна больница) в Haus am Waldsee в Берлине, которую я когда-то настоятельно рекомендовал ему посмотреть. В карманном справочнике German for Artists среди прочего есть такое: «Slavoj Žižek hat leider kein Internet zu Hause» («К сожалению, у Славоя Жижека дома нет интернета»). В Германии Евгений застал вторую волну ковида и последующие трагические события.
У тебя в дневниках начинает мелькать немецкий; появились любимые выражения? «Да: gefährlich (опасно), Friedhof (кладбище), Aufmerksamkeit (внимание). Например: danke für deine Aufmerksamkeit (спасибо за твое внимание)». Ты был когда-нибудь до этого в Европе? «Нет, никогда, ни в Европе, ни вообще на Западе, и потому сначала растерялся. Оказался как будто в компьютерной игре. Первое, что я стал рисовать в своих дневниках, — машины. Была такая смена фокуса на что-то немецкое: BMW, Volkswagen, вот это всё. Они разложены на части, представлены как механизмы, фигуры, целующиеся друг с другом». Увлечение немецкими машинами, впрочем, довольно быстро испарилось. И художник в новых обстоятельствах вернулся к старым интересам и мотивам. Одна из самых заметных и весомых для него тем — надгробия, памятники, склепы, порталы. «Да, я давно хожу на кладбища. Я и вовсе жил рядом с кладбищем, Новодевичьим. Но здесь они другие. Памятники зарастают мхом, лишайником. Они старее, другое освещение, влажность, другая скульптура, пластика. Здесь нет оград и довольно часто встречаются семейные склепы».
В целом, немецкий опыт пока, скорее, встраивается в уже существующий общий творческий вектор Музалевского на протяжении последних шести-семи лет. Метафорически его проще всего описать как путешествие из гавани графики в сторону океана живописи.
В эволюции художника от графика к живописцу (и обратно) нет ничего необычного, и само желание выйти из зоны комфорта — полезно для творческого процесса. Тот же Цхэ убедительно проделал схожий путь еще в 2010-х. (Академические навыки в этой эволюции, безусловно, очень многое облегчают, но ничего, конечно, не гарантируют.) В случае же Музалевского это интересная интрига и серьезный вызов в том смысле, что по своему габитусу он более органичен в графике. Спонтанный, неусидчивый, экспромтный, реактивный, перформативный, жестовый, текстуальный, дневниковый пр. Именно с графики начался его творческий путь и признание в столицах — и, к слову, мое знакомство с ним через кабинет графики WöD в Петербурге. (Я также каждый раз вспоминаю, с какой простотой и непринужденностью Евгений всего за один визит сделал бодрую и оригинальную серию цветных литографий в печатной студии «Люда» Петра Белого в Петербурге.) Графика требует минимальных временны́х, финансовых ресурсов и усилий тела, максимально мобильна и лучше укоренена в быту/жизни, непосредственнее связана с ними. Все это абсолютно релевантно в случае Музалевского. Тем не менее его активное освоение искусства живописи, выход в большой формат начались еще с обучения в Школе Родченко в Москве, еще точнее — в мастерской Сергея Браткова («Будь диким, немного наивным, Женя. Это подкупает в твоем творчестве»).
В такой перспективе немецкие произведения художника свидетельствуют о продолжающемся поиске своего «я» в пространстве живописи. Этим они и любопытны. Есть, конечно, искушение сказать, что именно в немецких живописных произведениях появились не свойственные Евгению прежде стремление к Ordnung, архитектоничность и структурированность и пр. «Первые работы здесь я делал очень долго. Да, появился порядок, геометрия, дисциплина, сетка. Так и жизнь поменялась. Думаю, свою роль сыграло и сильное замедление времени в годы того же ковида». Однако, я не стал бы связывать эти новые веяния исключительно с пресловутым немецким чувством порядка. Строго говоря, Германия, к счастью, не сильно «заземлила» художника. Он все такой же витальный, эпатажный пофигист, но уже в отношениях с немецкой бюрократией, и да, он все так же пересекает в модной юбке русскую границу. Более того, Высшая художественная школа Оффенбаха оказалась удобной материальной базой, однако едва ли новым и сильным творческим импульсом для него. Так случается. По признанию самого художника, его главным собеседником-наставником продолжает оставаться Братков. То есть немецкие работы — в большей степени результат его непосредственного знакомства с западноевропейским искусством (из старых мастеров он сразу вспоминает Яна ван Кесселя Старшего, а из современных — Зигмара Польке, Даниэля Рихтера, Розмари Трокель и Стефана Мандельбаума) и, главное, внутренней эволюции и нарастающего понимания того, что, в отличие от графики, живопись, как и природа, не терпит пустоты. Здесь свои темпоральность, телесность, законы, ресурсы и затраты, способы конструирования пространства и пр. Ну и кроме того, это еще большой вопрос: стоит ли радоваться приобретенному порядку, а художнику — обживаться в нем, вместо того чтобы, скажем, идти дальше, дабы не потерять себя и свою фирменную дерзость. Путь сложен и интересен еще и тем, что в Европе значительно больше создателей образов, в том числе в той зоне визуальности, где у Музалевского практически не было конкурентов в России.
В этом процессе творческого поиска, думаю, заметной удачей стал живописный цикл из черно-белых произведений 2022 года. Вернее, не столько весь цикл, состоящий примерно из десяти картин, сколько его центральная, стержневая работа — «Дураки» (название — отсылка к несохранившемуся роману Александра Введенского). Остальные произведения можно рассматривать либо как предысторию движения к этому образу времени, либо как вариации отдельных его мотивов, сюжетов. Монументальные «Дураки» подобны фризу, но, вопреки законам формата, здесь наблюдается скорее общее оцепенение, затор, чем малейшее движение. Мобильность сведена к нулю, поскольку мы имеем дело с конгломератом разноформатных ячеек, камер, клеток, склепов, занятых самыми разными существами. Произведение, рубежное для художника: не только в силу качественно нового и убедительного сочетания принципов графики (линии, сделанные с помощью так называемого oil stick, иероглифы, пятна, имитация печатной техники, штрихов по металлу) и живописи (континуальность и замкнутость на себе пространства), но и вследствие того, что оно попадает в нерв времени, созвучно ему, его смыслам, ощущениям, тревогам, чувству клаустрофобии, общей абсурдности и беспомощности. Такой безупречный пример интонации сегодня. Всегда цветной Музалевский (даже в гравюре) вдруг предстал в черно-белом регистре, а в его атомизированном мире оказались невозможны какие-либо связи: всегда свободные и порой эксцентричные персонажи художника то ли заточены в темницах, то ли погребены, то ли музеефицированы. Кажется, у нашего времени появилась своя «Герника».
«В тот сложный год я стал больше читать. Мне было сложно рефлексировать, принять настоящее, поэтому я стал копаться в прошлом, в 1920–1940-х. Много читал про обэриутов, их трагическую судьбу. Размышлял над тем, что такое заточение. Разглядывая фотографии культурных деятелей того времени, читая их биографии, я попытался упаковать все это в некую галерею, в жестко структурированное пространство, которое напоминает заточение и какой-то архив». (К слову, многочастные произведения в духе «Четырех континентов» Яна ван Кесселя Старшего, картинная галерея, шпалерная развеска в качестве приемов репрезентации и архивирования мира — еще один сюжет, все больше занимающий художника.)
Как известно, верный способ совладания с тяжестью реальности — помощь другому, тому, кому еще сложнее. Этим человеком оказалась мама художника, Ирина, сидевшая в тот момент в тюрьме. Стараясь поддержать ее психологически, Евгений предложил ей сделать вышивку на ткани по его абстрактным эскизам-мотивам (напоминающим серию витражей в соборе), благо она за это время приобрела профессиональные навыки ткачихи. (Такая идея походит на старый способ изготовления шпалер/гобеленов, когда какой-нибудь известный художник отправлял эскиз или — чаще — картон с изображением на специализированную мануфактуру.) Евгений обеспечил Ирину материалами, они затем регулярно созванивались через официальное приложение «Зонателеком» (технически звонить могла только мама), чтобы обсуждать ход работы. Эта по своей сути терапевтическая практика и коммуникация сработала в результате и на благо искусства. На протяжении двух лет возникла серия из шести вертикальных и крупноформатных (почти в рост каждого) произведений-вышивок с приглушенным мягким цветом. (Какие-то работы Ирина назвала в честь своих подруг-сокамерниц и помощниц: «Танька Куразеева», «Олга», «Настя».) Так давний и сквозной образ матери в творчестве художника — в дневниках, графике и живописи — явился здесь через рукотворное действо и принятую поддержку. Повторюсь: Музалевский относится к тому редкому и ценному типу художников, которые не перестают ими быть и в повседневной реальности — в одежде, поведении и человеческой реакции на эту реальность.
Андрей Шабанов
Историк искусства, куратор
Сентябрь 2024
ВЕСЬ РОТКО. Алина Пинская о выставке в Fondation Louis Vuitton | Ноябрь 2023
«Гений Ротко - в создании языка чувств» - Роберт Мазервелл
Искусствовед и галерист Алина Пинская - об эпохальной выставке Марка Ротко в Fondation Louis Vuitton. В сокращенном виде материал доступен на сайте издания Blueprint.
Такой большой ретроспективы Марка Ротко в мире еще не было.
Сто пятнадцать произведений художника прибыли с разных континентов, объединившись, под руководством великой и ужасной Сюзанн Паже и при участии сына художника, Кристофера Ротко, в гармоничную и сильную по воздействию уникальную единую выставку.
Никто не ожидал, что привезут труднодоступные работы из МОМА Нью-Йорк и Тейт. Кроме того, семья художника хотела, чтобы были представлены вещи не только хорошо известные. Одна из достигнутых целей - собрать незнакомые публике холсты, в том числе из региональных американских музеев. Тринадцать полотен происходят из частных коллекций.
Событие готовилось пять лет. Десять залов на четырех этажах Fondation Louis Vuitton показывают все периоды творческой биографии мастера.
Имя Ротко хорошо знакомо публике, даже далекой от искусства. Клише таковы: непостижимый гений, лучшие стены постоянных музейных экспозиций, аукционные рекорды.
Личная встреча с работами Ротко сразу обьясняет многое. Сложно найти другого такого художника, кого было бы столь неправильно, просто невозможно судить по фото работ. Стоя перед ними, чувствуешь воздействие чего-то большого и важного, но не можешь толком описать. Попытки вербализировать ощущения только все упрощают. Сам художник говорил: «Меня интересуют исключительно человеческие эмоции». Мир эмоции был для него дорогой к зрителю. Применительно к живописи Ротко можно доходчиво описать пресловутый синдром Стендаля.
В работы Марко Ротко надо всматриваться. И скамейки, стоящие тут в залах - инструмент для медитации, а не место отдыха уставших школьников. Конечно, популярнейшая выставочная институция Фонда Луи Виттон не предполагает тишины и спокойствия в залах. Все их проекты очень посещаемые, и далеко не только во время вернисажей. Это мешает восприятию именно Ротко.
Кураторы скрупулёзно отнеслись к презентации работ и сделали все как завещал сам художник. У него было четкое видение и свои требования в вопросах экспозиции: рассеянный тусклый свет, определенный цвет стен, довольно частая, низкая развеска. Все это способствует единению холста и зрителя, который как бы находится внутри. Видны несовершенства поверхности, живее ощущаются движения кисти. Главный посыл - создать чувственное переживание. Ротко опасался, что на больших белых стенах его работы, цветные и без рам, будут восприниматься декоративными элементами. Он также был против, чтобы его называли «колористом», и настаивал на важности «света» в своих работах. Сам он характеризовал их «личными» и «интенсивными», то есть совершенной противоположностью декоративности.
Ротко использовал разные техники: темперу, масло. Слои краски настолько тонки, что малейшая царапина может сильно повредить поверхность холста.
Такая манера была вдохновлена проторенессансом, в частности, Джотто. Ротко завораживали фрески. Он трижды был в Европе, добирался туда по морю, так как боялся летать. Как говорит сын художника, Ротко использовал момент, чтобы посетить каждый музей, каждую церковь в Италии. Помимо фресок, его захватывала венецианская живопись, обладающая своеобразным драматизмом, который был важен для Ротко. Как говорил художник, «Тем, кто думает о моих картинах как безмятежных, … скажу, что я поместил в каждый их дюйм само неистовство».
Ротко не любил обсуждать и теоретизировать на тему собственных работ, хоть и обожал разговоры об искусстве. Но не о своем.
Маркус Роткович родился 25 сентября 1903 года в Двинске (Российская Империя, в наши дни - Даугавпилс, Латвия), в семье фармацевта. После окончания детской талмудистской школы хедер, в возрасте 10 лет переезжает с семьей в США, в Портленд, штат Орегон. В 1918 году, досрочно окончив начальную школу, Маркус поступает в среднюю школу Линкольн, где интересуется литературой и театром. Одновременно начинает рисовать. Окончив в 1921 году школу и получив стипендию в Йельский университет, становится его студентом и два года изучает философию, европейскую историю, иностранные языки, введение в психологию. Бросив обучение, в 1923 году переезжает в Нью-Йорк. Там он сначала обучается в школе дизайна Парсонс, где одним из его преподавателей является Аршил Горки. Той же осенью поступает на курсы рисования при Лиге Студентов Искусств. Так, собственно, начинается его профессиональное образование как художника. После недолгого возвращения в Портленд и увлечения театром, Роткович занимается в 1925-1926 годах на курсе натюрморта Макса Вебера, ученика Матисса, также в рамках Arts Students League. Активно интересуясь музеями и галереями, Роткович вступает в 1926 году в Лигу, где состоит до 1930 года. Важным моментом становится знакомство в 1928 году с Милтоном Эвери и кругом его коллег. Первая выставка работ Ротковича - совместная с Эвери, проходит в 1928 году в Нью-Йоркской галерее Opportunity. А первая сольная - в 1933 году в Contemporary Arts Gallery Нью-Йорка. В это время Роткович много занимается рисунком, акварелями, преподает рисунок, играет на фортепиано. Начинается славная история его выставок в галереях. В 1938 году Маркус Роткович получает американское гражданство, в 1940-м становится Марком Ротко. Он не призывается в армию ввиду плохого зрения. В 1943 году Ротко, уже известный художник, вместе с Адольфом Готлибом издают манифест о «Чаяниях художников», где декларируют, что искусство - это путешествие в неизвестный мир.
Вернемся к выставке. Первые пятнадцать лет профессионального творчества художника удивляют. Это фигуратив, часто с сюжетом. Интерьеры, ню, портреты и городские сцены. Отдельного ознакомления заслуживает серия так называемых Subway Paintings. Ротко был зачарован визуальным эффектом смазанности картинки проносящегося поезда. В этих работах фигуры выстраиваются в параллельные и перпендикулярные линии, будто предопределяя будущие композиции холстов классического периода.
В первой половине 1940-х изображение человека перестаёт быть для Ротко достаточным средством выражения. В этот период он создает фантастические антропоморфные образы. Художник хочет передавать физическое состояние. Он переосмысливает героев мифов, изображая их в виде чудовищ, наделенных гибридными чертами. Эдип, монстры, фантастические животные - все это универсальные символы, отображающие страхи и инстинкты. Исследователи связывают этот период с воспоминаниями детства о еврейских погромах и новостями о Холокосте. Визуальность этих работ ассоциируется с сюрреализмом. Разумеется, Ротко видел выставки сюрреалистов во второй половине 1930-х, и, учитывая переезд многих из них в Америку, был хорошо знаком с их идеями.
Интересна трансформация живописной манеры и вызревание «классического» стиля Ротко. 1945 -1949 - время перехода к абстракции. Работы середины 1940-х представляют собой размытые тонким слоем многоцветные пятна. Так называемые «Мультиформы». Порой радостные, они выглядят так, словно их сделал как-нибудь молодой калифорнийский автор в наше время. Создание ярких холстов переходного периода совпадает с переменами в личной жизни художника: в 1944 он разводится своей первой женой Эдит Сахар и встречает вторую - Мэри Элис Бейл, которая, в отличие от Эдит, всецело поддерживала творческие поиски Ротко.
С 1946 года Ротко дает своим работам номера вместо названий. Это один из способов избежать лишней суеты в мыслях зрителя.
В конце 1940-х - начале 1950-х блоки цвета постепенно вырастают в те самые парящие прямоугольные «цветовые поля» с нечеткими краями, пространство картины становится организованным, появляется узнаваемая палитра. Творчество Ротко приобретает свою классическую манеру.
Работы становятся еще больше. Ротко говорил: «Я пишу большие картины, так как хочу создать a состояние близости… Большая работа втягивает вас в себя». Сюзанн Паже в предисловии к каталогу пишет, что подобные выводы были результатом его восхищения «Красной Мастерской» Матисса, где пространство, наполненное предметами, объединено красной палитрой и как бы выровнено по плоскости картины до такой степени, что зритель растворяется в цвете. Ротко использует размытие, создавая эффект прозрачности между слоями краски. Тот самый поиск света.
Классический период представлен на выставке семьюдесятью работами. В том числе произведениями из коллекции Дункана Филлипса и несостоявшимся заказом для ресторана Four Seasons в Seagram Building.
Ротко всегда мечтал о создании места для своих работ, где он бы выстроил четко выверенную экспозицию, и пространство находилось бы в полном взаимодействии с холстами. Идея возникла под впечатлением от Библиотеки Лауренциана Микеланджело во Флоренции.
В июне 1958 художник получает заказ на создание полотен для интерьера ресторана по проекту архитектора Филипа Джонсона в новом небоскребе Миса ван дер Роэ. Художник специально арендует студию, бывший спортзал, которую оборудует огромными лесами, и создает около тридцати полотен. Палитра сужается до двух цветов и композиция меняется - в ней появляются вертикали и горизонтали, которые образуют подобие порталов.
Однако, в декабре 1959 осознав, что предложенное место совершенно не соответсвует духу созданных работ, Ротко решает отказаться от заказа и, вернув крупный аванс, оставляет картины себе. Девять из Seagram Murals были переданы в Тейт. Тот факт, что его холсты будут висеть рядом с произведениями Уильяма Тернера, уверил его своем решении. (Работы были привезены в музей в день смерти художника и стали Tate Rothko Room).
Возможностью исполнить мечту Ротко создать пространство взаимодействия его живописи и архитектуры становится заказ коллекционеров Джона и Доминик де Мениль. Под впечатлением от холстов для Seagram Building, де Мениль поручают Ротко проект Часовни в Хьюстоне. Восьмиугольное сооружение, с естественным светом под потолком, где искусство Ротко и архитектура становятся единым целым. К сожалению, этих вещей нет на выставке в Фонде Луи Виттон, но Хьюстонской часовне внимание все же уделено: в отдельном зале стоит ее макет. Объявлено, что LVMH будет реставрировать памятник и даже расширять его, с присоединением дополнительного пространства для временных выставок и дискуссионных залов.
Последний зал посвящен заказу для здания ЮНЕСКО в Париже. Двухцветные композиции, где светлая часть холста резко контрастирует с черным и серым, экспонированы вместе с скульптурами Джакометти. Некоторые специалисты считают, что эти работы предвосхитили минимализм, однако, здесь нет характерного для Ротко ощущения растворения в «световых облаках». Скорее - созерцание со стороны. Чувствуется депрессивный момент.
На контрасте с этим большим проектом другие хронологически поздние работы Ротко 1967-70 годов совершенно не позволяют интерпретировать его сложное эмоциональное состояние: яркие, светлые, просто светящиеся сочетания розового и красного, желтого и коричневого.
В 1968 году художнику был поставлен диагноз аневризма аорты. Он больше не мог делать крупноформатные холсты. На ухудшающееся физическое состояние наложилась хроническая депрессия, и 25 февраля 1970 года Марк Ротко покончил жизнь самоубийством, не оставив никакого послания.
«Я стал художником, чтобы довести живопись до уровня интенсивности музыки и поэзии», - лучше, чем сам Ротко, пожалуй, и не сказать. Творчество Марка Ротко - о вечном. В его случае эта банальность является емкой и обобщенной правдой.
Искусствовед и галерист Алина Пинская - об эпохальной выставке Марка Ротко в Fondation Louis Vuitton. В сокращенном виде материал доступен на сайте издания Blueprint.
Такой большой ретроспективы Марка Ротко в мире еще не было.
Сто пятнадцать произведений художника прибыли с разных континентов, объединившись, под руководством великой и ужасной Сюзанн Паже и при участии сына художника, Кристофера Ротко, в гармоничную и сильную по воздействию уникальную единую выставку.
Никто не ожидал, что привезут труднодоступные работы из МОМА Нью-Йорк и Тейт. Кроме того, семья художника хотела, чтобы были представлены вещи не только хорошо известные. Одна из достигнутых целей - собрать незнакомые публике холсты, в том числе из региональных американских музеев. Тринадцать полотен происходят из частных коллекций.
Событие готовилось пять лет. Десять залов на четырех этажах Fondation Louis Vuitton показывают все периоды творческой биографии мастера.
Имя Ротко хорошо знакомо публике, даже далекой от искусства. Клише таковы: непостижимый гений, лучшие стены постоянных музейных экспозиций, аукционные рекорды.
Личная встреча с работами Ротко сразу обьясняет многое. Сложно найти другого такого художника, кого было бы столь неправильно, просто невозможно судить по фото работ. Стоя перед ними, чувствуешь воздействие чего-то большого и важного, но не можешь толком описать. Попытки вербализировать ощущения только все упрощают. Сам художник говорил: «Меня интересуют исключительно человеческие эмоции». Мир эмоции был для него дорогой к зрителю. Применительно к живописи Ротко можно доходчиво описать пресловутый синдром Стендаля.
В работы Марко Ротко надо всматриваться. И скамейки, стоящие тут в залах - инструмент для медитации, а не место отдыха уставших школьников. Конечно, популярнейшая выставочная институция Фонда Луи Виттон не предполагает тишины и спокойствия в залах. Все их проекты очень посещаемые, и далеко не только во время вернисажей. Это мешает восприятию именно Ротко.
Кураторы скрупулёзно отнеслись к презентации работ и сделали все как завещал сам художник. У него было четкое видение и свои требования в вопросах экспозиции: рассеянный тусклый свет, определенный цвет стен, довольно частая, низкая развеска. Все это способствует единению холста и зрителя, который как бы находится внутри. Видны несовершенства поверхности, живее ощущаются движения кисти. Главный посыл - создать чувственное переживание. Ротко опасался, что на больших белых стенах его работы, цветные и без рам, будут восприниматься декоративными элементами. Он также был против, чтобы его называли «колористом», и настаивал на важности «света» в своих работах. Сам он характеризовал их «личными» и «интенсивными», то есть совершенной противоположностью декоративности.
Ротко использовал разные техники: темперу, масло. Слои краски настолько тонки, что малейшая царапина может сильно повредить поверхность холста.
Такая манера была вдохновлена проторенессансом, в частности, Джотто. Ротко завораживали фрески. Он трижды был в Европе, добирался туда по морю, так как боялся летать. Как говорит сын художника, Ротко использовал момент, чтобы посетить каждый музей, каждую церковь в Италии. Помимо фресок, его захватывала венецианская живопись, обладающая своеобразным драматизмом, который был важен для Ротко. Как говорил художник, «Тем, кто думает о моих картинах как безмятежных, … скажу, что я поместил в каждый их дюйм само неистовство».
Ротко не любил обсуждать и теоретизировать на тему собственных работ, хоть и обожал разговоры об искусстве. Но не о своем.
Маркус Роткович родился 25 сентября 1903 года в Двинске (Российская Империя, в наши дни - Даугавпилс, Латвия), в семье фармацевта. После окончания детской талмудистской школы хедер, в возрасте 10 лет переезжает с семьей в США, в Портленд, штат Орегон. В 1918 году, досрочно окончив начальную школу, Маркус поступает в среднюю школу Линкольн, где интересуется литературой и театром. Одновременно начинает рисовать. Окончив в 1921 году школу и получив стипендию в Йельский университет, становится его студентом и два года изучает философию, европейскую историю, иностранные языки, введение в психологию. Бросив обучение, в 1923 году переезжает в Нью-Йорк. Там он сначала обучается в школе дизайна Парсонс, где одним из его преподавателей является Аршил Горки. Той же осенью поступает на курсы рисования при Лиге Студентов Искусств. Так, собственно, начинается его профессиональное образование как художника. После недолгого возвращения в Портленд и увлечения театром, Роткович занимается в 1925-1926 годах на курсе натюрморта Макса Вебера, ученика Матисса, также в рамках Arts Students League. Активно интересуясь музеями и галереями, Роткович вступает в 1926 году в Лигу, где состоит до 1930 года. Важным моментом становится знакомство в 1928 году с Милтоном Эвери и кругом его коллег. Первая выставка работ Ротковича - совместная с Эвери, проходит в 1928 году в Нью-Йоркской галерее Opportunity. А первая сольная - в 1933 году в Contemporary Arts Gallery Нью-Йорка. В это время Роткович много занимается рисунком, акварелями, преподает рисунок, играет на фортепиано. Начинается славная история его выставок в галереях. В 1938 году Маркус Роткович получает американское гражданство, в 1940-м становится Марком Ротко. Он не призывается в армию ввиду плохого зрения. В 1943 году Ротко, уже известный художник, вместе с Адольфом Готлибом издают манифест о «Чаяниях художников», где декларируют, что искусство - это путешествие в неизвестный мир.
Вернемся к выставке. Первые пятнадцать лет профессионального творчества художника удивляют. Это фигуратив, часто с сюжетом. Интерьеры, ню, портреты и городские сцены. Отдельного ознакомления заслуживает серия так называемых Subway Paintings. Ротко был зачарован визуальным эффектом смазанности картинки проносящегося поезда. В этих работах фигуры выстраиваются в параллельные и перпендикулярные линии, будто предопределяя будущие композиции холстов классического периода.
В первой половине 1940-х изображение человека перестаёт быть для Ротко достаточным средством выражения. В этот период он создает фантастические антропоморфные образы. Художник хочет передавать физическое состояние. Он переосмысливает героев мифов, изображая их в виде чудовищ, наделенных гибридными чертами. Эдип, монстры, фантастические животные - все это универсальные символы, отображающие страхи и инстинкты. Исследователи связывают этот период с воспоминаниями детства о еврейских погромах и новостями о Холокосте. Визуальность этих работ ассоциируется с сюрреализмом. Разумеется, Ротко видел выставки сюрреалистов во второй половине 1930-х, и, учитывая переезд многих из них в Америку, был хорошо знаком с их идеями.
Интересна трансформация живописной манеры и вызревание «классического» стиля Ротко. 1945 -1949 - время перехода к абстракции. Работы середины 1940-х представляют собой размытые тонким слоем многоцветные пятна. Так называемые «Мультиформы». Порой радостные, они выглядят так, словно их сделал как-нибудь молодой калифорнийский автор в наше время. Создание ярких холстов переходного периода совпадает с переменами в личной жизни художника: в 1944 он разводится своей первой женой Эдит Сахар и встречает вторую - Мэри Элис Бейл, которая, в отличие от Эдит, всецело поддерживала творческие поиски Ротко.
С 1946 года Ротко дает своим работам номера вместо названий. Это один из способов избежать лишней суеты в мыслях зрителя.
В конце 1940-х - начале 1950-х блоки цвета постепенно вырастают в те самые парящие прямоугольные «цветовые поля» с нечеткими краями, пространство картины становится организованным, появляется узнаваемая палитра. Творчество Ротко приобретает свою классическую манеру.
Работы становятся еще больше. Ротко говорил: «Я пишу большие картины, так как хочу создать a состояние близости… Большая работа втягивает вас в себя». Сюзанн Паже в предисловии к каталогу пишет, что подобные выводы были результатом его восхищения «Красной Мастерской» Матисса, где пространство, наполненное предметами, объединено красной палитрой и как бы выровнено по плоскости картины до такой степени, что зритель растворяется в цвете. Ротко использует размытие, создавая эффект прозрачности между слоями краски. Тот самый поиск света.
Классический период представлен на выставке семьюдесятью работами. В том числе произведениями из коллекции Дункана Филлипса и несостоявшимся заказом для ресторана Four Seasons в Seagram Building.
Ротко всегда мечтал о создании места для своих работ, где он бы выстроил четко выверенную экспозицию, и пространство находилось бы в полном взаимодействии с холстами. Идея возникла под впечатлением от Библиотеки Лауренциана Микеланджело во Флоренции.
В июне 1958 художник получает заказ на создание полотен для интерьера ресторана по проекту архитектора Филипа Джонсона в новом небоскребе Миса ван дер Роэ. Художник специально арендует студию, бывший спортзал, которую оборудует огромными лесами, и создает около тридцати полотен. Палитра сужается до двух цветов и композиция меняется - в ней появляются вертикали и горизонтали, которые образуют подобие порталов.
Однако, в декабре 1959 осознав, что предложенное место совершенно не соответсвует духу созданных работ, Ротко решает отказаться от заказа и, вернув крупный аванс, оставляет картины себе. Девять из Seagram Murals были переданы в Тейт. Тот факт, что его холсты будут висеть рядом с произведениями Уильяма Тернера, уверил его своем решении. (Работы были привезены в музей в день смерти художника и стали Tate Rothko Room).
Возможностью исполнить мечту Ротко создать пространство взаимодействия его живописи и архитектуры становится заказ коллекционеров Джона и Доминик де Мениль. Под впечатлением от холстов для Seagram Building, де Мениль поручают Ротко проект Часовни в Хьюстоне. Восьмиугольное сооружение, с естественным светом под потолком, где искусство Ротко и архитектура становятся единым целым. К сожалению, этих вещей нет на выставке в Фонде Луи Виттон, но Хьюстонской часовне внимание все же уделено: в отдельном зале стоит ее макет. Объявлено, что LVMH будет реставрировать памятник и даже расширять его, с присоединением дополнительного пространства для временных выставок и дискуссионных залов.
Последний зал посвящен заказу для здания ЮНЕСКО в Париже. Двухцветные композиции, где светлая часть холста резко контрастирует с черным и серым, экспонированы вместе с скульптурами Джакометти. Некоторые специалисты считают, что эти работы предвосхитили минимализм, однако, здесь нет характерного для Ротко ощущения растворения в «световых облаках». Скорее - созерцание со стороны. Чувствуется депрессивный момент.
На контрасте с этим большим проектом другие хронологически поздние работы Ротко 1967-70 годов совершенно не позволяют интерпретировать его сложное эмоциональное состояние: яркие, светлые, просто светящиеся сочетания розового и красного, желтого и коричневого.
В 1968 году художнику был поставлен диагноз аневризма аорты. Он больше не мог делать крупноформатные холсты. На ухудшающееся физическое состояние наложилась хроническая депрессия, и 25 февраля 1970 года Марк Ротко покончил жизнь самоубийством, не оставив никакого послания.
«Я стал художником, чтобы довести живопись до уровня интенсивности музыки и поэзии», - лучше, чем сам Ротко, пожалуй, и не сказать. Творчество Марка Ротко - о вечном. В его случае эта банальность является емкой и обобщенной правдой.
Татьяна Андреева в Alina Pinsky Gallery | Сентябрь 2023
Forbes Life: "Охота за мыслями: как в СССР зарождалось оптическое искусство."
Галерист Алина Пинская поговорила с художницей о любви, красоте, профессии, художественном мышлении и благодарности судьбе.
«Я не делю себя на художника и дизайнера. Тем не менее, по профессиональной выучке, я всегда начинаю с техзадания: сколько цветов, фактур, какие технические возможности размера, повтора. Учитываю и технические ограничения. Как выразить идею всеми возможными, а в моем случае — чаще невозможными способами».
«На протяжении всей жизни природа и любовь были моими источниками вдохновения. Любовь делает жизнь более интенсивной. Эмоции накалены, ум работает в ином режиме, открываются неизвестные прежде двери, пространства, находишься в совершенно ином космическом измерении. А природа — это всеобъемлющая любовь, недостижимая по красоте».
Галерист Алина Пинская поговорила с художницей о любви, красоте, профессии, художественном мышлении и благодарности судьбе.
Татьяна Андреева — дочь Анны Андреевой, выдающейся художницы эпохи оттепели, возглавлявшей секцию декоративного искусства МОСХа, смело соединявшей в своих работах актуальные западные художественные течения и наследие русского авангарда.
Татьяна начинала как дизайнер, работала в стиле оп-арт в 1970-х (оп-арт, или оптическое искусство, — направление в искусстве второй половины XX века, представители которого использовали иллюзии, геометрические узоры, контрасты и игру цветов, чтобы создать эффект движения на своих картинах. — Forbes Life). В 1974 году Татьяна Андреева создала проект «Четыре комнаты» в стиле тотального дизайна в Доме туриста, где динамический орнамент переходил с обоев на линолеум, кресла-шезлонги и на паттерн винилового дождевика, что создавало эффект человеческой фигуры, растворяющейся в пространстве. Мощнейший художественный дебют в профессии не принес младшей Андреевой мировой славы. История сложилась так, что сегодня имя Татьяны Андреевой известно только узкому кругу профессионалов.
«Мои работы 1970-х — это ода бумаге. Мне очень нравится фактура бумаги. Шершавая и гладкая, дорогущая и дешевая, газетная, оберточная, плотный ватман, прозрачные глянцевые кальки и матовый пергамент. Мне нравится, как бумага впитывает и отталкивает краску. Это, вероятно, для меня самый интимный носитель. На бумагу наносятся самые первые идеи. Только сейчас я начинаю работать с холстом, и здесь все по-другому.
Отправной точкой для создания каждой серии становится совершенно новая мысль как новая формула. В этом смысле я — охотник. Охочусь за целью, пока не достигну полного проявления идеи. Мне нравится работать сериями.
Как профессионал я, безусловно, была хорошо подготовлена текстильным институтом. На проект «Четыре комнаты», например, меня отобрали с диплома. Плюс у меня была и другая школа: моя мама часто просила помочь ей с работами. И я очень старалась, а она корректировала, направляла, объясняла специфику ткани, отсчета от человеческой фигуры. Текстиль, надо сказать, диктует жесткие законы, схожие с оп-артом: законы масштаба, повторения, рапорта.
Кроме того, несмотря на закрытые границы, в СССР были гениальные библиотеки. Я просиживала там до тех пор, пока не выгоняли. Днями, ночами, месяцами. Пыталась понять, осознать, впитать в себя линию мирового искусства от Египта до современного. То есть я не была зациклена на СССР.
Сейчас благодаря возможностям интернета выясняю, что в совершенно разных уголках Земли мы действительно единовременно проделывали похожие эксперименты. Как это объяснить? Вероятно, искусство, прежде всего, делается на небесах. А я всегда делала то, что мне очень интересно».
«Мне очень повезло. Моя мама была известным художником. Мы просто не могли не работать вместе и не влиять друг на друга! Мы жили втроем в маленькой квартирке в центре Москвы и сидели друг у друга на голове. Совместно обсуждали и участвовали практически в делах каждого. Мама работала в шестиметровой кухне. Обойти вниманием невозможно. Иногда мама бросала какую-то работу, я в ней видела и хотела выразить какую-то мысль, просила маму дать возможность ее довести. Иногда мама подхватывала мой незначительный эскиз и делала из него отличную работу. Происходило кипение и варево из многих ингредиентов различного опыта, знаний и мысли.
Все обсуждалось на кухне, все шло в дело. Даже папины станки. Папа, гений-математик, тоже участвовал в создании эскизов для ткани, всегда технически сопровождал этот процесс. Точил рейсфедер, доставал для меня эпидиаскоп, отлаживал компрессор для аэрографа, иногда даже чертил.
Во мне сплавились оба — и мама, и папа. Мама как художник, папа со своим научным взглядом, четкими формулами, математическим мышлением. Мои работы, думаю, — воплощение обоих начал. Мама — потрясающий художник, но изначально совсем другой, у нее больше импрессионизма, другая методология, другая школа. Вероятно, я взяла в своих работах больше от папы, с его философско-абстрактным мышлением, потому что проводила с ним больше времени».
«Художником я стала в два этапа. Сначала, как обычно, встал вопрос жизни, на который нет ответа. В процессе жизни, когда будешь готов, ответ появляется.
Все детство я с папой плавала на яхте и байдарке по диким северным местам, озерам Архангельской и Карельских областей. Их чистота и гармония меня так поражали, что я страдала от невозможности выразить это восхищение, не знала, как вместить в себя эту необыкновенную, божественную красоту. Хотелось свернуть ее в рулончик и унести.
А в конце 1960-х меня выгнали под политическим предлогом из последнего класса школы. Тогда, чтобы поддержать, родители отправили меня отдохнуть в Дом творчества «Дзинтари» под Ригой. Там художник-график Коля Кошельков попросил меня позировать для портрета. И сказал: «Вот тебе краски, кисточка и рисуй меня, чтобы не умереть со скуки». До этого мне запрещалось рисовать.
Я взяла в руку кисточку, провела первые линии. Как электричеством, моя рука «сплавилась» с ней, и пришел ответ: «Вот оно! Я могу запечатлеть, выразить и взять с собой (свернуть в трубочку) то восхищение, которое я испытала в далеких северных озерах!» Осознание случилось в один момент».
«Я не делю себя на художника и дизайнера. Тем не менее, по профессиональной выучке, я всегда начинаю с техзадания: сколько цветов, фактур, какие технические возможности размера, повтора. Учитываю и технические ограничения. Как выразить идею всеми возможными, а в моем случае — чаще невозможными способами».
«На протяжении всей жизни природа и любовь были моими источниками вдохновения. Любовь делает жизнь более интенсивной. Эмоции накалены, ум работает в ином режиме, открываются неизвестные прежде двери, пространства, находишься в совершенно ином космическом измерении. А природа — это всеобъемлющая любовь, недостижимая по красоте».
«Мои тотальные инсталляции, тотальные дизайн-проекты начались с заказа четырех экспериментальных комнат для Центрального дома туриста в 1974 году. Я предложила радикальный проект, где стены, потолок, пол, линолеум и шезлонги следовали одному паттерну, образуя тотальный дизайн. К моему удивлению, проект одобрили.
Тогда меня интересовала возможность перевода геометрической формулы на разные носители и даже выход за пределы комнат, мосты например. Мне часто говорили, что паттерны слишком научные, что, по сути, я перевожу формулы математики и физики в визуальные. Сегодня мне интересно осваивать новые для меня материалы — холст, металл, дерево, фанеру. Мне нравится работать над объектами как частями тотальных инсталляций, ширмами например. Я считаю, что история искусств — это, прежде всего, история идей, и для меня работать с формулами-идеями, перерастающими в тотальный дизайн, крайне важно».
«Для меня нет вопроса гендера в искусстве. На него ответила Сапфо:
«Я негу люблю,
Юность люблю,
Радость люблю
И солнце.
Жребий мой — быть
В солнечный свет
И в красоту
Влюбленной!»
Всегда хотела и делала только то, что мне было интересно делать. Считаю, что либо ты хороший художник, либо нет. Вне зависимости от пола, возраста и цвета кожи. В искусстве другие категории.
Но я, конечно, восхищаюсь и отмечаю для себя женщин-поэтов, женщин-художников, женщин-музыкантов. Греческая поэтесса Сапфо, наши освобожденные революционными сдвигами сознания женщины, Степанова, Экстер, Соня Делоне, Гончарова, виолончелистка Наталья Гутман, композитор Софья Губайдулина. Меня они вдохновляют своим женским подвигом».
Alina Pinsky Gallery на Cosmoscow 2023 | 29.09 - 01.10 2023
Alina Pinsky Gallery участвует в ярмарке современного искусства Cosmoscow в седьмой раз.
Галерея традиционно представляет всех своих художников, гармонично объединив в экспозиции разные периоды и направления, modern & contemporary. Ярмарка Cosmoscow является «отчетным событием», срезом открытий и наработок очередного года развития галереи. Так, в 2022-2023 гг. пул художников официально пополнился тремя новыми именами: Наталия Турнова (1957), Наташа Хабарова (1985), Татьяна Андреева (1951).
На этот раз стенд галереи условно делится на две части: одна половина его посвящена современной живописи, тяготеющей к экспрессионизму, в другой - геометрические абстракции второй половины прошлого века, близкие к минимализму и оп-арту.
Первая часть объединяет произведения таких художников как Евгений Музалевский, персональная выставка которого ярко прозвучала в галерее этим летом, Игорь Скалецкий, чей долгожданный, анонсированный дебют откладывался полтора года и теперь обещает стать заметным событием зимы, а также сильнейшие Наталия Турнова и Наташа Хабарова, начавшие сотрудничать с галереей в 2022-2023 годах. Другая часть экспозиции - это мини-выставка музейного уровня классиков старшего поколения: скульптуры Игоря Шелковского, живопись и графика Михаила Чернышова, уникальные оп-артистские «модули» 1970-х годов Татьяны Андреевой.
Площадкой для проведения ярмарки Сosmoscow в этом году стал ‘Экспоцентр’.
Стенд Alina Pinsky Gallery - Б5 секции База.
Дни работы ярмарки: 29 сентября - 01 октября 2023 года.
Во время Cosmoscow в помещении галереи по адресу Пречистенка, 28 продолжается персональная выставка Евгения Музалевского.
Галерея традиционно представляет всех своих художников, гармонично объединив в экспозиции разные периоды и направления, modern & contemporary. Ярмарка Cosmoscow является «отчетным событием», срезом открытий и наработок очередного года развития галереи. Так, в 2022-2023 гг. пул художников официально пополнился тремя новыми именами: Наталия Турнова (1957), Наташа Хабарова (1985), Татьяна Андреева (1951).
На этот раз стенд галереи условно делится на две части: одна половина его посвящена современной живописи, тяготеющей к экспрессионизму, в другой - геометрические абстракции второй половины прошлого века, близкие к минимализму и оп-арту.
Первая часть объединяет произведения таких художников как Евгений Музалевский, персональная выставка которого ярко прозвучала в галерее этим летом, Игорь Скалецкий, чей долгожданный, анонсированный дебют откладывался полтора года и теперь обещает стать заметным событием зимы, а также сильнейшие Наталия Турнова и Наташа Хабарова, начавшие сотрудничать с галереей в 2022-2023 годах. Другая часть экспозиции - это мини-выставка музейного уровня классиков старшего поколения: скульптуры Игоря Шелковского, живопись и графика Михаила Чернышова, уникальные оп-артистские «модули» 1970-х годов Татьяны Андреевой.
Площадкой для проведения ярмарки Сosmoscow в этом году стал ‘Экспоцентр’.
Стенд Alina Pinsky Gallery - Б5 секции База.
Дни работы ярмарки: 29 сентября - 01 октября 2023 года.
Во время Cosmoscow в помещении галереи по адресу Пречистенка, 28 продолжается персональная выставка Евгения Музалевского.
Игорь Скалецкий и Евгений Музалевский в публикации I+D - Выпуск про искусство | Сентябрь 2023
Игорь Скалецкий: Magic of colors. Экспрессионистичный цвет как освобождение
Событием осеннего арт-сезона станет персональная выставка Игоря Скалецкого в Alina Pinsky Gallery в Москве. Последние несколько лет художник работает над крупноформатными полотнами с будоражащими воображение гротесковыми сюжетами. Их насыщенная колористическая гамма отсылает к французской живописи и богатой образности
художников группы «Наби». Напомним, что набисты (Дени, Серюзье, Вюйяр, Боннар, Рансон, Валлоттон...) с их странными «никами», закрытыми обедами и тайными кодами были художниками-интеллектуалами, исповедовавшими магический реализм и дарившими зрителю загадочные намеки и символы в свето-воздушном пространстве картин. Исследователь
«Наби» Шарль Шассе писал: «Картина для них имела смысл только тогда, когда она обладала «стилем». То есть, когда художнику удалось изменить форму наблюдаемых объектов и наложить на них контуры или цвет, выражающие его личность». Магический реализм нашего современника Скалецкого — это наслоения пейзажей и отпечатков памяти, выраженных в спонтанной манере: «Незапланированный мазок ведет в другие миры». С одной стороны, этот прием сближает его с традицией сюрреализма, с другой —влечет более глубокое смысловое восприятие. «Если хочется ключика, если картина выводит из зоны комфорта и понимания — значит, я все правильно сделал».
Евгений Музалевский. Художник, живописец
Молодой 27-летний художник, выпускник московской Школы Родченко со спонтанной, живой и реактивной манерой самовыражения заслужил признание творческого и профессионального сообщества. В 2021 году Евгений Музалевский был удостоен первой премии Анатолия Зверева,
его произведения стали частью ряда музейных собраний и множества частных коллекций. В декабре 2020 года перебрался во Франкфурт, оканчивает обучение в Offenbach University of Art and Design. Его представляет Alina Pinsky Gallery.
Капсульная коллекция одежды
Alina Pinsky Gallery x Kruzhok x Muzalevsky | 30 июня 2023
Alina Pinsky Gallery x Kruzhok x Muzalevsky | 30 июня 2023
Kruzhok совместно с Alina Pinsky Gallery представил коллекцию одежды к открытию персональной выставки Евгения Музалевского. Итогом совмесной работы бренда и художника стали восемь айтемов по мотивам его работ.
Куртка и брюки из гобелена с карандашным рисунком, в котором легко читается узнаваемый графический стиль. Шелковая оверсайз рубашка, дополненная перламутровыми пуговицами. Объемный деконструированный свитер ручной вязки, основой для которого стала картина "Ульяна Васькович в белом платье”. Худи и футболка со значимыеми образами на них: синяя фигура козочки — часть из картины-триптиха — экспонировалась на дипломном проекте автора, и склеп-автопортрет с датами 1995-2023. — был нарисован Музалевским после переезда в Германию. Завершают коллекцию две шелковые пижамы — цветная и черно-белая — абcтрактный принт сохраняет текстуру краски.
Коллекция доступна на сайте бренда, в пространстве галереи Alina Pinsky и в шоуруме Kruzhok в Хохловском переулке.
Куртка и брюки из гобелена с карандашным рисунком, в котором легко читается узнаваемый графический стиль. Шелковая оверсайз рубашка, дополненная перламутровыми пуговицами. Объемный деконструированный свитер ручной вязки, основой для которого стала картина "Ульяна Васькович в белом платье”. Худи и футболка со значимыеми образами на них: синяя фигура козочки — часть из картины-триптиха — экспонировалась на дипломном проекте автора, и склеп-автопортрет с датами 1995-2023. — был нарисован Музалевским после переезда в Германию. Завершают коллекцию две шелковые пижамы — цветная и черно-белая — абcтрактный принт сохраняет текстуру краски.
Коллекция доступна на сайте бренда, в пространстве галереи Alina Pinsky и в шоуруме Kruzhok в Хохловском переулке.
Интервью Алины Пинской для Black Square Journal
Концептуальный журнал об искусстве и стиле, основанный в 2007 году. С весны 2023 года Black Square выпускается в новом формате — как коллекционное издание, представляющее современную культуру вне устоявшихся центров и границ. Black Square интересует современное искусство, современная культура,
мода, дизайн, образ жизни — но не только в мировых культурных столицах, а в большом мире.
Тема первого номера — «Новая география». Тема отражает состояние современного искусства и культуры, где на первый план выходят темы «постколониального дискурса», переосмысления традиционной культурной иерархии.
Для первого выпуска обновленного Black Square поговорили с Таней Столяр о жизни, а также об искусстве. Отличный журнал получился у издателей и главреда Анзора Канкулова. Красивый и объемный. В такое сложное время это можно считать прорывом.
Выставка Александра Юликова "Пространственные альтернативы"
в Государственной Третьковской Галерее на Крымском валу
| 29 сентября 2022
Государственная Третьяковская галерея представила первую персональную выставку выдающегося российского художника Александра Юликова. В экспозиции представлено более 50 произведений художника, охватывающих значительный период его творчества 1970–2020-х годов.
В середине 1970-х годов Александра Юликова называли единственным русским минималистом. Приверженность художника к простым геометрическим формам, к созданию однородных композиций из повторяющихся знаков, к работе с закрашенными одним цветом квадратным плоскостям, к серийности сближает творчество Юликова с минимализмом — одним из самых интеллектуальных движений в мировом искусстве 1960-х, важным свойством которого стала «экономия художественных форм». Однако, в отличие от западных минималистов, Юликов никогда не порывал ни с традиционными атрибутам живописи: холстом, кистями и красками, которые до сих пор остаются главными инструментами художника, ни с самой картиной. Эта привязанность подчеркивает преемственность искусства Александра Юликова традициям русского авангарда, прежде всего супрематизму Казимира Малевича. Художник исследует взаимоотношения цветов, фактур, геометрических фигур, линий, знаков, позволяя формам существовать вне зависимости от границ, заданных плоскостью холста. Среди главных открытий Юликова — эксперименты с разломанными, разложенными на сегменты или принимающими нестандартные конфигурации холстами. В ряде серий работ Юликов использует простые приемы, напоминающие о методике оп-арта — оптического искусства, где за счет изменения дистанции между элементами создается иллюзия динамического сдвига форм, а реальное и видимое не совпадают. Важно, что оптическая метаморфоза конструкции каждой картины достигается художником при помощи таких нехитрых «инструментов», как спички, нити или накладываемые на холст рельефные фигуры.
Открытия Александра Юликова в 2020 году были отмечены премией Фонда Барнетта Ньюмана — одного из главных абстракционистов второй половины ХХ века. Решение жюри фонда о присуждении награды сопровождало письмо, подписанное другим выдающимся американским мастером, Фрэнком Стеллой, в котором говорится об индивидуальности и независимости русского художника.
Выставка проводится при поддержке Алины Пинской (Alina Pinsky Gallery).
в Государственной Третьковской Галерее на Крымском валу
| 29 сентября 2022
Государственная Третьяковская галерея представила первую персональную выставку выдающегося российского художника Александра Юликова. В экспозиции представлено более 50 произведений художника, охватывающих значительный период его творчества 1970–2020-х годов.
В середине 1970-х годов Александра Юликова называли единственным русским минималистом. Приверженность художника к простым геометрическим формам, к созданию однородных композиций из повторяющихся знаков, к работе с закрашенными одним цветом квадратным плоскостям, к серийности сближает творчество Юликова с минимализмом — одним из самых интеллектуальных движений в мировом искусстве 1960-х, важным свойством которого стала «экономия художественных форм». Однако, в отличие от западных минималистов, Юликов никогда не порывал ни с традиционными атрибутам живописи: холстом, кистями и красками, которые до сих пор остаются главными инструментами художника, ни с самой картиной. Эта привязанность подчеркивает преемственность искусства Александра Юликова традициям русского авангарда, прежде всего супрематизму Казимира Малевича. Художник исследует взаимоотношения цветов, фактур, геометрических фигур, линий, знаков, позволяя формам существовать вне зависимости от границ, заданных плоскостью холста. Среди главных открытий Юликова — эксперименты с разломанными, разложенными на сегменты или принимающими нестандартные конфигурации холстами. В ряде серий работ Юликов использует простые приемы, напоминающие о методике оп-арта — оптического искусства, где за счет изменения дистанции между элементами создается иллюзия динамического сдвига форм, а реальное и видимое не совпадают. Важно, что оптическая метаморфоза конструкции каждой картины достигается художником при помощи таких нехитрых «инструментов», как спички, нити или накладываемые на холст рельефные фигуры.
Открытия Александра Юликова в 2020 году были отмечены премией Фонда Барнетта Ньюмана — одного из главных абстракционистов второй половины ХХ века. Решение жюри фонда о присуждении награды сопровождало письмо, подписанное другим выдающимся американским мастером, Фрэнком Стеллой, в котором говорится об индивидуальности и независимости русского художника.
Выставка проводится при поддержке Алины Пинской (Alina Pinsky Gallery).
Стенд Alina Pinsky Gallery на первой ярмарке графики "Контур"
(Нижний Новгород) | 24-28 мая 2023
С 24 по 28 мая 2023 года Alina Pinsky Gallery приняла участие в первой ярмарке графики «Контур», которая прошла в Нижнем Новгороде.
На своем стенде мы традиционно объединили произведения художников разных поколений: работы классиков нонконформизма — Игоря Шелковского (р.1937) и Михаила Чернышова (р.1945), с которыми соседствовали акварели Евгения Музалевского (р.1995) и графика двух художниц галереи — Наталии Турновой (р.1957) и Наташи Хабаровой (р.1985).
Нижний Новгород давно зарекомендовал себя как важная культурная точка России из-за большого разнообразия художественных институций и присутствия уникальных проектов. Ярмарка графики «Контур» стала местом встречи коллекционеров и любителей искусства. В первом выпуске ярмарки приняли участие 29 галерей из Москвы, Санкт-Петербурга, Самары, Владимира и Нижнего Новгорода.
Новый художник галереи — Наташа Хабарова
Представительница новой школы петербургской живописи, Хабарова работает в экспрессионистической манере, обращаясь к сюжетам, связанным с телесностью. Чаще всего ее портреты лишены «портретности» — смытые лица даны лишь условно. Интересен выбор поз и неожиданные ракурсы. Хабарова использует приглушенную или монохромную цветовую гамму, поврежденные холсты или бумагу, подчеркивая таким образом хрупкость, ранимость и уязвимость человеческой натуры.
Наташа Хабарова родилась в Латвии в 1985 году. В 2002 поступила в Санкт-Петербургский государственный университет промышленных технологий и дизайна, на дизайн костюма. В 2007 переехала в Новосибирск, где училась в Новосибирском государственном университете архитектуры, дизайна и искусств на отделении монументально-декоративного искусства. С 2011 года живет и работает в Санкт-Петербурге. Принимала участие в выставках группы Север-7.
Представительница новой школы петербургской живописи, Хабарова работает в экспрессионистической манере, обращаясь к сюжетам, связанным с телесностью. Чаще всего ее портреты лишены «портретности» — смытые лица даны лишь условно. Интересен выбор поз и неожиданные ракурсы. Хабарова использует приглушенную или монохромную цветовую гамму, поврежденные холсты или бумагу, подчеркивая таким образом хрупкость, ранимость и уязвимость человеческой натуры.
Наташа Хабарова родилась в Латвии в 1985 году. В 2002 поступила в Санкт-Петербургский государственный университет промышленных технологий и дизайна, на дизайн костюма. В 2007 переехала в Новосибирск, где училась в Новосибирском государственном университете архитектуры, дизайна и искусств на отделении монументально-декоративного искусства. С 2011 года живет и работает в Санкт-Петербурге. Принимала участие в выставках группы Север-7.
Alina Pinsky Gallery х LOBBY
Евгений Музалевский «Моя любимая муха»
| 27 апреля - 30 мая 2023
27 апреля Alina Pinsky Gallery представила в пространстве LOBBY выставку графических
работ Евгения Музалевского “Моя любимая муха”.
Искусство Евгения Музалевского воплощает экспрессию на стыке абстракции и фигуративности и возникает из хаотичного сплетения однажды пойманных и засевших в сознании образов, которые художник постоянно изымает из памяти, вытаскивает из повседневности или из истории искусства.
Выставка «Моя любимая муха» посвящена графике Музалевского последних лет и объединяет два периода в творчестве художника: ранние «дикие» рисунки, порой совмещенные с дневниковыми заметками, и новые насыщенные, более структурированные акварельные работы, созданные уже после переезда Музалевского в Германию.
Художник образно пишет: «Первая часть проекта скользит по графике 2017 – 2020 годов, вызывая ностальгический трепет. На ярких рисунках, скрытых во внутренностях ящиков, можно увидеть множество расщепленных фигур, трансформацию тел, встретить автопортреты, кровоточащие раны. Там же размещена небольшая дневниковая серия, в которой совмещаются текст и письмо. Формально эта работа объединяется портретами в рамках, которые возвышаются над текстом или же болтаются внизу листа. Вторая часть проекта — это акварельное путешествие, в котором действительность разворачивается спиной».
Музалевский вспоминает, что был увлечён алхимическим процессом создания работ, часами следил за тем, как бурлит краска. Он работал над ними в маленькой комнате, где в уголке можно было поставить два листа: «Мне казалось, что я создаю драгоценности, которые немного стабилизируют комнату».
/
Арт-консьерж LOBBY основан в Москве в 2020 году Кристиной Етумян и Софьей Карповской. Услуги LOBBY направлены на популяризацию коллекционирования современного искусства. Выставочная деятельность в пространстве LOBBY в рамках инициативы #LOBBYBelieve и коллабораций с галереями, арт-проектами и институциями — часть реализуемой программы по созданию профессиональной платформы прозрачного взаимодействия в рамках арт-рынка.
Евгений Музалевский «Моя любимая муха»
| 27 апреля - 30 мая 2023
27 апреля Alina Pinsky Gallery представила в пространстве LOBBY выставку графических
работ Евгения Музалевского “Моя любимая муха”.
Искусство Евгения Музалевского воплощает экспрессию на стыке абстракции и фигуративности и возникает из хаотичного сплетения однажды пойманных и засевших в сознании образов, которые художник постоянно изымает из памяти, вытаскивает из повседневности или из истории искусства.
Выставка «Моя любимая муха» посвящена графике Музалевского последних лет и объединяет два периода в творчестве художника: ранние «дикие» рисунки, порой совмещенные с дневниковыми заметками, и новые насыщенные, более структурированные акварельные работы, созданные уже после переезда Музалевского в Германию.
Художник образно пишет: «Первая часть проекта скользит по графике 2017 – 2020 годов, вызывая ностальгический трепет. На ярких рисунках, скрытых во внутренностях ящиков, можно увидеть множество расщепленных фигур, трансформацию тел, встретить автопортреты, кровоточащие раны. Там же размещена небольшая дневниковая серия, в которой совмещаются текст и письмо. Формально эта работа объединяется портретами в рамках, которые возвышаются над текстом или же болтаются внизу листа. Вторая часть проекта — это акварельное путешествие, в котором действительность разворачивается спиной».
Музалевский вспоминает, что был увлечён алхимическим процессом создания работ, часами следил за тем, как бурлит краска. Он работал над ними в маленькой комнате, где в уголке можно было поставить два листа: «Мне казалось, что я создаю драгоценности, которые немного стабилизируют комнату».
/
Арт-консьерж LOBBY основан в Москве в 2020 году Кристиной Етумян и Софьей Карповской. Услуги LOBBY направлены на популяризацию коллекционирования современного искусства. Выставочная деятельность в пространстве LOBBY в рамках инициативы #LOBBYBelieve и коллабораций с галереями, арт-проектами и институциями — часть реализуемой программы по созданию профессиональной платформы прозрачного взаимодействия в рамках арт-рынка.
Скульптура ”Человек бегущий”Игоря Шелковского в Парке Малевича | 2 июня 2023
2 июня в подмосковном Парке Малевича при поддержке Третьяковской Галереи и Министерства культуры и туризма Московской области открылась вторая часть выставки современных российских авторов. В экспозицию вошли пять объектов, созданных в разные годы Игорем Шелковским, Леонидом Тишковым, Аллой Урбан, Александром Константиновым и Романом Ермаковым. Вдохновленные идеями русского авангарда, произведения современных художников переосмысляют наследие XX века.
Экспозиция продолжает серию партнерских проектов Московской области и крупнейших культурных институций России. Первая часть экспозиции была запущена осенью 2022 года: парк наполнили объекты Франциско Инфанте-Арана, Вячеслава Колейчука, Леонида Тишкова, Аристарха Чернышева и Игоря Шелковского.
Проект в Парке Малевича призван раскрыть связь места с ключевой фигурой искусства XX века — Казимиром Малевичем — через исследование и рефлексию его идей и философии русского авангарда. Вторая часть выставки расширяет контекст, включая в экспозицию произведения нового поколения авторов. Проект объединяет серию объектов современной скульптуры и паблик-арта в пешеходной зоне парка.
Авторы объектов — всемирно известные художники, классики неофициального искусства 1960-1970-х годов, а также художники последующих поколений, уже получившие международное признание. К опыту авангарда все они обращаются за подтверждением тезиса о том, что «искусство — это не только делание объектов, но изобретение идей и визуальных языков» (В. Колейчук). Научный куратор экспозиции — искусствовед, заведующая отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи Ирина Горлова; куратор — искусствовед, креативный продюсер Ксения Новохатько.
«Человек бегущий» Игоря Шелковского происходит из серии, над которой художник работает с начала 2000-х годов. Именно «Люди» были впервые переведены мастером в масштаб городской скульптуры. Конструктивное мышление Шелковского, собирающего из линейных структур вариативные композиции, сближает его творчество с экспериментами русского авангарда. Один из главных исследователей творчества Шелковского Евгений Барабанов настаивает на важном различии между философией конструктивистов и пластическим сознанием Шелковского, в основе которого — «человек как «мера всех вещей». «Человек бегущий» будет встречать посетителей на входе. «Человек сидящий» того же Шелковского, прежде открывавший маршрут, сменил локацию и теперь поджидает посетителей в чаще липовой аллеи.
Пять объектов дополняют экспозицию, открытую в Парке Малевича осенью. С сентября 2022 года в Парке можно увидеть пространственный лабиринт «Вертикаль — горизонталь» современного классика российского лэнд-арта и кинетического искусства Франциско Инфанте-Арана, а также его объект из цикла «Жизнь квадрата»; «Реконструкцию механической самонапряженной структуры Карла Иогансона» одного из пионеров кинетического искусства в России, художника и архитектора Вячеслава Колейчука; «Античную голову» Аристарха Чернышева из арт-коллекции Sminex; «Человека сидящего» Игоря Шелковского и «Частное солнце» и «Частную луну» из теперь законченного триптиха Леонида Тишкова.
Для посетителей экспозиции доступен аудиогид «При чем тут Малевич?». В преддверии открытия второй части экспозиции аудиогид, созданный сотрудниками Третьяковской галереи, переработан и дополнен при участии Анастасии Четвериковой, автора подкаста «Искусство для пацанчиков». Маршрут объединяет и комментирует объекты, раскрывая авторский замысел и связь творчества современных художников с идеями русского авангарда.
Парк Малевича — открывшаяся в декабре 2020 года площадка для длительного экспонирования средового искусства и паблик-арта XX-XXI вв. Расположенный в Одинцовском районе недалеко от Барвихи и Немчиновки, он является оммажем основателю супрематизма. Казимир Малевич часто бывал в этих местах, где жил у родителей своей второй супруги.
Парк наполнен художественными отсылками к творчеству Малевича. В его архитектуре используются геометрические формы — квадрат, круг, треугольник — и зеркальные поверхности. Входной павильон, созданный скульптором Григорием Ореховым по мотивам «Черного квадрата», представляет собой разделенный пополам зеркальный куб и напоминает перекресток, где посетители могут заглянуть в бесконечный коридор отражений.
2 июня в подмосковном Парке Малевича при поддержке Третьяковской Галереи и Министерства культуры и туризма Московской области открылась вторая часть выставки современных российских авторов. В экспозицию вошли пять объектов, созданных в разные годы Игорем Шелковским, Леонидом Тишковым, Аллой Урбан, Александром Константиновым и Романом Ермаковым. Вдохновленные идеями русского авангарда, произведения современных художников переосмысляют наследие XX века.
Экспозиция продолжает серию партнерских проектов Московской области и крупнейших культурных институций России. Первая часть экспозиции была запущена осенью 2022 года: парк наполнили объекты Франциско Инфанте-Арана, Вячеслава Колейчука, Леонида Тишкова, Аристарха Чернышева и Игоря Шелковского.
Проект в Парке Малевича призван раскрыть связь места с ключевой фигурой искусства XX века — Казимиром Малевичем — через исследование и рефлексию его идей и философии русского авангарда. Вторая часть выставки расширяет контекст, включая в экспозицию произведения нового поколения авторов. Проект объединяет серию объектов современной скульптуры и паблик-арта в пешеходной зоне парка.
Авторы объектов — всемирно известные художники, классики неофициального искусства 1960-1970-х годов, а также художники последующих поколений, уже получившие международное признание. К опыту авангарда все они обращаются за подтверждением тезиса о том, что «искусство — это не только делание объектов, но изобретение идей и визуальных языков» (В. Колейчук). Научный куратор экспозиции — искусствовед, заведующая отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи Ирина Горлова; куратор — искусствовед, креативный продюсер Ксения Новохатько.
«Человек бегущий» Игоря Шелковского происходит из серии, над которой художник работает с начала 2000-х годов. Именно «Люди» были впервые переведены мастером в масштаб городской скульптуры. Конструктивное мышление Шелковского, собирающего из линейных структур вариативные композиции, сближает его творчество с экспериментами русского авангарда. Один из главных исследователей творчества Шелковского Евгений Барабанов настаивает на важном различии между философией конструктивистов и пластическим сознанием Шелковского, в основе которого — «человек как «мера всех вещей». «Человек бегущий» будет встречать посетителей на входе. «Человек сидящий» того же Шелковского, прежде открывавший маршрут, сменил локацию и теперь поджидает посетителей в чаще липовой аллеи.
Пять объектов дополняют экспозицию, открытую в Парке Малевича осенью. С сентября 2022 года в Парке можно увидеть пространственный лабиринт «Вертикаль — горизонталь» современного классика российского лэнд-арта и кинетического искусства Франциско Инфанте-Арана, а также его объект из цикла «Жизнь квадрата»; «Реконструкцию механической самонапряженной структуры Карла Иогансона» одного из пионеров кинетического искусства в России, художника и архитектора Вячеслава Колейчука; «Античную голову» Аристарха Чернышева из арт-коллекции Sminex; «Человека сидящего» Игоря Шелковского и «Частное солнце» и «Частную луну» из теперь законченного триптиха Леонида Тишкова.
Для посетителей экспозиции доступен аудиогид «При чем тут Малевич?». В преддверии открытия второй части экспозиции аудиогид, созданный сотрудниками Третьяковской галереи, переработан и дополнен при участии Анастасии Четвериковой, автора подкаста «Искусство для пацанчиков». Маршрут объединяет и комментирует объекты, раскрывая авторский замысел и связь творчества современных художников с идеями русского авангарда.
Парк Малевича — открывшаяся в декабре 2020 года площадка для длительного экспонирования средового искусства и паблик-арта XX-XXI вв. Расположенный в Одинцовском районе недалеко от Барвихи и Немчиновки, он является оммажем основателю супрематизма. Казимир Малевич часто бывал в этих местах, где жил у родителей своей второй супруги.
Парк наполнен художественными отсылками к творчеству Малевича. В его архитектуре используются геометрические формы — квадрат, круг, треугольник — и зеркальные поверхности. Входной павильон, созданный скульптором Григорием Ореховым по мотивам «Черного квадрата», представляет собой разделенный пополам зеркальный куб и напоминает перекресток, где посетители могут заглянуть в бесконечный коридор отражений.
Благотворительная выставка-аукцион VIS-A-VIS
в ММСИ на Петровке | 23 мая - 4 июня 2023
Московский музей современного искусства совместно с благотворительным фондом «Друзья» представили выставку «vis-a-vis» (*лицом к лицу), приуроченную к 8-летию фонда. В залах музея были показаны работы художников разных поколений и направлений, которые предоставили из личных коллекций друзья фонда: Лена Фейгин и Ян Яновский, Лилия Лимиян и Гор Нахапетян, Оксана и Дмитрий Разумовы, Марина и Александр Раппопорт, Ксения Собчак, Алена Долецкая, Инна Баженова, Александра Лекомцева, Светлана Бондарчук, Ирина Вольская и многие другие.
Искусство обладает невероятной созидательной силой, которая озаряет жизнь людей в самые разные моменты. Именно поэтому в свой день рождения фонд «Друзья» решил обратиться к искусству.
Экспозиция, курируемая Алиной Пинской (Alina Pinsky Gallery), позволит познакомиться с избранными произведениями таких авторов, как Андрей Поздеев, Дмитрий Краснопевцев, Тим Парщиков, Евгений Музалевский, Наталия Турнова, Андрей Бартенев, Мария Сафронова, Натта Конышева, Игорь Самолёт, Давид Тер-Оганьян, Владислав Мамышев-Монро и Валерий Кацуба и многих других. Несмотря на очевидное различие жанров, стилей и техник, каждая работа — это так или иначе про «вглядывание» внутрь себя, про поиск ответов и исследование смыслов.
Специально для ALROSA Diamonds и благотворительного фонда «Друзья» художница с мировым именем Мария Серебрякова создала ювелирную скульптуру «Капли». На протяжении работы выставки в пространстве музея гости смогут посмотреть фильм о процессе создания скульптуры из стали и бетона, в которую элегантно вписаны серьги из белого золота с россыпью бриллиантов.
Выставка продолжает серию специальных проектов в поддержку благотворительных программ, уже не первый год успешно проводимых ММОМА, и завершится аукционом, на котором в качестве лотов будут представлены произведения, принявшие участие в экспозиции, а вырученные средства — направлены на развитие программ фонда «Друзья».
Куратор: Алина Пинская
Площадка: Петровка, 25
в ММСИ на Петровке | 23 мая - 4 июня 2023
Московский музей современного искусства совместно с благотворительным фондом «Друзья» представили выставку «vis-a-vis» (*лицом к лицу), приуроченную к 8-летию фонда. В залах музея были показаны работы художников разных поколений и направлений, которые предоставили из личных коллекций друзья фонда: Лена Фейгин и Ян Яновский, Лилия Лимиян и Гор Нахапетян, Оксана и Дмитрий Разумовы, Марина и Александр Раппопорт, Ксения Собчак, Алена Долецкая, Инна Баженова, Александра Лекомцева, Светлана Бондарчук, Ирина Вольская и многие другие.
Искусство обладает невероятной созидательной силой, которая озаряет жизнь людей в самые разные моменты. Именно поэтому в свой день рождения фонд «Друзья» решил обратиться к искусству.
Экспозиция, курируемая Алиной Пинской (Alina Pinsky Gallery), позволит познакомиться с избранными произведениями таких авторов, как Андрей Поздеев, Дмитрий Краснопевцев, Тим Парщиков, Евгений Музалевский, Наталия Турнова, Андрей Бартенев, Мария Сафронова, Натта Конышева, Игорь Самолёт, Давид Тер-Оганьян, Владислав Мамышев-Монро и Валерий Кацуба и многих других. Несмотря на очевидное различие жанров, стилей и техник, каждая работа — это так или иначе про «вглядывание» внутрь себя, про поиск ответов и исследование смыслов.
Специально для ALROSA Diamonds и благотворительного фонда «Друзья» художница с мировым именем Мария Серебрякова создала ювелирную скульптуру «Капли». На протяжении работы выставки в пространстве музея гости смогут посмотреть фильм о процессе создания скульптуры из стали и бетона, в которую элегантно вписаны серьги из белого золота с россыпью бриллиантов.
Выставка продолжает серию специальных проектов в поддержку благотворительных программ, уже не первый год успешно проводимых ММОМА, и завершится аукционом, на котором в качестве лотов будут представлены произведения, принявшие участие в экспозиции, а вырученные средства — направлены на развитие программ фонда «Друзья».
Куратор: Алина Пинская
Площадка: Петровка, 25
Лекция «Лидия Мастеркова. Земная и за–предельная»
| 15 февраля 2023
Мастеркову называют амазонкой второго русского авангарда. Она была одной из немногих, кто занимался абстрактным искусством в СССР в 1960–1970-е гг. В конце 1975 г. художница эмигрировала и всю оставшуюся жизнь провела во Франции. На лекции мы узнаем, как Мастеркова была связана с Малевичем, Диной Верни и Георгием Костаки. Увидим её работы из частных европейских собраний и погрузимся в мистерию поздней Мастерковой, где царят образы иных миров и оживают вибрации творцов прошлых столетий.
Лектор: Кочергина Ирина Сергеевна – искусствовед, старший научный сотрудник Государственной Третьяковской галереи, отдела живописи первой половины XX века.
Участие в организации выставки Лидии Мастерковой в ММСИ в 2014-2015 годах и общение с близким кругом ее друзей и родных позволило Ирине собрать уникальные материалы о различных этапах творчества художницы.
На лекции мы рассмотрим периоды лирической и геометрической абстракции, особое внимание будет уделено метафизике и проявлениям мистического восприятия в работах поздней Мастерковой, а редкие материалы из частных собраний Франции позволят углубиться в малоизвестный супрематический период – оммаж дружбе художницы с одним из крупнейших представителей русского авангарда — Иваном Кудряшевым.
Сложная и полная контрастов драматургия жизни и творчества художницы раскроется через призму архетипов – бессознательных паттернов, определяющих мышление и поведение человека.
Лидия Мастеркова
1927 – 2008
Художница Лианозовской группы. Одна из первых обратилась к метафизической абстракции: геометрические фигуры наделяет сакральным значением. Художница часто прибегала к форме круга, будто решала задачи на равновесие и завершенность пластической формы.
В детстве увлекалась театром, музыкой, поэзией, посещала драматический кружок. Училась в Московской средней художественной школе (1943–1946), первым педагогом начинающей художницы был Михаил Перуцкий. Затем поступила в Московское городское художественное училище.
Входила в Лианозовскую группу. В конце 1950-х одной из первых начала заниматься абстрактным искусством и навсегда сохранила верность этому направлению.
Лидия Мастеркова рано начала участвовать в художественных выставках. Ее первая персональная выставка состоялась в 1961 году в доме искусствоведа И. Цирлина.
Она была участницей нашумевших московских выставок:
1967 — выставка произведений «двенадцати художников» в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов (Москва). Эта выставка была закрыта через два часа после вернисажа, причем работы Л. Мастерковой были сняты еще до открытия выставки;
1974 — 1-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» — так называемая «Бульдозерная выставка» (Москва);
1974 — 2-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» в лесопарке Измайлово (Москва); 1974 — Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);
1975 — выставка живописи московских художников в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (Москва).
В конце 1975 г. Лидия Мастеркова эмигрировала в Вену, а в марте 1976 г. попала во Францию, где жила в живописной деревне Сен-Лоран в 300 км от Парижа, заботясь о своих многочисленных домашних животных. «Во Франции я живу тихо, как мышь, я просто работаю и мне там не до разговоров» (из интервью с Л. Мастерковой, 24.01.2006).
В последние годы она создавала графические серии, а также крупноформатные живописные работы с элементами коллажа. Одна из таких картин стала ее последней работой.
После переезда на Запад Лидия Мастеркова много работала и активно выставлялась во Франции, США, Швейцарии, Германии, Италии. В Париже в 1977 году прошла ее персональная выставка в галерее Дины Верни.
| 15 февраля 2023
Мастеркову называют амазонкой второго русского авангарда. Она была одной из немногих, кто занимался абстрактным искусством в СССР в 1960–1970-е гг. В конце 1975 г. художница эмигрировала и всю оставшуюся жизнь провела во Франции. На лекции мы узнаем, как Мастеркова была связана с Малевичем, Диной Верни и Георгием Костаки. Увидим её работы из частных европейских собраний и погрузимся в мистерию поздней Мастерковой, где царят образы иных миров и оживают вибрации творцов прошлых столетий.
Лектор: Кочергина Ирина Сергеевна – искусствовед, старший научный сотрудник Государственной Третьяковской галереи, отдела живописи первой половины XX века.
Участие в организации выставки Лидии Мастерковой в ММСИ в 2014-2015 годах и общение с близким кругом ее друзей и родных позволило Ирине собрать уникальные материалы о различных этапах творчества художницы.
На лекции мы рассмотрим периоды лирической и геометрической абстракции, особое внимание будет уделено метафизике и проявлениям мистического восприятия в работах поздней Мастерковой, а редкие материалы из частных собраний Франции позволят углубиться в малоизвестный супрематический период – оммаж дружбе художницы с одним из крупнейших представителей русского авангарда — Иваном Кудряшевым.
Сложная и полная контрастов драматургия жизни и творчества художницы раскроется через призму архетипов – бессознательных паттернов, определяющих мышление и поведение человека.
Лидия Мастеркова
1927 – 2008
Художница Лианозовской группы. Одна из первых обратилась к метафизической абстракции: геометрические фигуры наделяет сакральным значением. Художница часто прибегала к форме круга, будто решала задачи на равновесие и завершенность пластической формы.
В детстве увлекалась театром, музыкой, поэзией, посещала драматический кружок. Училась в Московской средней художественной школе (1943–1946), первым педагогом начинающей художницы был Михаил Перуцкий. Затем поступила в Московское городское художественное училище.
Входила в Лианозовскую группу. В конце 1950-х одной из первых начала заниматься абстрактным искусством и навсегда сохранила верность этому направлению.
Лидия Мастеркова рано начала участвовать в художественных выставках. Ее первая персональная выставка состоялась в 1961 году в доме искусствоведа И. Цирлина.
Она была участницей нашумевших московских выставок:
1967 — выставка произведений «двенадцати художников» в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов (Москва). Эта выставка была закрыта через два часа после вернисажа, причем работы Л. Мастерковой были сняты еще до открытия выставки;
1974 — 1-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» — так называемая «Бульдозерная выставка» (Москва);
1974 — 2-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» в лесопарке Измайлово (Москва); 1974 — Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);
1975 — выставка живописи московских художников в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (Москва).
В конце 1975 г. Лидия Мастеркова эмигрировала в Вену, а в марте 1976 г. попала во Францию, где жила в живописной деревне Сен-Лоран в 300 км от Парижа, заботясь о своих многочисленных домашних животных. «Во Франции я живу тихо, как мышь, я просто работаю и мне там не до разговоров» (из интервью с Л. Мастерковой, 24.01.2006).
В последние годы она создавала графические серии, а также крупноформатные живописные работы с элементами коллажа. Одна из таких картин стала ее последней работой.
После переезда на Запад Лидия Мастеркова много работала и активно выставлялась во Франции, США, Швейцарии, Германии, Италии. В Париже в 1977 году прошла ее персональная выставка в галерее Дины Верни.
ZVEREV ART PRIZE 2021 | 19 октября - 21 ноября 2021
В начале 2021 года Музей AZ объявил конкурс арт-проектов на соискании Премии Анатолия Зверева (Zverev Art Prize). Условия подачи и рассмотрения заявок были предельно демократичны. Темой и девизом конкурса стал знаменитый афоризм «мирискусников», переформулированный А. Зверевым в его автобиографии: Жизнь скована, искусство свободно.
Работа Евгения Музалевского «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила Первый приз Премии Зверева, учрежденной музеем AZ.
Для участия в конкурсе на Премию Анатолия Зверева было подано более двух тысяч заявок. От соискателей ожидались проекты, в которых отразились бы свобода, самобытность и нетривиальность, созвучные творчеству художника Анатолия Зверева. Все эти качества оценивал Экспертный совет, в который вошли основатель музея AZ Наталия Опалева, арт-директор музея AZ Полина Лобачевская, искусствовед Андрей Сарабьянов, художники Григорий Брускин, Аристарх Чернышев, Франциско Инфанте, Сергей Братков и Владимир Наседкин.
В экспозицию выставки номинантов Премии вошли также работы фотохудожника Тимофея Парщикова.
Игорь Шелковский и Наталия Турнова на выставке
MMOMA 2021: Летняя коллекция | 07 сентября 2021
Московский музей современного искусства представляет очередную, десятую по счету тематическую экспозицию своей коллекции, которая на этот раз посвящена новым приобретениям и дарам. Для выставки отобраны работы четырнадцати российских художников разных поколений, поступившие в фонды за последние несколько лет.
В их число вошла авторская серия «Механическое рисование» Игоря Шелковского, его масштабное многочастное деревянное панно и живописные работы Наталии Турновой из серий "Старость" и "Новое поколение". Вот, что о них рассказывает художница в интервью журналу Buro 24/7:
"Серия «Старость» включала изображения стариков, к которым мне всегда сложно придумывать названия. Поэтому я там варьирую: «Старуха», «Старик», «Старик в кепке» и т.д. Для меня это всегда больное место – в самом конце, когда работы уже написаны, я с трудом придумываю названия к серии портретов, чтобы как-то их разнообразить. «Новое поколение» – это подсознательно некие младенцы, поэтому чисто пластически, по сравнению с морщинистыми стариками, это должны быть более обобщенные формы. От этих голов должно исходить некое «зародышевое» ощущение. Как у щенка, у которого все очень крупное, большое, и в общем-то, сложно даже определить по нему, что из него вырастет. На лице младенцев ведь нет еще никаких переживаний, страданий, никаких следов от жизни.
Созданные в период с конца 2000-х по 2020 год — который сейчас уже воспринимается с исторической дистанции, — все представленные в экспозиции работы впервые были показаны в составе различных выставок не только в Москве (в том числе, персональных, проходивших в MMOMA), но также в Венеции, Петербурге, Нижнем Новгороде, Владивостоке и других городах. Теперь же, став частью музейной коллекции, они «обживают» незнакомое пространство в здании на Петровке. Каждый из проектов «реконструируется» в диалоге с автором, свободно размещаясь в отдельном зале — собственной экспозиционной зоне комфорта — по монографическому принципу.
Каждый проект на выставке сопровождает информация о провенансе и музейном учете, которая представляет результаты фондовой работы, а также авторский комментарий художника — рассказ о самом произведении, его смысловой интриге и особенностях экспонирования. Записанные специально для выставки Юлией Овчинниковой, эти исследовательские материалы пополнят Медиатеку Образовательного центра MMOMA.
MMOMA 2021: Летняя коллекция | 07 сентября 2021
Московский музей современного искусства представляет очередную, десятую по счету тематическую экспозицию своей коллекции, которая на этот раз посвящена новым приобретениям и дарам. Для выставки отобраны работы четырнадцати российских художников разных поколений, поступившие в фонды за последние несколько лет.
В их число вошла авторская серия «Механическое рисование» Игоря Шелковского, его масштабное многочастное деревянное панно и живописные работы Наталии Турновой из серий "Старость" и "Новое поколение". Вот, что о них рассказывает художница в интервью журналу Buro 24/7:
"Серия «Старость» включала изображения стариков, к которым мне всегда сложно придумывать названия. Поэтому я там варьирую: «Старуха», «Старик», «Старик в кепке» и т.д. Для меня это всегда больное место – в самом конце, когда работы уже написаны, я с трудом придумываю названия к серии портретов, чтобы как-то их разнообразить. «Новое поколение» – это подсознательно некие младенцы, поэтому чисто пластически, по сравнению с морщинистыми стариками, это должны быть более обобщенные формы. От этих голов должно исходить некое «зародышевое» ощущение. Как у щенка, у которого все очень крупное, большое, и в общем-то, сложно даже определить по нему, что из него вырастет. На лице младенцев ведь нет еще никаких переживаний, страданий, никаких следов от жизни.
Созданные в период с конца 2000-х по 2020 год — который сейчас уже воспринимается с исторической дистанции, — все представленные в экспозиции работы впервые были показаны в составе различных выставок не только в Москве (в том числе, персональных, проходивших в MMOMA), но также в Венеции, Петербурге, Нижнем Новгороде, Владивостоке и других городах. Теперь же, став частью музейной коллекции, они «обживают» незнакомое пространство в здании на Петровке. Каждый из проектов «реконструируется» в диалоге с автором, свободно размещаясь в отдельном зале — собственной экспозиционной зоне комфорта — по монографическому принципу.
Каждый проект на выставке сопровождает информация о провенансе и музейном учете, которая представляет результаты фондовой работы, а также авторский комментарий художника — рассказ о самом произведении, его смысловой интриге и особенностях экспонирования. Записанные специально для выставки Юлией Овчинниковой, эти исследовательские материалы пополнят Медиатеку Образовательного центра MMOMA.
”Человек сидящий” в “Парке Малевича” | 29 сентября 2022
29 сентября в “Парке Малевича” открылась экспозиция под открытым небом “При чем тут Малевич?”. На выставке представлены произведения как классиков неофициального искусства 1960-1970-х годов, таких как Игорь Шелковский и Франциско Инфанте, так и художников последующих поколений, получивших международное признание.
При поддержке Государственной Третьяковской галереи в парке установлена увеличенная до 3,5 метров скульптура “Человек сидящий” Игоря Шелковского.
29 сентября в “Парке Малевича” открылась экспозиция под открытым небом “При чем тут Малевич?”. На выставке представлены произведения как классиков неофициального искусства 1960-1970-х годов, таких как Игорь Шелковский и Франциско Инфанте, так и художников последующих поколений, получивших международное признание.
При поддержке Государственной Третьяковской галереи в парке установлена увеличенная до 3,5 метров скульптура “Человек сидящий” Игоря Шелковского.
Работы Евгения Музалевского на выставке “Как поймать мотылька”
| 28 сентября 2022
Музей Набокова представил выставку «Как поймать мотылька?» — поэтическое размышление об эскапизме, памяти и миграции в контексте писательской практики Владимира Набокова.
Отталкиваясь от одного из неотъемлемых и неожиданных увлечений писателя — ловли (или как он самым называл «ловитва») мотыльков, выставка предлагает художественный взгляд на осмысление процессов физического и духовного перемещения, связанного как с вопросами миграции Набокова, так и с опытом его автобиографических путешествий по чертогам собственной памяти, носящих сновидческий характер.
«Предложенный мною вопрос в названии выставки, — рассказывает куратор Илья Крончев-Иванов, — есть ловушка, из которой каждый художник пытается выкарабкаться по-своему, отвечая, скорее, уже на вопрос „как всё-таки остаться не пойманным“. Самому Набокову удалось это сделать целых четыре раза, несмотря на то, что однажды он сам, будучи усыпленный эфиром, был расправлен и распорот, словно бабочка из его коллекции».
Выставка разместилась в трёх залах музея (Малая Столовая, недавно открытая Зелёная Гостиная и Библиотека), образуя анфиладу параллельно основной экспозиции. Работы современных художников носят сайт-специфик характер и интегрируются в музейно-мемориальное пространство, вступая в диалог с наследием Набокова. Таким образом, выставка переосмысляет не только события из жизни писателя, но и феномены, которые человечество переживает сегодня.
Художники: Лера Лернер, Галя Фадеева, Марья Дмитриева, Алина Кугуш, Женя Музалевский, Денис Прасолов, Наталья Фёдорова.
| 28 сентября 2022
Музей Набокова представил выставку «Как поймать мотылька?» — поэтическое размышление об эскапизме, памяти и миграции в контексте писательской практики Владимира Набокова.
Отталкиваясь от одного из неотъемлемых и неожиданных увлечений писателя — ловли (или как он самым называл «ловитва») мотыльков, выставка предлагает художественный взгляд на осмысление процессов физического и духовного перемещения, связанного как с вопросами миграции Набокова, так и с опытом его автобиографических путешествий по чертогам собственной памяти, носящих сновидческий характер.
«Предложенный мною вопрос в названии выставки, — рассказывает куратор Илья Крончев-Иванов, — есть ловушка, из которой каждый художник пытается выкарабкаться по-своему, отвечая, скорее, уже на вопрос „как всё-таки остаться не пойманным“. Самому Набокову удалось это сделать целых четыре раза, несмотря на то, что однажды он сам, будучи усыпленный эфиром, был расправлен и распорот, словно бабочка из его коллекции».
Выставка разместилась в трёх залах музея (Малая Столовая, недавно открытая Зелёная Гостиная и Библиотека), образуя анфиладу параллельно основной экспозиции. Работы современных художников носят сайт-специфик характер и интегрируются в музейно-мемориальное пространство, вступая в диалог с наследием Набокова. Таким образом, выставка переосмысляет не только события из жизни писателя, но и феномены, которые человечество переживает сегодня.
Художники: Лера Лернер, Галя Фадеева, Марья Дмитриева, Алина Кугуш, Женя Музалевский, Денис Прасолов, Наталья Фёдорова.
Произведения Игоря Шелковского в Русском музее | 30 июня 2022
30 июня в Мраморном дворце открылась выставка «Современное российское искусство – языком анимации». В экспозицию включены три независимых проекта: «Аниматоры», «Механикус» и «Человек-схема».
На выставке представлено более 60 произведений современного искусства из собрания Русского музея, частных и авторских коллекций (живопись, графика, скульптура, фотография, а также инсталляции и видео). Экспозиция демонстрирует работы как широко известных, так и менее знакомых зрителю авторов.
Мотив «человека—схемы», зародившийся в искусстве авангарда, в настоящее время превратился в эффектный и эффективный способ разговора о современном человеке и его месте в мире. В экспозиции этот мотив представлен двумя группами работ. Авторы одних оперируют устойчивыми информационными пиктограммами с фигурами, помещенными из нехудожественного пространства в художественное, авторы других создают собственных персонажей, используя близкие принципы формообразования. Таким образом художники реагируют на изменение окружающей культурной среды, наполненной символами и знаками.
Творчество «Новых художников» 1980-х годов представлено в трех направлениях: искусстве абстрактных форм, к которому относятся произведения Игоря Шелковского, искусстве о реальности в ее социальном и экологическом измерениях, искусстве фэнтези и космизма.
Выставка продлилась до 29 августа 2022 года.
30 июня в Мраморном дворце открылась выставка «Современное российское искусство – языком анимации». В экспозицию включены три независимых проекта: «Аниматоры», «Механикус» и «Человек-схема».
На выставке представлено более 60 произведений современного искусства из собрания Русского музея, частных и авторских коллекций (живопись, графика, скульптура, фотография, а также инсталляции и видео). Экспозиция демонстрирует работы как широко известных, так и менее знакомых зрителю авторов.
Мотив «человека—схемы», зародившийся в искусстве авангарда, в настоящее время превратился в эффектный и эффективный способ разговора о современном человеке и его месте в мире. В экспозиции этот мотив представлен двумя группами работ. Авторы одних оперируют устойчивыми информационными пиктограммами с фигурами, помещенными из нехудожественного пространства в художественное, авторы других создают собственных персонажей, используя близкие принципы формообразования. Таким образом художники реагируют на изменение окружающей культурной среды, наполненной символами и знаками.
Творчество «Новых художников» 1980-х годов представлено в трех направлениях: искусстве абстрактных форм, к которому относятся произведения Игоря Шелковского, искусстве о реальности в ее социальном и экологическом измерениях, искусстве фэнтези и космизма.
Выставка продлилась до 29 августа 2022 года.
Игорь Шелковский и Дуня Захарова на выставке
"Мыслящий ландшафт" в Музее Москвы | 9 июня 2022
9 июня в Музее Москвы открылась групповая выставка “Мыслящий ландшафт” с участием художников Alina Pinsky Gallery: Игоря Шелковского и Дуни Захаровой.
Проект посвящен художественному исследованию окружающего пространства и поиску новых форм взаимодействия с ним — через живопись, архитектуру, скульптуру, фотографию, видеоарт. Экспозиция объединит работы более двадцати российских художников разных поколений.
Пространство на выставке осмысляют разные поколения художников: от таких известных авторов, как Игорь Шелковский, до молодых художников — Дуни Захаровой и других. Произведения, представленные на выставке, часто апеллируют к образам простора и бескрайности, однако каждой из представленных работ присуще индивидуальное переживание: авторы обращаются как к общим представлениям, фантомам и мифам, так и к глубоко личным воспоминаниям.
Выставка продлилась до 21 августа 2022 г.
"Мыслящий ландшафт" в Музее Москвы | 9 июня 2022
9 июня в Музее Москвы открылась групповая выставка “Мыслящий ландшафт” с участием художников Alina Pinsky Gallery: Игоря Шелковского и Дуни Захаровой.
Проект посвящен художественному исследованию окружающего пространства и поиску новых форм взаимодействия с ним — через живопись, архитектуру, скульптуру, фотографию, видеоарт. Экспозиция объединит работы более двадцати российских художников разных поколений.
Пространство на выставке осмысляют разные поколения художников: от таких известных авторов, как Игорь Шелковский, до молодых художников — Дуни Захаровой и других. Произведения, представленные на выставке, часто апеллируют к образам простора и бескрайности, однако каждой из представленных работ присуще индивидуальное переживание: авторы обращаются как к общим представлениям, фантомам и мифам, так и к глубоко личным воспоминаниям.
Выставка продлилась до 21 августа 2022 г.
Триптих Евгения Музалевского на выставке
“Монстры под кроватью” в Санкт-Петербурге
| 21 мая 2022
Фонд поддержки и развития современного искусства MAXART совместно с культурным пространством «Третье место» в Санкт-Петербурге открывает site-specific выставку “Монстры под кроватью”.
Триптих Евгения Музалевского *heart*, 2020 года представлен среди других произведений молодых актуальных художников разных генераций, работающих с различными жанрами и медиа.
Выставка исследует трансформацию детских страхов в состояние тревоги через персональный опыт. В условиях эмоциональной турбулентности, провоцируемой внешними обстоятельствами, тревоги приобретают все более осязаемые формы, укореняясь в рутине повседневности. Экологические, социальные и культурные принципы в условиях современности неоднократно демонстрировали свою уязвимость. Чем является для нас страх сегодня и какие инструменты его преодоления кажутся наиболее уместными и продуктивными?
“Монстры под кроватью” в Санкт-Петербурге
| 21 мая 2022
Фонд поддержки и развития современного искусства MAXART совместно с культурным пространством «Третье место» в Санкт-Петербурге открывает site-specific выставку “Монстры под кроватью”.
Триптих Евгения Музалевского *heart*, 2020 года представлен среди других произведений молодых актуальных художников разных генераций, работающих с различными жанрами и медиа.
Выставка исследует трансформацию детских страхов в состояние тревоги через персональный опыт. В условиях эмоциональной турбулентности, провоцируемой внешними обстоятельствами, тревоги приобретают все более осязаемые формы, укореняясь в рутине повседневности. Экологические, социальные и культурные принципы в условиях современности неоднократно демонстрировали свою уязвимость. Чем является для нас страх сегодня и какие инструменты его преодоления кажутся наиболее уместными и продуктивными?
3D тур и продление выставки Tim Parchikov. Just a Shot Away
| 5 марта 2022
Alina Pinsky Gallery продлевает выставку Тима Парщикова ‘Just a Shot Away’ до 5 апреля. 3D тур выставки доступен по ссылке.
Tim Parchikov. Just a Shot Away – это кураторская подборка работ, в основе которой – ключевая серия художника ‘Suspense’. В экспозиции представлено около полусотни произведений разных периодов, включая самые новые. Спонтанные кадры, словно выхваченные из кино, передают некое предчувствие, то самое мгновение «за минуту до выстрела» из фильмов саспенс.
Его произведения регулярно участвуют в зарубежных выставках, выставляются на престижных ярмарках – Art Basel, Frieze, ARCO и других.
К выставке выпущен каталог с вступительными статьями арт-критиков Ирины Кулик и Киры Долинной.
| 5 марта 2022
Alina Pinsky Gallery продлевает выставку Тима Парщикова ‘Just a Shot Away’ до 5 апреля. 3D тур выставки доступен по ссылке.
Tim Parchikov. Just a Shot Away – это кураторская подборка работ, в основе которой – ключевая серия художника ‘Suspense’. В экспозиции представлено около полусотни произведений разных периодов, включая самые новые. Спонтанные кадры, словно выхваченные из кино, передают некое предчувствие, то самое мгновение «за минуту до выстрела» из фильмов саспенс.
Его произведения регулярно участвуют в зарубежных выставках, выставляются на престижных ярмарках – Art Basel, Frieze, ARCO и других.
К выставке выпущен каталог с вступительными статьями арт-критиков Ирины Кулик и Киры Долинной.
”Ваза с цветами” Игоря Шелковского в парке “Зарядье”
| 4 сентября 2021
3 сентября в рамках проекта “Здесь и сейчас” при поддержке Музея Москвы в парке “Зарядье” установили семиметровую скульптуру Игоря Шелковского “Ваза с цветами”.
Скульптура – схематичное изображение цветов, выполненное из стали. Яркая и контрастная композиция Шелковского напоминает архитектоны Казимира Малевича – объёмные супрематические модели, которые строились из простейших геометрических элементов.
Игорь Шелковский всегда вдохновляется природными формами,
позволяющими придать изображению лёгкость и гармоничность. Его вазы с цветами – большая отдельная серия, а масштабирование своей скульптуры – постоянный интерес художника. В 2020 году за скульптурную серию “Люди” в Третьяковской Галерее Игорь Шелковский получил награду первой Московской Арт Премии.
| 4 сентября 2021
3 сентября в рамках проекта “Здесь и сейчас” при поддержке Музея Москвы в парке “Зарядье” установили семиметровую скульптуру Игоря Шелковского “Ваза с цветами”.
Скульптура – схематичное изображение цветов, выполненное из стали. Яркая и контрастная композиция Шелковского напоминает архитектоны Казимира Малевича – объёмные супрематические модели, которые строились из простейших геометрических элементов.
Игорь Шелковский всегда вдохновляется природными формами,
позволяющими придать изображению лёгкость и гармоничность. Его вазы с цветами – большая отдельная серия, а масштабирование своей скульптуры – постоянный интерес художника. В 2020 году за скульптурную серию “Люди” в Третьяковской Галерее Игорь Шелковский получил награду первой Московской Арт Премии.
Работы Игоря Шелковского в музее-усадьбе “Архангельское“
| 24 июня 2022
Выставка «Сады искусств. Метаморфозы», подготовленная к открытию Ботанических оранжерей, – оммаж насыщенному историческому прошлому этого места, и в то же время взгляд из сегодняшнего дня в будущее. В проекте сплетаются между собой разные временные линии, а музейные артефакты проглядывают сквозь живопись, графику, скульптуру и объекты современных авторов.На выставке представлены инсталляции, арт-объекты, живопись и графика известных современных художников.
Ботаническое отделение, в котором открылась выставка, построенная к востоку от дворцовой части усадьбы и включавшая в себя Холодную оранжерею «длиною 21 сажень и шириною 14 аршин», две теплицы по бокам и Пальмовую (Музовую) и Эриковую оранжереи напротив. В них росли пальмы, эрики, верески и субтропические диковинки. Однако просуществовало Ботаническое отделение недолго – в 1832 году наследник князя Н. Б. Юсупова Борис приказал его упразднить, а здания разобрать.
Спустя почти 200 лет Холодная оранжерея и теплицы Ботаники воссозданы на старых фундаментах, а их новое предназначение смещает фокус на другую страсть прежнего хозяина – современное искусство. Блестяще образованный аристократ, Юсупов с одинаковым интересом относился к древностям, старым мастерам и современным ему художникам. Воспитанный веком Просвещения, искусство современников он понимал и чувствовал особенно тонко, во время путешествий по Европе посещал мастерские живописцев и скульпторов, покупал работы, делал заказы, участвовал в аукционах, следил за всем происходящим в арт-мире.
Выставка продлилась до 31 октября 2022
| 24 июня 2022
Выставка «Сады искусств. Метаморфозы», подготовленная к открытию Ботанических оранжерей, – оммаж насыщенному историческому прошлому этого места, и в то же время взгляд из сегодняшнего дня в будущее. В проекте сплетаются между собой разные временные линии, а музейные артефакты проглядывают сквозь живопись, графику, скульптуру и объекты современных авторов.На выставке представлены инсталляции, арт-объекты, живопись и графика известных современных художников.
Ботаническое отделение, в котором открылась выставка, построенная к востоку от дворцовой части усадьбы и включавшая в себя Холодную оранжерею «длиною 21 сажень и шириною 14 аршин», две теплицы по бокам и Пальмовую (Музовую) и Эриковую оранжереи напротив. В них росли пальмы, эрики, верески и субтропические диковинки. Однако просуществовало Ботаническое отделение недолго – в 1832 году наследник князя Н. Б. Юсупова Борис приказал его упразднить, а здания разобрать.
Спустя почти 200 лет Холодная оранжерея и теплицы Ботаники воссозданы на старых фундаментах, а их новое предназначение смещает фокус на другую страсть прежнего хозяина – современное искусство. Блестяще образованный аристократ, Юсупов с одинаковым интересом относился к древностям, старым мастерам и современным ему художникам. Воспитанный веком Просвещения, искусство современников он понимал и чувствовал особенно тонко, во время путешествий по Европе посещал мастерские живописцев и скульпторов, покупал работы, делал заказы, участвовал в аукционах, следил за всем происходящим в арт-мире.
Выставка продлилась до 31 октября 2022
Игорь Шелковский — лауреат Московской Арт Премии
| 9 декабря 2020
20 ноября в парке «Зарядье» прошла церемония награждения лауреатов Московской Арт Премии. Ее учредитель — Фонд развития современного искусства (ФРСИ) под председательством Ивана Демидова; в экспертном совете премии — Ольга Свиблова и Василий Церетели. В этом году награждение проходило первый раз. Первую премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура» получил скульптор Игорь Шелковский за цикл «Люди».
Игорь Шелковский (р. 1937) принадлежит к первому поколению московских «неофициальных» художников. Он начинал в конце 1950-х. С 1970-х занимается скульптурой. С 1976 года Шелковский жил во Франции, где издавал известный журнал об искусстве «А-Я». Сейчас у него две мастерские — в Москве и в Эланкуре под Парижем. Его последние персональные выставки прошли в Мультимедиа Арт Музее в Москве (зима 2013-2014), в Третьяковской галерее (зима 2017-2018) и у нас, в галерее Алины Пинской (зима 2018-2019).
Наша галерея — экслюзивный представитель Игоря Шелковского. Работы художника находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, фонде Людвига в Вене, центре Помпиду и других известных собраниях.
Небольшие фигуры людей из деревянных Шелковский художник начал делать ещё в 1970-е. Некоторые свои работы он воспроизводил в металле, стремясь придать им монументальный масштаб. Как рассказал сам художник на церемонии вручения Московской Арт Премии, «есть такая поговорка: «Величина не есть величие», она не совсем верна. Если взять египетскую пирамиду и уменьшить ее до размеров детского кубика, все величие исчезнет. В скульптуре важен размер». Некоторые «люди» Шелковского значительно больше человеческого роста. Самые крупные из них — трехметровые скульптуры «Человек стоящий», «Человек шагающий» и «Человек бегущий», установленные в прошлом году во дворе Новой Третьяковки — дар музею коллекционеров Алины и Дмитрия Пинских.
На фото: монументальные скульптуры во дворе французской мастерской Игоря Шелковского, нач. 2000-х.
| 9 декабря 2020
20 ноября в парке «Зарядье» прошла церемония награждения лауреатов Московской Арт Премии. Ее учредитель — Фонд развития современного искусства (ФРСИ) под председательством Ивана Демидова; в экспертном совете премии — Ольга Свиблова и Василий Церетели. В этом году награждение проходило первый раз. Первую премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура» получил скульптор Игорь Шелковский за цикл «Люди».
Игорь Шелковский (р. 1937) принадлежит к первому поколению московских «неофициальных» художников. Он начинал в конце 1950-х. С 1970-х занимается скульптурой. С 1976 года Шелковский жил во Франции, где издавал известный журнал об искусстве «А-Я». Сейчас у него две мастерские — в Москве и в Эланкуре под Парижем. Его последние персональные выставки прошли в Мультимедиа Арт Музее в Москве (зима 2013-2014), в Третьяковской галерее (зима 2017-2018) и у нас, в галерее Алины Пинской (зима 2018-2019).
Наша галерея — экслюзивный представитель Игоря Шелковского. Работы художника находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, фонде Людвига в Вене, центре Помпиду и других известных собраниях.
Небольшие фигуры людей из деревянных Шелковский художник начал делать ещё в 1970-е. Некоторые свои работы он воспроизводил в металле, стремясь придать им монументальный масштаб. Как рассказал сам художник на церемонии вручения Московской Арт Премии, «есть такая поговорка: «Величина не есть величие», она не совсем верна. Если взять египетскую пирамиду и уменьшить ее до размеров детского кубика, все величие исчезнет. В скульптуре важен размер». Некоторые «люди» Шелковского значительно больше человеческого роста. Самые крупные из них — трехметровые скульптуры «Человек стоящий», «Человек шагающий» и «Человек бегущий», установленные в прошлом году во дворе Новой Третьяковки — дар музею коллекционеров Алины и Дмитрия Пинских.
На фото: монументальные скульптуры во дворе французской мастерской Игоря Шелковского, нач. 2000-х.
Скульптуры Игоря Шелковского во дворе Новой Третьяковки
| 7 октября 2019
7 октября 2019 во внутреннем дворе Новой Третьяковки навсегда поселились три «человека» Игоря Шелковского — «Стоящий», «Шагающий» и «Бегущий». Трехметровые металлические скульптуры созданы специально для открытого пространства. Давняя мечта Шелковского о выходе современной скульптуры в город осуществилась благодаря дару коллекционеров Алины и Дмитрия Пинских.
Третьяковская галерея, главный государственный хранитель национального искусства, делает первый шаг в новой практике формирования общественного пространства, что созвучно будущему Третьяковки, которая, по замыслу автора концепции реконструкции, архитектора Рема Колхаса, станет «открытым музеем».
«Искусство выражает суть своего времени, своей эпохи, и не может быть вне этого. У нас в собрании — считаные работы неофициальных художников, почти нет искусства 1990-х, 2000-х. Сейчас мы стараемся пополнять коллекцию современного искусства: спасибо, что есть меценаты и фонды, которые его передают в дар ГТГ», — говорит Зельфира Трегулова, директор музея, в одном из своих интервью.
«Мы рады содействовать тому, чтобы ГТГ могла показывать масштабные работы – скульптуру, инсталляции, объекты театрального искусства… Наша цель — привлечь общественный интерес, спонсоров и донаторов к формированию актуальной коллекции музея», — высказывается соавтор идеи культуролог Инна Крымова.
«То, что сейчас в России начинают обращать внимание на наше национальное искусство, в том числе и современное, оставляет надежду, что и оно сможет занять достойное место в искусстве общемировом. Если хочешь, чтобы твоим искусством заинтересовались другие, сначала заинтересуйся им сам. Этот путь проходят все страны — от Франции до Китая», — комментирует художник Игорь Шелковский.
| 7 октября 2019
7 октября 2019 во внутреннем дворе Новой Третьяковки навсегда поселились три «человека» Игоря Шелковского — «Стоящий», «Шагающий» и «Бегущий». Трехметровые металлические скульптуры созданы специально для открытого пространства. Давняя мечта Шелковского о выходе современной скульптуры в город осуществилась благодаря дару коллекционеров Алины и Дмитрия Пинских.
Третьяковская галерея, главный государственный хранитель национального искусства, делает первый шаг в новой практике формирования общественного пространства, что созвучно будущему Третьяковки, которая, по замыслу автора концепции реконструкции, архитектора Рема Колхаса, станет «открытым музеем».
«Искусство выражает суть своего времени, своей эпохи, и не может быть вне этого. У нас в собрании — считаные работы неофициальных художников, почти нет искусства 1990-х, 2000-х. Сейчас мы стараемся пополнять коллекцию современного искусства: спасибо, что есть меценаты и фонды, которые его передают в дар ГТГ», — говорит Зельфира Трегулова, директор музея, в одном из своих интервью.
«Мы рады содействовать тому, чтобы ГТГ могла показывать масштабные работы – скульптуру, инсталляции, объекты театрального искусства… Наша цель — привлечь общественный интерес, спонсоров и донаторов к формированию актуальной коллекции музея», — высказывается соавтор идеи культуролог Инна Крымова.
«То, что сейчас в России начинают обращать внимание на наше национальное искусство, в том числе и современное, оставляет надежду, что и оно сможет занять достойное место в искусстве общемировом. Если хочешь, чтобы твоим искусством заинтересовались другие, сначала заинтересуйся им сам. Этот путь проходят все страны — от Франции до Китая», — комментирует художник Игорь Шелковский.
Лекция «Радикальный дизайн в Италии» | 4 апреля 2019
Сотрудник галереи «Палисандр» Артём Дежурко прочитал лекцию о бесстыдниках и хулиганах, работавших в конце 1960-х и начале 1970-х годов на стыке архитектуры, дизайна и «современного» искусства. В лекции шла речь об Этторе Соттсассе, Алессандро Мендини, Гаэтано Пеше, Андреа Бранци, о таких художественных группировках, как Archizoom, Suрerstudio, Gruppo UFO, Gruppo 9999, Gruppo Strum и Studio 65. Их роль в истории итальянского, да и мирового дизайна огромна. Главным образом им итальянский дизайн обязан своей неувядаемой славой. Эти люди были ведущими дизайнерами Италии до конца века, но лекция ограничилась временем их дебюта в профессии — десятилетним периодом с середины 1960-х годов до середины 1970-х. и продолжали работать и в 1980-е годы, но это десятилетие останется за рамками лекции. В ней рассказывалось также о производителях, без которых итальянский радикальный дизайн остался бы чисто художественным экспериментом — Poltronova, Zanotta, Cassina.
Сотрудник галереи «Палисандр» Артём Дежурко прочитал лекцию о бесстыдниках и хулиганах, работавших в конце 1960-х и начале 1970-х годов на стыке архитектуры, дизайна и «современного» искусства. В лекции шла речь об Этторе Соттсассе, Алессандро Мендини, Гаэтано Пеше, Андреа Бранци, о таких художественных группировках, как Archizoom, Suрerstudio, Gruppo UFO, Gruppo 9999, Gruppo Strum и Studio 65. Их роль в истории итальянского, да и мирового дизайна огромна. Главным образом им итальянский дизайн обязан своей неувядаемой славой. Эти люди были ведущими дизайнерами Италии до конца века, но лекция ограничилась временем их дебюта в профессии — десятилетним периодом с середины 1960-х годов до середины 1970-х. и продолжали работать и в 1980-е годы, но это десятилетие останется за рамками лекции. В ней рассказывалось также о производителях, без которых итальянский радикальный дизайн остался бы чисто художественным экспериментом — Poltronova, Zanotta, Cassina.
Лекция Александра Рымкевича «Мужской интерьер» | 27 марта 2019
27 марта в галерее «Палисандр» прошло мероприятие клуба «Табу» Александра Добровинского — лекция о мужском интерьере, которую прочитал Александр Рымкевич, знаток моды и главный редактор журнала The Rake Russia. Александр Рымкевич — опытный лектор, но многие гости галереи в тот вечер слышали его впервые. Оказалось, что он прекрасный рассказчик, умеющий непринуждённо и занимательно говорить обо всём на свете. Александр Рымкевич показал множество «мужских» интерьеров (в том числе кабинет основателя клуба «Табу», Александра Добровинского), рассказал о судьбах их владельцев, о собранных ими коллекциях искусства (а иногда, что делало рассказ особенно увлекательным, и о деталях их костюма).
27 марта в галерее «Палисандр» прошло мероприятие клуба «Табу» Александра Добровинского — лекция о мужском интерьере, которую прочитал Александр Рымкевич, знаток моды и главный редактор журнала The Rake Russia. Александр Рымкевич — опытный лектор, но многие гости галереи в тот вечер слышали его впервые. Оказалось, что он прекрасный рассказчик, умеющий непринуждённо и занимательно говорить обо всём на свете. Александр Рымкевич показал множество «мужских» интерьеров (в том числе кабинет основателя клуба «Табу», Александра Добровинского), рассказал о судьбах их владельцев, о собранных ими коллекциях искусства (а иногда, что делало рассказ особенно увлекательным, и о деталях их костюма).
Лекция “Дизайн середины XX в. в Швеции”
| 31 января 2019
30 января в галерее состоялась очередная лекция Артёма Дежурко об истории дизайна. В этот раз темой стал шведский дизайн середины ХХ века. Речь шла о том, как благодаря Швеции “современное движение” пришло в Скандинавию, о важной роли выставки декоративных искусств 1930 года в Стокгольме; героями рассказа стали Карл Мальмстен, Карл Бергстен, Аксель Эйнар Хьорт, Аксель Ларссон, Бруно Матссон, Ингве Экстрём и Йозеф Франк, австрийский дизайнер, эмигрировавший в Швецию.
| 31 января 2019
30 января в галерее состоялась очередная лекция Артёма Дежурко об истории дизайна. В этот раз темой стал шведский дизайн середины ХХ века. Речь шла о том, как благодаря Швеции “современное движение” пришло в Скандинавию, о важной роли выставки декоративных искусств 1930 года в Стокгольме; героями рассказа стали Карл Мальмстен, Карл Бергстен, Аксель Эйнар Хьорт, Аксель Ларссон, Бруно Матссон, Ингве Экстрём и Йозеф Франк, австрийский дизайнер, эмигрировавший в Швецию.
Лекция “Итальянский модернистский дизайн” | 29 января 2018
29 ноября 2018 года в галерее “Палисандр” прошла лекция Артёма Дежурко о модернистском дизайне и интерьерах в Италии 1930-х — 1950-х годов. В лекции шла речь о проектах Джо Понти, Франко Альбини, Джузеппе Пагано, Пьеро Порталуппи, Карло Моллино, Марко Дзанузо, Освальдо Борсани, Ико Паризи и некоторых других авторов; были показаны интерьеры домов, где они жили, и мебель, которую они проектировали, причём главным образом — уникальные или выпущенные небольшими тиражами предметы. Сопоставляя итальянский дизайн середины XX века с тем, что считается нормой модернистской эстетики, лектор стремился показать слушателям его своеобразие и противоречивость.
29 ноября 2018 года в галерее “Палисандр” прошла лекция Артёма Дежурко о модернистском дизайне и интерьерах в Италии 1930-х — 1950-х годов. В лекции шла речь о проектах Джо Понти, Франко Альбини, Джузеппе Пагано, Пьеро Порталуппи, Карло Моллино, Марко Дзанузо, Освальдо Борсани, Ико Паризи и некоторых других авторов; были показаны интерьеры домов, где они жили, и мебель, которую они проектировали, причём главным образом — уникальные или выпущенные небольшими тиражами предметы. Сопоставляя итальянский дизайн середины XX века с тем, что считается нормой модернистской эстетики, лектор стремился показать слушателям его своеобразие и противоречивость.
Лекция-беседа «Винтаж или переиздания?» | 23 октября 2018
23 октября в галерее Палисандр состоялась лекция-беседа Артёма Дежурко и Алины Пинской о коллекционном дизайне и достоинствах вещей с историей. Лекторы рассказали о винтажных и современных предметах Имзов, Миса ван дер Роэ, Жана Пруве и Поула Кьярхольма, о том, как стареют материалы и об удовольствии, которое приносит чтение клейм.
23 октября в галерее Палисандр состоялась лекция-беседа Артёма Дежурко и Алины Пинской о коллекционном дизайне и достоинствах вещей с историей. Лекторы рассказали о винтажных и современных предметах Имзов, Миса ван дер Роэ, Жана Пруве и Поула Кьярхольма, о том, как стареют материалы и об удовольствии, которое приносит чтение клейм.
Лекция «Контрдизайн. Новые законы привлекательности» | 19 февраля 2018
Галерея «Палисандр» завершила выставочный проект, посвященный эпохе 1980-х, лекцией «Контрдизайн. Новые законы привлекательности». О связи радикального дизайна с индустрией моды рассказали историк моды Андрей Аболенкин и Алина Пинская (галерея «Палисандр»).
Феномен антидизайна 80-х — тема текущей выставки галереи Палисандр. Участники знаменитой итальянской группы Мемфис пытались бросить вызов буржуазному потреблению и самой материальной культуре. Новые идеи, формы, материалы стали заметным явлением в свое время. Сегодня интерес к той яркой эпохе — на пике.
Считается, что дизайн является барометром общественных изменений. То же самое можно сказать про моду. В 80-е началась настоящая революция вкусов и представлений о прекрасном: Карл Лагерфельд как арт-директор и реформатор Chanel, стрит-арт как новая элитарность вместо маргинальности, рэп как новое явление в музыке, смешение жанров и размытие границ в поп-культуре, наконец, появление зачатков всемирной компьютерной сети. Последние оплоты буржуазного «хорошего вкуса» сокрушены, нет деления на благородные и грубые материалы, нет больше вызывающих и сдержанных цветов, нет обязательности правильных пропорций и форм. Наряду со всплеском интереса к радикальному дизайну 1970-80х годов в моде актуализируется ugly chic. Как контрдизайн связан с расцветом эпохи диско и синти-попа, как это все сказывается на новейших трендах расскажет Андрей Аболенкин.
Андрей Аболенкин – fashion-аналитик, один из ведущих российских специалистов в области моды. Сотрудничает с российскими модными домами, консультирует крупных ритейлеров и производителей одежды. Сотрудничал с рядом глянцевых изданий. Несколько лет работал в качестве главного консультанта Moscow Fashion Week. Создатель и продюсер модных показов. Автор многочисленных публикаций и лекционных программ.
Галерея «Палисандр» завершила выставочный проект, посвященный эпохе 1980-х, лекцией «Контрдизайн. Новые законы привлекательности». О связи радикального дизайна с индустрией моды рассказали историк моды Андрей Аболенкин и Алина Пинская (галерея «Палисандр»).
Феномен антидизайна 80-х — тема текущей выставки галереи Палисандр. Участники знаменитой итальянской группы Мемфис пытались бросить вызов буржуазному потреблению и самой материальной культуре. Новые идеи, формы, материалы стали заметным явлением в свое время. Сегодня интерес к той яркой эпохе — на пике.
Считается, что дизайн является барометром общественных изменений. То же самое можно сказать про моду. В 80-е началась настоящая революция вкусов и представлений о прекрасном: Карл Лагерфельд как арт-директор и реформатор Chanel, стрит-арт как новая элитарность вместо маргинальности, рэп как новое явление в музыке, смешение жанров и размытие границ в поп-культуре, наконец, появление зачатков всемирной компьютерной сети. Последние оплоты буржуазного «хорошего вкуса» сокрушены, нет деления на благородные и грубые материалы, нет больше вызывающих и сдержанных цветов, нет обязательности правильных пропорций и форм. Наряду со всплеском интереса к радикальному дизайну 1970-80х годов в моде актуализируется ugly chic. Как контрдизайн связан с расцветом эпохи диско и синти-попа, как это все сказывается на новейших трендах расскажет Андрей Аболенкин.
Андрей Аболенкин – fashion-аналитик, один из ведущих российских специалистов в области моды. Сотрудничает с российскими модными домами, консультирует крупных ритейлеров и производителей одежды. Сотрудничал с рядом глянцевых изданий. Несколько лет работал в качестве главного консультанта Moscow Fashion Week. Создатель и продюсер модных показов. Автор многочисленных публикаций и лекционных программ.
Alina Pinsky Gallery открывает выставку Льва Повзнера. Проект «Поле чудес» объединит около 90 живописных и графических работ, созданных с 1990-х по 2010-е годы, и станет крупнейшей выставкой автора за последнее время..
В экспозицию в Alina Pinsky Gallery вошли картины-ребусы, созданные с 1990-х по 2020-е. Это первая после долгого перерыва выставка мастера, звезда которого взошла на художественном небосклоне на излете оттепели
На стенде Alina Pinsky Gallery на ярмарке Cosmoscow — мини-выставка музейного уровня художников — классиков старшего поколения: уникальные модули 1970-х годов Татьяны Андреевой, художницы на много лет опередившей
Своими впечатлениями о том, как новый менеджмент ярмарки Art Basel повлиял на состав художников и многое другое, с нами поделилась галеристка Алина Пинская
.
.
Kruzhok представил капсулу, созданную к открытию персональной выставки Евгения Музалевского в Alina Pinsky Gallery. В коллекцию вошло восемь вещей, созданных по мотивам работ художника.
27-летнему Евгению Музалевскому — ученику мастерской легендарного фотографа и художника Сергея Браткова в Школе Родченко — мы предрекалибольшое будущее еще два года назад...
В работах, написанных им уже в период обучения в Институте искусства и дизайна в Оффенбахе, Евгений Музалевский показывает новый способ взаимодействия с пространством холста.
Накануне мы в очередной раз убедились, что Alina Pinsky Gallery кладезь не только прекрасных работ художников, но и светских персон Алине Пинской вот уже в который раз удается собрать...
Алена Долецкая и Маша Федорова в среду посетили открытие выставки Евгения Музалевского. Алина Пинская, в чьей галерее и состоялась персональная выставка, с особым трепетом знакомила...
В Alina Pinsky Gallery прошло открытие персональной выставки Евгения Музалевского. В свои 27 лет автор накопил весомый багаж визуального и эмоционального опыта, а также заслужил широкое ...
В четверг Alina Pinsky Gallery открыла в пространстве LOBBY выставку графических работ Евгения Музалевского «Моя любимая муха». Основательницы арт-консерьежа радушно встречали гостей...
С 23 мая по 4 июня в ММОМА на Петровке пройдет выставка «Vis-à-vis». Куратором выступила галерист Алина Пинская. Совместно с фондом «Друзья» Музей представляет проект «Vis-à-vis»...
.
.
В арт-пространстве Алины Пинской прошло открытие выставки True Colors, лейтмотивом которой стал цвет как принципиальное средство художественной выразительности...
Открытие выставки True Colors с работами художников галереи. Лейтмотивом экспозиции стал цвет как принципиальное средство художественной выразительности. В состав выставки вошли...
Недавно в Alina Pinsky Gallery прошла выставка «И как нам создавать свою красоту?». Как говорят организаторы, это «женская выставка» в галерее, не присягавшей феминистскому движению.
Весна — время цвета. Если вам пока не хватает его в окружающем пространстве, выставка в Alina Pinsky Gallery поможет: ее лейтмотивом как раз стал цвет как принципиальное средство...
Выставка 18 художниц «И как нам создавать свою красоту?» в Alina Pinsky Gallery охватывает столетие, от авангарда до наших дней. В ретроспективе особое место занимает Наталия Турнова, за которой...
Вернисаж посетили Ксения Чилингарова, Светлана Бондарчук, Евгения Линович, Наталья Максимова, Инга Берман, Александра Лекомцева, Анна Андронова, Елена Пинская-Вакуленко...
A large group exhibition of nearly a dozen female artists has opened in Moscow’s Alina Pinsky Gallery. It brings together works from several generations of women in the arts in Russia, from the modernist pioneer Natalia Goncharova to young millennials.
В английском языке есть идиома someone’s true colors, означающая «истинное лицо». «Свое лицо» художники-колористы определяют через свободную цветовую интерпретацию.
Идея гендера заложена в основу концепции выставки «И как нам создавать свою красоту?» в Alina Pinsky Gallery. На нее отобрали работы 18 русских художниц
Работы известных художниц сквозь года и звездные гости на выставке в Alina Pinsky Gallery. 15 ноября в Alina Pinsky Gallery прошло открытие выставки «И как нам создавать свою красоту». Экспозиция затрагивает вопросы о границах живописности и о доле «женского» в работах художниц.
В Alina Pinsky Gallery стартует выставка «И как нам создавать свою красоту?», посвященная женщинам-художницам. Хронологически экспозиция охватывает почти сто лет, предлагая задуматься о гранях живописности и женской роли в искусстве. И вот еще как минимум 5 причин, почему ее стоит увидеть.
Мы уже давно свыклись с тем, что нам не всегда удается побывать на всех мероприятиях, на которые нас приглашают. Однако вчерашнее упущение стало, пожалуй, самым грустным для нас — состоялось открытие выставки «И как нам создавать свою красоту» в Alina Pinsky Gallery.
Галерея «Палисандр» сменила название — теперь это Alina Pinsky Gallery, — и переехала с Трехгорки на Пречистенку. Мы встретились с владелицей галереи Алиной Пинской на новом месте, и она рассказала нам о ребрендинге и своем секрете успеха
В своем пространстве в доходном доме Исакова на Пречистенке галерея открыла юбилейную выставку «Вчера, сегодня, всегда»
.
.
Арт-пространство Алины Пинской отметило свое пятилетие открытием выставки «Вчера, сегодня, завтра», которая объединила работы художников нескольких поколений.
В России много тех, кто может позволить себе покупать искусство и предметы авторского дизайна. О том, как их продавать, — галерист Алина Пинская. «Арт и дизайн всегда сосуществуют рядом...
На прошлой неделе Алина Пинская открыла двери своей обновленной галереи. Название «Палисандр» сменилось на Alina Pinsky Gallery, а акцент на коллекционный дизайн остался неизменным. Мы попросили галеристку выбрать 12 предметов, с которых можно начать собирать свою коллекцию прямо сейчас.
Галерея Алины Пинской отмечает свой первый юбилей. Специально для Forbes Life Алина Пинская сделала подборку топ-продаж своей галереи за пять лет.
Тело — это Бог. Как пишет художник Наташа Хабарова
В новом выпуске «В красках» Егор Спесивцев рассказывает о Наташе Хабаровой — современной художнице, которая на языке чужого тела говорит об одиночестве, выгорании и удовольствии
В новом выпуске «В красках» Егор Спесивцев рассказывает о Наташе Хабаровой — современной художнице, которая на языке чужого тела говорит об одиночестве, выгорании и удовольствии
Тело — это Бог. Как пишет художник Наташа Хабарова
8 июня 2020
Лекция «Лидия Мастеркова. Земная и за–предельная»
Лектор: Кочергина Ирина Сергеевна – искусствовед, старший научный сотрудник Государственной Третьяковской галереи, отдела живописи первой половины XX века.
Мастеркову называют амазонкой второго русского авангарда. Она была одной из немногих, кто занимался абстрактным искусством в СССР в 1960–1970-е гг. В конце 1975 г. художница эмигрировала и всю оставшуюся жизнь провела во Франции. На лекции мы узнаем, как Мастеркова была связана с Малевичем, Диной Верни и Георгием Костаки. Увидим её работы из частных европейских собраний и погрузимся в мистерию поздней Мастерковой, где царят образы иных миров и оживают вибрации творцов прошлых столетий.
Лектор: Кочергина Ирина Сергеевна – искусствовед, старший научный сотрудник Государственной Третьяковской галереи, отдела живописи первой половины XX века.
Мастеркову называют амазонкой второго русского авангарда. Она была одной из немногих, кто занимался абстрактным искусством в СССР в 1960–1970-е гг. В конце 1975 г. художница эмигрировала и всю оставшуюся жизнь провела во Франции. На лекции мы узнаем, как Мастеркова была связана с Малевичем, Диной Верни и Георгием Костаки. Увидим её работы из частных европейских собраний и погрузимся в мистерию поздней Мастерковой, где царят образы иных миров и оживают вибрации творцов прошлых столетий.
8 июня 2020
Игорь Шелковский. Создание скульптуры.
20 марта 2022
Интервью Алины Пинской с Франциско Инфанте
Алина Пинская, основательница галереи «Палисандр» пообщалась с Франциско Инфанте о жизни и творческом пути.
С 1968 года Франциско Инфанте в соавторстве с Нонной Горюновой работают над инсталляциями под открытым небом "Артефакты" - это некое соприкосновение материализрованных объектов с природой. Инфанте и Горюнова используют развивают свой творческий метод, заключающийся, помимо прочего, в том, что вырабатывается единственная точка съемки вручную сконструированных инсталляций для создания зрительных метафор - артефактов.
8 июня 2020
8 июня 2020
Вадим Кибардин. Экология дизайна
Вадим Кибардин — известный русский дизайнер, основатель студии KIBARDIN design и участник выставки Russian Collectible в галерее «Палисандр», где были представлены его уникальные кресла Black Paper из прессованной бумаги, разработанные им в соответствии со всеми экологическими трендами, о которых он рассказал в своей лекции гостям галереи.
Вадим Кибардин — известный русский дизайнер, основатель студии KIBARDIN design и участник выставки Russian Collectible в галерее «Палисандр», где были представлены его уникальные кресла Black Paper из прессованной бумаги, разработанные им в соответствии со всеми экологическими трендами, о которых он рассказал в своей лекции гостям галереи.
Лекция «Экология дизайна» посвящена его наблюдениям и исследованиям: какие экологические и эстетические тренды можно выделить в современном дизайне, какие возможности для переработки и повторного использования существуют в этой области, на какие материалы стоит обратить внимание современному дизайнеру.
Denis Milovanov x Palisander Gallery. IZBOR Collection
Имя Дениса Милованова хорошо известно профессиональной и интересующейся аудитории. Он один из первых российских авторов в своей области, представленный на западном рынке. Фактурные, основательные, изготовленные по старинной поморской технологии, легко сочетаемые с разными стилями и периодами - его объекты из дерева можно смело назвать функциональной скульптурой. Izbor - серия вещей с уникальным паттерном произведённая специально для галереи «Палисандр» к выставке Russian Collectible.
11марта 2020
14 ноября 2019
Интервью Алины Пинской с Игорем Шелковским
Алина Пинская, основательница галереи «Палисандр», задаёт художнику Игорю Шелковскому необычные вопросы и получает необычные ответы.
Публичная беседа Игоря Шелковского с Леонидом Парфёновым
в галерее «Палисандр»
"Импрессионизм в советское время приравнивался экстремизму". Игорь Шелковский, человек-история, видевший в Москве начало и закат Оттепели и сам сформировавшийся как художник в эти годы, пообщался с Леонидом Парфёновым, автором знаменитого цикла телепрограмм и книг о советской повседневности, о жизни художника под цензурой и без. Пришли к выводу, что без нее все же лучше, хоть и адреналина поменьше.
7 ноября 2019
Кресла Игоря Шелковского
Художник Игорь Шелковский, живая легенда нонконформистского искусства, в 2013 г. сделал серию маленьких скульптур в виде предметов мебели. Для зимней выставки 2018 - 2019 гг. в галерее «Палисандр» три его кресла впервые были выполнены в натуральную величину.
Игорь Шелковский. Самый скромный художник из московских концептуалистов. Новости культуры с Владиславом Флярковским
Игорь Сергеевич Шелковский, художник, скульптор с богатой судьбой, типичной для советского неофициала во всём, включая эмиграцию на Запад. Он был близок ко всем московским концептуалистам, к деятелям соц-арта, но отнести его к этим направлениям вряд ли будет корректно.
«Новости культуры» с Владиславом Флярковским по воскресеньям.
В центре внимания информационного выпуска – события текущего дня, острые вопросы современной культуры за прошедшую неделю, новости из-за рубежа и значимые репортажи корреспондентов на темы духовной и общественной жизни регионов России. Гости студии в разговоре с ведущим программы дают комментарии по актуальным проблемам.
Эфир телеканала "Культура" от 16 декабря 2018