Евгений Михнов-Войтенко
1892 - 1980Ленинградский художник-абстракционист, представитель “неофици-ального искусства”. Создатель авторских техник живописи (“тюбик” — выдавливание краски из тюбика непосредственно на холст; живопись нитроэмалью по стеклу). Разрабатывал спонтанный метод живописи. Излюбленный прием — использование шпателя и мастихина для создания рельефных композиций на холсте. Работал как художник-монументалист и оформитель интерьеров. В 1959-1988, числясь в штате Комбината живописно-оформительского искусства (КЖОИ) Художест-венного фонда, выполнил настенные панно для интерьеров ресторана “Москва” в Ленинграде.
Работы художника хранятся в Государственном Русском музее, в собрании Нового музея в Санкт-Петербурге, а также в зарубежных коллекциях.
Эдгар Жилле (Roger-Edgar Gillet)
1924 - 2004
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем он был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало.
Жилле перестал рисовать в 1998 году . Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке. Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез.
1924 - 2004
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем он был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало.
Жилле перестал рисовать в 1998 году . Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке. Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез.
Леон Зак / Léon Zack (Лев Васильевич Зак)
1892 - 1980Художник «русского зарубежья», скульптор, сценограф, поэт, представитель Парижской школы.
В 1911 году окончил московскую гимназию при Лазаревском институте восточных языков. В 1911–1916 учился на романо-германском отделении историко-филологического факультета Московского университета. Первые уроки живописи брал у художника Александра Якимченко, позже посещал художественные студии Фёдора Рерберга и Ильи Машкова. В 1910-е участвовал в выставках Московского товарищества художников и «Мира искусства». В то же время начинается период футуризма в творчестве Леона Зака. Он становится членом литературной группы эгофутуристов «Мезонин поэзии». Оформляет обложки поэтических сборников членов группы, а также коллективных альманахов «Засахаре кры», «Вернисаж», «Пир во время чумы».
После революции с женой и дочерью эмигрировал через Крым и Турцию в Европу. С 1920 по 1921 жил во Флоренции, затем с 1922 по 1924 — в Берлине, где работал сценографом, оформлял книги. В 1924 году переехал в Париж, где участвовал в Осеннем салоне и салоне Независимых; выставлялся в галереях Парижа, Лондона, Брюсселя, Праги. Одновременно продолжал иллюстрировать книги, создавал рисунки для тканей, делал статуэтки из стекла. В 1930–1940-е неоднократно возвращался к работе в театре, оформлял балеты. В 1938 году получил французское гражданство.
В середине 1940-х начинает уходить от фигуративности к экспрессионизму, а затем к абстракционизму. В 1948 году на персональной выставке в парижской галерее des Garets впервые показал абстрактно-геометрические композиции, которые были и остаются крайне популярными у коллекционеров. В 1950-е произвел художественные и реставрационные работы в Нотр-Дам-де-Повр в Исси-ле-Мулино, Пти-Фрер-де-Повр, в соборах Сакре-Кёр и св. Жанны д’Ар в Париже и многих других. В 1970 году получил приз Президента Франции на биеннале в Ментоне. В 1981 году прошла мемориальная выставка в рамках Осеннего салона.
Работы Леона Зака хранятся в Музее современного искусства города Парижа, Британской галерее Тейт (Лондон), Королевском музее Брюсселя, Институте Карнеги (Питтсбург), в музеях Нанта, Антверпена, Венеции и многих других.
Юрий Купер
*1940
Юрий Купер — один из самых известных на Западе русских художников. График, декоратор, сценограф, представитель младшего поколения художников-нонконформистов, эмигрировавший из СССР в 1972 году. Автор декораций и костюмов к операм: «Борис Годунов» в Большом театре в Москве (2007, реж. Александр Сокуров), «Отелло» в Перми (2008, реж. Владимир Петров), «Кармен» в Ростове (2008, реж. Юрий Лаптев) и другим постановкам. Автор пьесы “Двенадцать картин из жизни художника” (поставлена в МХТ им. Чехова) и романа “Сфумато” (2015). Живет в Лондоне, Париже, Нью-Йорке.
Работы Юрия Купера хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, в коллекциях Министерства культуры Франции, Библиотеки конгресса США и др.
*1940
Юрий Купер — один из самых известных на Западе русских художников. График, декоратор, сценограф, представитель младшего поколения художников-нонконформистов, эмигрировавший из СССР в 1972 году. Автор декораций и костюмов к операм: «Борис Годунов» в Большом театре в Москве (2007, реж. Александр Сокуров), «Отелло» в Перми (2008, реж. Владимир Петров), «Кармен» в Ростове (2008, реж. Юрий Лаптев) и другим постановкам. Автор пьесы “Двенадцать картин из жизни художника” (поставлена в МХТ им. Чехова) и романа “Сфумато” (2015). Живет в Лондоне, Париже, Нью-Йорке.
Работы Юрия Купера хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, в коллекциях Министерства культуры Франции, Библиотеки конгресса США и др.
Ладислас Кийно (Ladislas Kijno)
1921 - 2012
Французский художник польского происхождения. Изучал философию в университете Лилля, где одним из его профессоров был философ и писатель Жан Гренье, в своё время оказавший значительное влияние на молодого Альбера Камю. В начале 40-х годов, ещё студентом, Кийно начал создавать свои первые произведения. Позже он посещал мастер-класс по скульптуре Жермен Ришье, известной своими «гибридами» человека и животного. Даже переехав в Париж в конце 50-х, Кийно сохранил крепкую дружбу с Ришье.
В 1950 году Кийно создал группу «Cadran Group» (вместе с Полем Гаем), а в 1954 году прошла его первая перосональная выставка. В том же году он решил полностью посвятить себя живописи. Тем не менее, следующий год для художника стал кризисным. Кийно сжег все свои картины (около 250 работ) и переселился в Антиб (Франция), где в 1957 году Ромуальд Дор де ла Сушер, друг Николя де Сталя и Пабло Пикассо, выступил с инициативой организовать первую большую выставку Кийно в Музее Антиба (Musée d’Antibes).
В 1958 году Ладислас Кийно переехал в Париж и был принят в комитет «Salon de Mai», коллектив французских художников, встречавшихся в кафе на улице Дофин с 1943 года, со времён оккупации. Он регулярно участвовал в крупных парижских салонах, таких как «Новые реалии», «Сравнения», «Отдел молодежи» и «Сегодняшнее сакральное искусство». Примерно в это же время Кийно начал свою многолетнюю переписку с младшим братом скульптора Камиля Клоделя, поэтом, драматургом и дипломатом Полем Клоделем.
В Париже Кийно изобрел технику фруассажа (froissage) — работу с мятой бумагой. В этот же период художник начал экспериментировать с красками в балончиках с распылителем, создавая таким образом синтез между традиционной техникой живописи и современными «промышленными» нововведениями. Благодаря использованию баллончиков он стал известен как один из «духовных отцов» французского уличного искусства.
Хотя Кийно больше склонялся к абстракции, он никогда не переставал исследовать разницу между фигуративным и абстрактным искусством, ища все средства, чтобы преодолеть разрыв между ними. Это исследование привело Кийно к созданию собственной художественной вселенной, собственной мифологии. В этот период Кийно искал вдохновение в многочисленных путешествиях: в Китай, на Маркизские острова, на Туамоту и остров Пасхи. В 1980 году на Венецианской биеннале он выставил 30 монументальных полотен в узнаваемой «мятой» технике под общим названием «Театр Неруды».
1921 - 2012
Французский художник польского происхождения. Изучал философию в университете Лилля, где одним из его профессоров был философ и писатель Жан Гренье, в своё время оказавший значительное влияние на молодого Альбера Камю. В начале 40-х годов, ещё студентом, Кийно начал создавать свои первые произведения. Позже он посещал мастер-класс по скульптуре Жермен Ришье, известной своими «гибридами» человека и животного. Даже переехав в Париж в конце 50-х, Кийно сохранил крепкую дружбу с Ришье.
В 1950 году Кийно создал группу «Cadran Group» (вместе с Полем Гаем), а в 1954 году прошла его первая перосональная выставка. В том же году он решил полностью посвятить себя живописи. Тем не менее, следующий год для художника стал кризисным. Кийно сжег все свои картины (около 250 работ) и переселился в Антиб (Франция), где в 1957 году Ромуальд Дор де ла Сушер, друг Николя де Сталя и Пабло Пикассо, выступил с инициативой организовать первую большую выставку Кийно в Музее Антиба (Musée d’Antibes).
В 1958 году Ладислас Кийно переехал в Париж и был принят в комитет «Salon de Mai», коллектив французских художников, встречавшихся в кафе на улице Дофин с 1943 года, со времён оккупации. Он регулярно участвовал в крупных парижских салонах, таких как «Новые реалии», «Сравнения», «Отдел молодежи» и «Сегодняшнее сакральное искусство». Примерно в это же время Кийно начал свою многолетнюю переписку с младшим братом скульптора Камиля Клоделя, поэтом, драматургом и дипломатом Полем Клоделем.
В Париже Кийно изобрел технику фруассажа (froissage) — работу с мятой бумагой. В этот же период художник начал экспериментировать с красками в балончиках с распылителем, создавая таким образом синтез между традиционной техникой живописи и современными «промышленными» нововведениями. Благодаря использованию баллончиков он стал известен как один из «духовных отцов» французского уличного искусства.
Хотя Кийно больше склонялся к абстракции, он никогда не переставал исследовать разницу между фигуративным и абстрактным искусством, ища все средства, чтобы преодолеть разрыв между ними. Это исследование привело Кийно к созданию собственной художественной вселенной, собственной мифологии. В этот период Кийно искал вдохновение в многочисленных путешествиях: в Китай, на Маркизские острова, на Туамоту и остров Пасхи. В 1980 году на Венецианской биеннале он выставил 30 монументальных полотен в узнаваемой «мятой» технике под общим названием «Театр Неруды».
Серж Шаршун (Serge Charchoune)
1888 - 1975
Французский живописец, график и поэт русского происхождения, в разные периоды своей жизни увлекавшийся футуризмом, кубизмом, дадаизмом и абстракционизмом.
Детство провел в Бугуруслане. В октябре 1909-го переехал в Москву, где занимался в частных студиях Ильи Машкова и Константина Юона. В 1912 г. году дезертировал со службы в армии и переехал в Париж, где начал заниматься живописью. Посещал Русскую академию Марии Васильевой и академию Ла Палетт, учился у Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре де Сегонзака. В 1913–1914 гг. показал первые кубистские опыты в Салоне Независимых.
В Париже примкнул к группе «Дада», участвовал во многих манифестациях дадаизма. В 1921 году выставлялся в Салоне Независимых, на групповой выставке дадаистов в галерее Montaigne и на Выставке русского искусства в галерее Whitechapel в Лондоне.
В середине 1940-х перешел к абстрактно-геометрической живописи. Часто обращался к теме воды и музыки.
В 1960 году переехал в Ванв. Его персональные выставки проходили в Париже, Нью-Йорке, Милане, Дюссельдорфе, Сент-Этьене, Женеве, Люксембурге, Реймсе, Каннах и др. В 1971 году состоялась ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже, после которой пришло признание, а большинство картин было приобретено коллекционерами и музеями.
В 1976 году мемориальные выставки были показаны в галереях C. Ratié и de Seine, в Национальном музее современного искусства в Париже. В 2006 году выставка работ художника была организована Русским музеем и ГМИИ им. А. С. Пушкина.
Произведения Сергея Шаршуна находятся в собраниях крупнейших музеев современного искусства Европы и США, включая Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей современного искусства метрополии Лилля, Государственную Третьяковскую галерею (Москва).
1888 - 1975
Французский живописец, график и поэт русского происхождения, в разные периоды своей жизни увлекавшийся футуризмом, кубизмом, дадаизмом и абстракционизмом.
Детство провел в Бугуруслане. В октябре 1909-го переехал в Москву, где занимался в частных студиях Ильи Машкова и Константина Юона. В 1912 г. году дезертировал со службы в армии и переехал в Париж, где начал заниматься живописью. Посещал Русскую академию Марии Васильевой и академию Ла Палетт, учился у Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре де Сегонзака. В 1913–1914 гг. показал первые кубистские опыты в Салоне Независимых.
В Париже примкнул к группе «Дада», участвовал во многих манифестациях дадаизма. В 1921 году выставлялся в Салоне Независимых, на групповой выставке дадаистов в галерее Montaigne и на Выставке русского искусства в галерее Whitechapel в Лондоне.
В середине 1940-х перешел к абстрактно-геометрической живописи. Часто обращался к теме воды и музыки.
В 1960 году переехал в Ванв. Его персональные выставки проходили в Париже, Нью-Йорке, Милане, Дюссельдорфе, Сент-Этьене, Женеве, Люксембурге, Реймсе, Каннах и др. В 1971 году состоялась ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже, после которой пришло признание, а большинство картин было приобретено коллекционерами и музеями.
В 1976 году мемориальные выставки были показаны в галереях C. Ratié и de Seine, в Национальном музее современного искусства в Париже. В 2006 году выставка работ художника была организована Русским музеем и ГМИИ им. А. С. Пушкина.
Произведения Сергея Шаршуна находятся в собраниях крупнейших музеев современного искусства Европы и США, включая Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей современного искусства метрополии Лилля, Государственную Третьяковскую галерею (Москва).
Марлен Павлович Шпиндлер
1931 - 2003
Cоветский и российский художник-нонконформист, работавший в манере, близкой к абстрактному экспрессионизму.
Имя «Марлен», вдохновленное революцией (Марлен = Маркс + Ленин) получил от отца, шляпника по профессии. Отец хотел, чтобы сын стал художником, поэтому отдал его в изостудию «Мосфильма». Позже Марлен учился в студии Александра Глускина, Элия Белютина и доме культуры в Сокольниках, где преподавал Александр Куприн, в прошлом участник объединения «Бубновый валет».
Сильное влияние на Шпиндлера оказал Михаил Шварцман — живописец, график, монументалист, изобретатель художественного направления «иератизм». Шпиндлер и Шварцман познакомились в электричке. По рекомендации Шварцмана Шпиндлер работал художником-оформителем на Комбинате промышленной графики — важнейшем советском бюро графического дизайна. Оба занимались возрождением «иконности» в искусстве.
Еще в молодости Шпиндлер изобрел собственный знак-инициал — букву «Ш» с тремя поперечными перекладинами («три креста»). Существует множество интерпретаций этого символа: символ счастья, символ семьи, символ Троицы. Знак оказался символом судьбы Шпиндлера и в том, что именно 3 раза художник попадал в места лишения свободы (почти 15 лет, в общей сложности, он провёл в лагерях и ссылках).
Шпиндлер писал свои картины на мешковине, сам замешивал для них краски — перетирал минералы с яичным желтком, как делали в старину иконописцы.
В 1962 г. участвовал в выставке художников студии Белютина на Большой Коммунистической улице с участием Э. Неизвестного, Ю. Соболева-Нолева, Ю. Соостера, В. Янкилевского (Москва). В 1974 году был участником выставки на Большой Грузинской, в 1975 г. — в Доме культуры ВДНХ.
С 1980-х был участником многих выставок на родине и за рубежом: «Графика московских художников» (ЦДХ, Москва, 1988), «Сокровища в грязи» (Художественный музей Тампере, Финляндия, 1990), «Другое искусство» (Государственная Третьяковская галерея, 1990), «Постмодернизм и национальные традиции» (Государственная Третьяковская галерея, 1993), «Нонконформисты — второй русский авангард 1955–1988. Из коллекции Якоба и Кенды Бар-Гер» (Государственная Третьяковская галерея, 1996) и др. В 1990-х состоялось несколько персональных выставок художника в Центре современного искусства (1993, 1994), в Международной федерации художников (1994).
В 1996 году прошла персональная выставка Марлена Шпиндлера в Третьяковской галерее.
В 2000 вышел документальный фильм о художнике «Марлен Шпиндлер».
Работы мастера хранятся в коллекциях Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, в галереях и частных собраниях в России, Европе и Америке.
1931 - 2003
Cоветский и российский художник-нонконформист, работавший в манере, близкой к абстрактному экспрессионизму.
Имя «Марлен», вдохновленное революцией (Марлен = Маркс + Ленин) получил от отца, шляпника по профессии. Отец хотел, чтобы сын стал художником, поэтому отдал его в изостудию «Мосфильма». Позже Марлен учился в студии Александра Глускина, Элия Белютина и доме культуры в Сокольниках, где преподавал Александр Куприн, в прошлом участник объединения «Бубновый валет».
Сильное влияние на Шпиндлера оказал Михаил Шварцман — живописец, график, монументалист, изобретатель художественного направления «иератизм». Шпиндлер и Шварцман познакомились в электричке. По рекомендации Шварцмана Шпиндлер работал художником-оформителем на Комбинате промышленной графики — важнейшем советском бюро графического дизайна. Оба занимались возрождением «иконности» в искусстве.
Еще в молодости Шпиндлер изобрел собственный знак-инициал — букву «Ш» с тремя поперечными перекладинами («три креста»). Существует множество интерпретаций этого символа: символ счастья, символ семьи, символ Троицы. Знак оказался символом судьбы Шпиндлера и в том, что именно 3 раза художник попадал в места лишения свободы (почти 15 лет, в общей сложности, он провёл в лагерях и ссылках).
Шпиндлер писал свои картины на мешковине, сам замешивал для них краски — перетирал минералы с яичным желтком, как делали в старину иконописцы.
В 1962 г. участвовал в выставке художников студии Белютина на Большой Коммунистической улице с участием Э. Неизвестного, Ю. Соболева-Нолева, Ю. Соостера, В. Янкилевского (Москва). В 1974 году был участником выставки на Большой Грузинской, в 1975 г. — в Доме культуры ВДНХ.
С 1980-х был участником многих выставок на родине и за рубежом: «Графика московских художников» (ЦДХ, Москва, 1988), «Сокровища в грязи» (Художественный музей Тампере, Финляндия, 1990), «Другое искусство» (Государственная Третьяковская галерея, 1990), «Постмодернизм и национальные традиции» (Государственная Третьяковская галерея, 1993), «Нонконформисты — второй русский авангард 1955–1988. Из коллекции Якоба и Кенды Бар-Гер» (Государственная Третьяковская галерея, 1996) и др. В 1990-х состоялось несколько персональных выставок художника в Центре современного искусства (1993, 1994), в Международной федерации художников (1994).
В 1996 году прошла персональная выставка Марлена Шпиндлера в Третьяковской галерее.
В 2000 вышел документальный фильм о художнике «Марлен Шпиндлер».
Работы мастера хранятся в коллекциях Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, в галереях и частных собраниях в России, Европе и Америке.
Бернард Шульце (Bernard Schultze)
1915 - 2005
Немецкий художник, важнейший представитель германской абстрактной живописи 1950-х — 60-х годов. Родился в западных польских землях, которые в то время входили в состав Германии, с 1922 года жил в Берлине. В 1934-39 гг. учился в Высшей школе художественного образования (Hochschule für Kunsterziehung) в Берлине и Академии художеств (Kunstakademie) в Дюссельдорфе. С 1939 до 1945 г. воевал.
В 1947 г. отец художника, судья по профессии, был назначен в Высший суд земли (Oberlandesgericht) во Франкфурте-на-Майне. Бернард Шульце поселился с отцом в этом городе. В это время он часто бывает в Париже на выставках художников-информалистов и в 1951 году сам начинает писать абстрактные картины.
В декабре 1952 года во Франкфурте прошла знаменитая выставка группы «Квадрига». В группу входили четыре художника-абстракциониста — Бернард Шульце, Карл Отто Гётц, Отто Грейс и Хайнц Крёйц. Это была первая авангардная художественная группировка в Германии после долгого засилья нацистского «реализма».
В 1955 г. Шульце женился на художнице Урсуле Блюм. В 1968 г. они переехали в Кёльн.
С 1955 г. Бернард Шульце создавал рельефную живопись, приклеивая к холсту различные объекты, с 1957 г. «табускрипты» — работы в смешанной технике, с 1961 г. Migofs — фигуративные скульптуры из подручных материалов, изображающие формы жизни, которых нет в природе (само это слово изобретено художником).
В 1966 г. получил премию Вильгельма Лота от города Дармштадта. В 1972 г. избран в члены берлинской Академии художеств. В 1981 г. провозглашён титулярным профессором в земле Северный Рейн-Вестфалия. В 1984 г. Бернарду Шульце присудили премию Großer Hessischer Kulturpreis, 1986 — медаль Ловиса Коринта, в 1989 — почётный орден земли Северный Рейн-Вестфалия, в 1990 — медаль Стефана Лохнера, в 1998 — крест за заслуги перед ФРГ, в 2002 — премию Binding-Kulturpreis.
1980-е — 1990-е годы — время больших ретроспектив художника. В те же годы он энергично работает, создавая крупные, монументальные полотна. Он также известен как выдающийся график.
Среди музеев, в коллекциях которых есть работы Бернарда Шульце, — музей Людвига в Кёльне, Städel Museum в Франкфурте-на-Майне, MUMOK в Вене, музей Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Центр Помпиду в Париже, галерея Тейт в Лондоне, MoMA в Нью-Йорке, Гарвардский художественный музей. Его картинами украшена столовая виллы Хаммершмидт в Бонне (резиденции президента ФРГ до середины 1990-х годов).
1915 - 2005
Немецкий художник, важнейший представитель германской абстрактной живописи 1950-х — 60-х годов. Родился в западных польских землях, которые в то время входили в состав Германии, с 1922 года жил в Берлине. В 1934-39 гг. учился в Высшей школе художественного образования (Hochschule für Kunsterziehung) в Берлине и Академии художеств (Kunstakademie) в Дюссельдорфе. С 1939 до 1945 г. воевал.
В 1947 г. отец художника, судья по профессии, был назначен в Высший суд земли (Oberlandesgericht) во Франкфурте-на-Майне. Бернард Шульце поселился с отцом в этом городе. В это время он часто бывает в Париже на выставках художников-информалистов и в 1951 году сам начинает писать абстрактные картины.
В декабре 1952 года во Франкфурте прошла знаменитая выставка группы «Квадрига». В группу входили четыре художника-абстракциониста — Бернард Шульце, Карл Отто Гётц, Отто Грейс и Хайнц Крёйц. Это была первая авангардная художественная группировка в Германии после долгого засилья нацистского «реализма».
В 1955 г. Шульце женился на художнице Урсуле Блюм. В 1968 г. они переехали в Кёльн.
С 1955 г. Бернард Шульце создавал рельефную живопись, приклеивая к холсту различные объекты, с 1957 г. «табускрипты» — работы в смешанной технике, с 1961 г. Migofs — фигуративные скульптуры из подручных материалов, изображающие формы жизни, которых нет в природе (само это слово изобретено художником).
В 1966 г. получил премию Вильгельма Лота от города Дармштадта. В 1972 г. избран в члены берлинской Академии художеств. В 1981 г. провозглашён титулярным профессором в земле Северный Рейн-Вестфалия. В 1984 г. Бернарду Шульце присудили премию Großer Hessischer Kulturpreis, 1986 — медаль Ловиса Коринта, в 1989 — почётный орден земли Северный Рейн-Вестфалия, в 1990 — медаль Стефана Лохнера, в 1998 — крест за заслуги перед ФРГ, в 2002 — премию Binding-Kulturpreis.
1980-е — 1990-е годы — время больших ретроспектив художника. В те же годы он энергично работает, создавая крупные, монументальные полотна. Он также известен как выдающийся график.
Среди музеев, в коллекциях которых есть работы Бернарда Шульце, — музей Людвига в Кёльне, Städel Museum в Франкфурте-на-Майне, MUMOK в Вене, музей Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Центр Помпиду в Париже, галерея Тейт в Лондоне, MoMA в Нью-Йорке, Гарвардский художественный музей. Его картинами украшена столовая виллы Хаммершмидт в Бонне (резиденции президента ФРГ до середины 1990-х годов).
Жан Миотт (Jean Miotte)
1920 - 1999
Выдающийся французский художник-абстракционист.
Родился в Париже. В 1944 окончил Ecole des Travaux Publics (Париж) со степенью бакалавра, по математической специальности. С 1945 года занимался живописью. После срочной службы в армии (1945-46) твёрдо решил посвятить себя искусству и занялся самообразованием. Он посещал музеи, ателье художников на Монпарнасе (в частности, был у Отона Фриеза, Осипа Задкина). На него произвела большое впечатление живопись Жака Вийона, Анри Матисса и Жоржа Руо, чуть позже — Робера Делоне и Фернана Леже.
Благодаря своим русским друзьям Миотт становится ценителем балета, ездит с ними на представления в Лондон и Монте-Карло. Позже он сделает много декораций и костюмов для театра.
В 1948 г. путешествует по Италии. Помимо музейных впечатлений, он обзаводится знакомствами среди молодых итальянских художников и архитекторов (в частности, сближается с художниками из римской Gruppo Forma 1 Пьеро Дорацио, Мино Гверрини и Акилле Перилли). С 1950 г. работает в своей мастерской в Медоне. В этом же году но впервые обращается к абстрактной живописи. Знакомится с Жаном Арпом и Джино Северини (который в это время тоже обратился к абстракционизму). В 1952 г. знакомится с художником Сэмом Фрэнсисом и посещает его мастерскую в Виль-д’Авре.
В 1952 г. Жан Миотт впервые выставляется на Salon des Réalités Nouvelles. В 1953 г. его работу приобретает Музей современного искусства города Парижа. В том же году начинает работать в Булони. Его булонскую мастерскую посещает Анри Гётц с учениками. В 1954 г. в галерее Люсьена Дюрана (Париж) прошла первая персональная выставка Миотта.
В середине 1950-х гг. сближается с русскими художниками Второй парижской школы — Ланским, Поляковым, Димитриенко. Мишель Сёфор включил его в свой «Словарь абстрактной живописи» (1957). На выставке «50 лет абстрактной живописи» в галерее Крёза, посвящённой выходу этой книги, также была показана живопись Миотта. В 1958 г. представителем Жана Миотта становится галерея Жака Дюбурга.
В 1961 г. Жан Миотт получает грант Фонда Форда, который позволил ему шесть месяцев жить в Нью-Йорке. Там он позакомился с художниками Александером Колдером, Робертом Мазервеллом, Жаком Липшицем и Марком Ротко. Его работы приобретают нью-йоркская галерея Кнёдлера, дирижёр Метрополитен-опера Владимир Гольшман и виолончелист Альфред Уолленстайн.
В 60-е годы в галереях и музеях Голландии и Дании проходит несколько персональных выставок Миотта. В 1966 г. Георг Трёллер снял для австрийского телевидения первый документальный фильм о нём. Принимал деятельное участие в событиях мая 1968 г. в Париже.
В 1971 г. избран в члены жюри Salon des Réalités Nouvelles. В 1972 г. открыл студию в в Гамбурге. В 1975 г. вышла первая монография о Миотте с текстами Хосе Аугусто Франса и Кастора Зайбеля, в 1976 — вторая, написанная американским писателем Честером Хаймсом (переиздана в 1987 г.).
В 1976 г. переезжает в Нью-Йорк, снимает мастерскую в СоХо и заключает договор о сотрудничестве с галереей Марты Джексон. Владимир Бибич снимает о нём документальный фильм для Юнеско. В 1979 г. выставка Миотта проходит в Пекине. Он — первый художник Запада, чьи произведения были показаны в Китае после периода «культурной революции».
В 1981 г. из машины Жана Миотта похитили 12 его работ. После этого происшествия он глубоко подавлен и два года почти не пишет новые картины. Однако, продолжает путешествовать с выставками: в 1982 г. он посещает сначала Японию (Нару и Киото), затем Гонконг. В 1983 г. Жерар Ланжвин снимает новый фильм о Миотте, который поканывают на его новой большой выставке в Сингапуре.
С конца 1950-х до конца 1990-х Жан Миотт участвовал в сотнях выставок, как групповых, так и персональных, во множестве стран от Финляндии до Тайваня. Одних ретроспектив было восемнадцать. О Миотте сняли восемь фильмов и написали одиннадцать монографий (автор одной из них, 1998 г., — Карл Рурберг, бывший директор музея Людвига в Кёльне).
С начала 1970-х годов Миотт отходит от масляной живописи, всё чаще предпочитая акриловые краски. Кроме живописи, он занимался литографией, издавал малотиражные livres d’artiste (в частности, с Мишелем Бутором в 1985 и 1988 гг., с Андре Верде в 1987, Кеннетом Уайтом в 1994 г.), по его эскизам делали ковры. В 1991 году он принял участие в работе 55 художников из 23 стран над альбомом ЮНЕСКО, посвящённым Декларации прав человека.
Его работы находятся в MoMA, музее Купер-Хьюитт, музее Соломона Гуггенхайма и Художественном музее Челси в Нью-Йорке, в Музее современного искусства города Парижа, в коллекции Министерства культуры Франции, Национальной библиотеке Франции, французском Национальном фонде современного искусства, Опере Бастилии в Париже, в музее Людвига в Кёльне, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Национальном музее Сингапура, Национальном музее Бангладеш в Дакке, Тайванском художественном музее в Тайчуне, музее университета Брандейса, США, Художественном музее Экланда в Чепел Хилл, США, SMPK, Kupferstichkabinett (Берлин), Культурном центре Куаутемока (Мексика), в музеях Сен-Омера, Дюнкерка, Рокбрюн-Кап-Мартен, Шатору, Берк-сюр-Мер, Марк-ан-Барёль, Мюххена, Саарбрюкена, Дортмунда, Гамбурга, Вальядолида и Вильяфамеса (Испания),Мааслуиса (Нидерланды), Монте-Карло, Копенгагена, Бейрута.
1920 - 1999
Выдающийся французский художник-абстракционист.
Родился в Париже. В 1944 окончил Ecole des Travaux Publics (Париж) со степенью бакалавра, по математической специальности. С 1945 года занимался живописью. После срочной службы в армии (1945-46) твёрдо решил посвятить себя искусству и занялся самообразованием. Он посещал музеи, ателье художников на Монпарнасе (в частности, был у Отона Фриеза, Осипа Задкина). На него произвела большое впечатление живопись Жака Вийона, Анри Матисса и Жоржа Руо, чуть позже — Робера Делоне и Фернана Леже.
Благодаря своим русским друзьям Миотт становится ценителем балета, ездит с ними на представления в Лондон и Монте-Карло. Позже он сделает много декораций и костюмов для театра.
В 1948 г. путешествует по Италии. Помимо музейных впечатлений, он обзаводится знакомствами среди молодых итальянских художников и архитекторов (в частности, сближается с художниками из римской Gruppo Forma 1 Пьеро Дорацио, Мино Гверрини и Акилле Перилли). С 1950 г. работает в своей мастерской в Медоне. В этом же году но впервые обращается к абстрактной живописи. Знакомится с Жаном Арпом и Джино Северини (который в это время тоже обратился к абстракционизму). В 1952 г. знакомится с художником Сэмом Фрэнсисом и посещает его мастерскую в Виль-д’Авре.
В 1952 г. Жан Миотт впервые выставляется на Salon des Réalités Nouvelles. В 1953 г. его работу приобретает Музей современного искусства города Парижа. В том же году начинает работать в Булони. Его булонскую мастерскую посещает Анри Гётц с учениками. В 1954 г. в галерее Люсьена Дюрана (Париж) прошла первая персональная выставка Миотта.
В середине 1950-х гг. сближается с русскими художниками Второй парижской школы — Ланским, Поляковым, Димитриенко. Мишель Сёфор включил его в свой «Словарь абстрактной живописи» (1957). На выставке «50 лет абстрактной живописи» в галерее Крёза, посвящённой выходу этой книги, также была показана живопись Миотта. В 1958 г. представителем Жана Миотта становится галерея Жака Дюбурга.
В 1961 г. Жан Миотт получает грант Фонда Форда, который позволил ему шесть месяцев жить в Нью-Йорке. Там он позакомился с художниками Александером Колдером, Робертом Мазервеллом, Жаком Липшицем и Марком Ротко. Его работы приобретают нью-йоркская галерея Кнёдлера, дирижёр Метрополитен-опера Владимир Гольшман и виолончелист Альфред Уолленстайн.
В 60-е годы в галереях и музеях Голландии и Дании проходит несколько персональных выставок Миотта. В 1966 г. Георг Трёллер снял для австрийского телевидения первый документальный фильм о нём. Принимал деятельное участие в событиях мая 1968 г. в Париже.
В 1971 г. избран в члены жюри Salon des Réalités Nouvelles. В 1972 г. открыл студию в в Гамбурге. В 1975 г. вышла первая монография о Миотте с текстами Хосе Аугусто Франса и Кастора Зайбеля, в 1976 — вторая, написанная американским писателем Честером Хаймсом (переиздана в 1987 г.).
В 1976 г. переезжает в Нью-Йорк, снимает мастерскую в СоХо и заключает договор о сотрудничестве с галереей Марты Джексон. Владимир Бибич снимает о нём документальный фильм для Юнеско. В 1979 г. выставка Миотта проходит в Пекине. Он — первый художник Запада, чьи произведения были показаны в Китае после периода «культурной революции».
В 1981 г. из машины Жана Миотта похитили 12 его работ. После этого происшествия он глубоко подавлен и два года почти не пишет новые картины. Однако, продолжает путешествовать с выставками: в 1982 г. он посещает сначала Японию (Нару и Киото), затем Гонконг. В 1983 г. Жерар Ланжвин снимает новый фильм о Миотте, который поканывают на его новой большой выставке в Сингапуре.
С конца 1950-х до конца 1990-х Жан Миотт участвовал в сотнях выставок, как групповых, так и персональных, во множестве стран от Финляндии до Тайваня. Одних ретроспектив было восемнадцать. О Миотте сняли восемь фильмов и написали одиннадцать монографий (автор одной из них, 1998 г., — Карл Рурберг, бывший директор музея Людвига в Кёльне).
С начала 1970-х годов Миотт отходит от масляной живописи, всё чаще предпочитая акриловые краски. Кроме живописи, он занимался литографией, издавал малотиражные livres d’artiste (в частности, с Мишелем Бутором в 1985 и 1988 гг., с Андре Верде в 1987, Кеннетом Уайтом в 1994 г.), по его эскизам делали ковры. В 1991 году он принял участие в работе 55 художников из 23 стран над альбомом ЮНЕСКО, посвящённым Декларации прав человека.
Его работы находятся в MoMA, музее Купер-Хьюитт, музее Соломона Гуггенхайма и Художественном музее Челси в Нью-Йорке, в Музее современного искусства города Парижа, в коллекции Министерства культуры Франции, Национальной библиотеке Франции, французском Национальном фонде современного искусства, Опере Бастилии в Париже, в музее Людвига в Кёльне, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Национальном музее Сингапура, Национальном музее Бангладеш в Дакке, Тайванском художественном музее в Тайчуне, музее университета Брандейса, США, Художественном музее Экланда в Чепел Хилл, США, SMPK, Kupferstichkabinett (Берлин), Культурном центре Куаутемока (Мексика), в музеях Сен-Омера, Дюнкерка, Рокбрюн-Кап-Мартен, Шатору, Берк-сюр-Мер, Марк-ан-Барёль, Мюххена, Саарбрюкена, Дортмунда, Гамбурга, Вальядолида и Вильяфамеса (Испания),Мааслуиса (Нидерланды), Монте-Карло, Копенгагена, Бейрута.
Жерар Эрнест Шнайдер (Jerard Schneider)
1896 - 1986
Один из первых и главных художников французской лирической абстракции.
Родился в Швейцарии в семье антиквара. Провёл детство в Нёвшателе. В возрасте 20 лет поступил в Национальную школу декоративных искусств (École nationale des arts décoratifs) в Париже, в 1918 г. перешёл в Ecole Nationale des Beaux-Arts (также в Париже), где учился у Фернана Кормона, патриарха французской академической живописи, учителя Ван Гога и Тулуз-Лотрека. С 1922 г. постоянно живёт в Париже. В 1926 г. впервые выставился на Осеннем салоне.
20-е годы для Жерара Шнайдера — время долгого поиска себя. Он работает реставратором живописи, изучает историю искусств, экспериментирует с техниками. Он также писал стихи и входил в литературную группировку сюрреалистов. С 1932 г. под влиянием Кандинского и сюрреалистов Шнайдер постепенно отходит от изобразительности. Свою живопись он начинает определять как лирическую абстракцию. В 1936 г. выставил на Салоне сверхнезависимых пять своих работ, в 1937 — одну, в 1938 — три, абстрактные, с одинаковыми названиями «Композиция».
Во время войны Жерар Шнайдер жил в оккупированном Париже. Он продолжал писать абстрактные картины, которым с 1945 года даёт новые названия: Opus с порядковым номером. Одна из последних его работ, названных «Композиция», в 1945 г. стала одним из первых приобретений Национального музея современного искусства.
В 1946 г. выставился на первом Salon des réalités nouvelles — главной парижской периодической выставке абстрактного искусства (Шнайдер вновь участвовал в ней в 1949, 1956 и 1958 гг.). В 1947 г. работы Шнайдера были показаны на групповой выставке «Абстрактная живопись» в парижской галерее Дениз Рене. В том же году в галерее Лидии Конти прошла его персональная выставка.
В 1948 г. получил французское гражданство.
50-е годы — время наибольшей славы Жерара Шнайдера. Вместе со своими друзьями, Хансом Хартунгом и Пьером Сулажем, он считается важнейшим художником-абстракционистом. Его картины включают почти во все обзорные выставки француского искусства, которыых в 50-е годы было множество в разных странах. Бывало, что одновременно он участвовал в десяти выставках. Вот некоторые из них, самые важные.
С 1949 года Жерар Шнайдер постоянно выставлялся на Salon de Mai, а в 1956 г. избран в его оргкомитет. Участвовал в передвижной выставке Wanderausstellung Französischer Abstrakter Malerei, проходившей в Западной Германии в 1948-49 гг., выставился в 1949 и 1951 г. в галерее Бетти Парсонс в США, затем в выставке Advancing French Art в разных городах США. В 1955 — 1961 знаменитая галерее Сэмюэла Кутца в Нью-Йорке была эксклюзивным представителем Жерара Шнайдера в США. В 1950 Opus 445 покупает галерея Филлипс, в 1955 г. Opus 95 — MoMA.
В 1953 г. прошла первая ретроспектива Жерара Шнайдера в Брюсселе. В 1962 г. — вторая в Kunstverein в Дюссельдорфе. Он выставлялся на Венецианской биеннале в 1948, 1954 и 1966 г., на биеннале в Сан-Паулу в 1951, 1953 и 1961 г., на Документе в Касселе в 1955 и 1959. Эспозиция во французском павильоне на Венецианской биеннале 1966 г. была его персональной выставкой. В 1970 г. прошла новая ретроспектива Шнайдера в Городской галерее современного искусства в Турине, а затем в павильоне «Земля людей» в Монреале. Предисловие к её каталогу написал Эжен Ионеско.
В 1950 г., когда Жерар Шнайдер участвовал в коллективной выставке в Японии, он получил премию губернатора Токио. В 1957 г. — Prix Lissone. В 1975 г. — Grand Prix National des Arts.
Абстрактная живопись Жерара Шнайдера эмоциональная, интуитивная. Он вообще рассматривал её как отражение внутреннего мира художника. Шнайдер был тонким знатоком музыки и находил в живописи много общего с её строем.
Работы Жерара Шнайдера хранятся в Центре Помпиду и Музее современного искусства города Парижа, MoMA, музее Людвига в Кёльне, Галереи современного искусства в Риме, коллекции Филлипс в Вашингтоне, Музее изящных искусств в Монреале, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Музее современного искусства в Брюсселе, Художественном музее в Нанте, в музее Финикса, Йельском университете в Нью-Хэвене, Принстонском университете и Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, Walker Art Center в Миннеаполисе, музее Олбрайта-Нокса в Баффало, Fine Art Center в Колорадо-Спрингз, музее Джакарты, Художественном музее в Сеуле, Государственном музее в Камакуре, фонде Сони Хени и Нильса Онстада в Осло, Городской галерее современного искусства в Турине, музее Ворчестера (США), в Kunsthaus в Цюрихе и Музее искусства и истории в Нёвшателе. Мозаика Жерара Шнайдера находится в здании Министерства почты и телекоммуникаций в Париже.
1896 - 1986
Один из первых и главных художников французской лирической абстракции.
Родился в Швейцарии в семье антиквара. Провёл детство в Нёвшателе. В возрасте 20 лет поступил в Национальную школу декоративных искусств (École nationale des arts décoratifs) в Париже, в 1918 г. перешёл в Ecole Nationale des Beaux-Arts (также в Париже), где учился у Фернана Кормона, патриарха французской академической живописи, учителя Ван Гога и Тулуз-Лотрека. С 1922 г. постоянно живёт в Париже. В 1926 г. впервые выставился на Осеннем салоне.
20-е годы для Жерара Шнайдера — время долгого поиска себя. Он работает реставратором живописи, изучает историю искусств, экспериментирует с техниками. Он также писал стихи и входил в литературную группировку сюрреалистов. С 1932 г. под влиянием Кандинского и сюрреалистов Шнайдер постепенно отходит от изобразительности. Свою живопись он начинает определять как лирическую абстракцию. В 1936 г. выставил на Салоне сверхнезависимых пять своих работ, в 1937 — одну, в 1938 — три, абстрактные, с одинаковыми названиями «Композиция».
Во время войны Жерар Шнайдер жил в оккупированном Париже. Он продолжал писать абстрактные картины, которым с 1945 года даёт новые названия: Opus с порядковым номером. Одна из последних его работ, названных «Композиция», в 1945 г. стала одним из первых приобретений Национального музея современного искусства.
В 1946 г. выставился на первом Salon des réalités nouvelles — главной парижской периодической выставке абстрактного искусства (Шнайдер вновь участвовал в ней в 1949, 1956 и 1958 гг.). В 1947 г. работы Шнайдера были показаны на групповой выставке «Абстрактная живопись» в парижской галерее Дениз Рене. В том же году в галерее Лидии Конти прошла его персональная выставка.
В 1948 г. получил французское гражданство.
50-е годы — время наибольшей славы Жерара Шнайдера. Вместе со своими друзьями, Хансом Хартунгом и Пьером Сулажем, он считается важнейшим художником-абстракционистом. Его картины включают почти во все обзорные выставки француского искусства, которыых в 50-е годы было множество в разных странах. Бывало, что одновременно он участвовал в десяти выставках. Вот некоторые из них, самые важные.
С 1949 года Жерар Шнайдер постоянно выставлялся на Salon de Mai, а в 1956 г. избран в его оргкомитет. Участвовал в передвижной выставке Wanderausstellung Französischer Abstrakter Malerei, проходившей в Западной Германии в 1948-49 гг., выставился в 1949 и 1951 г. в галерее Бетти Парсонс в США, затем в выставке Advancing French Art в разных городах США. В 1955 — 1961 знаменитая галерее Сэмюэла Кутца в Нью-Йорке была эксклюзивным представителем Жерара Шнайдера в США. В 1950 Opus 445 покупает галерея Филлипс, в 1955 г. Opus 95 — MoMA.
В 1953 г. прошла первая ретроспектива Жерара Шнайдера в Брюсселе. В 1962 г. — вторая в Kunstverein в Дюссельдорфе. Он выставлялся на Венецианской биеннале в 1948, 1954 и 1966 г., на биеннале в Сан-Паулу в 1951, 1953 и 1961 г., на Документе в Касселе в 1955 и 1959. Эспозиция во французском павильоне на Венецианской биеннале 1966 г. была его персональной выставкой. В 1970 г. прошла новая ретроспектива Шнайдера в Городской галерее современного искусства в Турине, а затем в павильоне «Земля людей» в Монреале. Предисловие к её каталогу написал Эжен Ионеско.
В 1950 г., когда Жерар Шнайдер участвовал в коллективной выставке в Японии, он получил премию губернатора Токио. В 1957 г. — Prix Lissone. В 1975 г. — Grand Prix National des Arts.
Абстрактная живопись Жерара Шнайдера эмоциональная, интуитивная. Он вообще рассматривал её как отражение внутреннего мира художника. Шнайдер был тонким знатоком музыки и находил в живописи много общего с её строем.
Работы Жерара Шнайдера хранятся в Центре Помпиду и Музее современного искусства города Парижа, MoMA, музее Людвига в Кёльне, Галереи современного искусства в Риме, коллекции Филлипс в Вашингтоне, Музее изящных искусств в Монреале, Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Музее современного искусства в Брюсселе, Художественном музее в Нанте, в музее Финикса, Йельском университете в Нью-Хэвене, Принстонском университете и Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, Walker Art Center в Миннеаполисе, музее Олбрайта-Нокса в Баффало, Fine Art Center в Колорадо-Спрингз, музее Джакарты, Художественном музее в Сеуле, Государственном музее в Камакуре, фонде Сони Хени и Нильса Онстада в Осло, Городской галерее современного искусства в Турине, музее Ворчестера (США), в Kunsthaus в Цюрихе и Музее искусства и истории в Нёвшателе. Мозаика Жерара Шнайдера находится в здании Министерства почты и телекоммуникаций в Париже.
Александр Гарбель (Alexandre Garbell)
1903 - 1970
Французский художник, представитель Парижской школы.
Родился в Риге. Начал рисовать в возрасте тринадцати лет. После учебы в Москве переехал с семьей в Германию и начал посещать Гейдельбергскую академию. В 1923 году он прибыл в Париж и стал учеником в Академии Рансона, где он учился у Роже Биссьера — представителя лирической абстракции. Там же Гарбель познакомился с Альфредом Маннесье, Франсисом Грюбером и др. Так он стал частью того, что называется Парижской школой. Довольно быстро Гарбель вырабатывает собственную стилистику.
С 1928 года работы Гарбеля регулярно экспонируются в Париже, как на персональных, так и на групповых выставках.
Во время Второй мировой войны, как многие другие художники (Марсель Ривье, Андре Ланской), Гарбель нашел убежище в Мирманде, где Андре Лот (художник, скульптор, педагог, теоретик искусства) открыл академию. Работая преподавалетем в Академии Андре Лота, Гарбель оказывает влияние на новое поколение художников.
В 1946 году Александр Гарбель вернулся в Париж, где подружился с Полом Акерманом и выставлялся в больших галереях (Delpierre, Galerie du Siècle, Pierre Loeb). Он регулярно участвовал в важных выставках во Франции: Salon des overindépendants, Salon de mai ( 1950, 1954 — 1961); Salon des realités nouvelles (1961); Salon Comparaisons (1956, 1957, 1962, 1963) и многих других. В 50-е и 60-е годы его работы показывали на выставках в Дании, Швейцарии, Англии, Италии, США. К выставке, прошедшей в Нью-Йорке в 1956 году, о Гарбеле был снят телевизионный фильм «Художник и его работы».
Большая персональная выставка «Гарбель, пятнадцать лет живописи» прошла в 1970 году в Galerie Framond в Париже. Художник умер в декабре того же года и был похоронен в Монри.
У Александра Гарбеля есть сын — Камиль Гарбель, скульптор.
В начальный период своего творчества Гарбель был увлечен абстракцией. Позже он он отошел от резкого противопоставления абстрактной и фигуративной живописи. Одними из основных источников вдохновения для него стали скалы и пляж в Мер-ле-Бен — коммуне на севере Франции.
Жан Майе (Jean Mailhe)
1912 - 1997
Французский художник. Родился в Реймсе. После службы в Иностранном легионе жил в Северной Африке (в основном в Марокко). Там прошли его первые выставки: в 1935 и 1939 гг. в Мекнесе, в 1939 в Рабате.
С 1946 г. живёт во Франции. В 1950 году по совету Альбера Глейзера переезжает в Париж и под влиянием этого художника отходит от фигуративизма. В 1962 г. прошла персональная выставка Жана Майе — сначала в мастерской художника, затем в галерее l’Antipoète, находившейся неподалёку. В 1962-63 гг. он участвовал в групповых выставках вместе с Сержем Поляковым, Жаном Арпом, Куртом Зелигманом. В 1967 г. на биеннале в Анконе получил золотую медаль. После 1975 г. выставлялся на Осеннем салоне, салоне Независимых, Salon Comparaisons.
Работы художника хранятся в Парижском музее естественной истории, Fondation Maeght в Сен-Поль-де-Ванс, в музее Пфрцхайма.
1912 - 1997
Французский художник. Родился в Реймсе. После службы в Иностранном легионе жил в Северной Африке (в основном в Марокко). Там прошли его первые выставки: в 1935 и 1939 гг. в Мекнесе, в 1939 в Рабате.
С 1946 г. живёт во Франции. В 1950 году по совету Альбера Глейзера переезжает в Париж и под влиянием этого художника отходит от фигуративизма. В 1962 г. прошла персональная выставка Жана Майе — сначала в мастерской художника, затем в галерее l’Antipoète, находившейся неподалёку. В 1962-63 гг. он участвовал в групповых выставках вместе с Сержем Поляковым, Жаном Арпом, Куртом Зелигманом. В 1967 г. на биеннале в Анконе получил золотую медаль. После 1975 г. выставлялся на Осеннем салоне, салоне Независимых, Salon Comparaisons.
Работы художника хранятся в Парижском музее естественной истории, Fondation Maeght в Сен-Поль-де-Ванс, в музее Пфрцхайма.
Римма Заневская (Сапгир)
1930 – 2021
Cоветская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В начале 1960-х вместе с Франциско Инфанте входила в состав группы художников-кинетистов «Движение».
В 1944–1945 гг. Заневская училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила в Москве.
Работы Риммы Заневской находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи (Москва), в других государственных и частных коллекциях.
1930 – 2021
Cоветская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В начале 1960-х вместе с Франциско Инфанте входила в состав группы художников-кинетистов «Движение».
В 1944–1945 гг. Заневская училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила в Москве.
Работы Риммы Заневской находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи (Москва), в других государственных и частных коллекциях.
Виктор Вазарели (Victor Vasarely)
1906 – 1997
Один из главных художников второй половины XX века. Важнейший представитель и теоретик оп-арта и кинетического искусства.
Виктор (венг. Дьёзё) Вазарели родился в городе Печ в Венгрии. Учился на медика в университете Лоранда Этвёша в Будапеште. В 1927 г., отказавшись от карьеры врача, поступил в частную художественную академию Подолини и Фолкмана. Через год поступил в «Мюхей» — частную школу авангардного художника Шандора Бортника, бывшего преподавателя Баухауза, недавно вернувшегося в Будапешт.
В 1930 г. Виктор Вазарели женился на Кларе Шпиннер, другой ученице Бортника, и вместе с ней переехал в Париж. Во Франции работал графическим дизайнером, делал рекламные плакаты для агентств Havas, Draeger и Devambez. Он планировал развивать методику художественного образования Шандора Бортника и открыть собственную школу, но так и не открыл её. В 30-е Вазарели создвал графические серии с изображениями зебр, тигров, арлекинов, в которых часто прибегает к оптическим эффектам.
В 1942-44 гг. жил в Сен-Сере. После войны его мастерская находилась в Аркёе, пригороде Парижа. В 1961 г. переехал в Анне-сюр-Марн.
Лишь с 1944 года Вазарели систематически занимается живописью. С этого же года он регулярно выставляется в парижской галерее Дениз Рене. Первое время он хаотически осваивал опыт авангардной живописи того времени, подражая то сюрреалистам, то кубистам, то экспрессионистам. С 1947 года начинает писать абстрактные картины. Тогда же он начинает называть своё искусство оптическим).
С конца 1940-х Вазарели создаёт серии работ, в каждой из которых последовательно разрабатывет один пластический мотив: «Данфер» (по станции метро Данфер-Рошро в Париже, основой мотива была мозаика облицовки на этой станции), «Бель-Иль» с мотивом гальки с бель-ильского пляжа, «Горд/Кристалл» — с кубическими структурами, напоминающими дома южнофранцузского города Горда (с 1948 г. Вазарели проводил там лето). Были и другие циклы — в частности, «Посвящение Малевичу».
С 1951 г. занимается кинетическим искусством. Вместе с Марселем Дюшаном, Александером Колдером, Мэн Рэем, Хесусом Рафаэлем Сото и Жаном Тенгели он участвует в большой выставке Le Mouvement («Движение») в галерее Дениз Рене в Париже (1955). К этой выставке было приурочено издание «Жёлтого манифеста» (Le Manifeste Jaune), который Виктор Вазарели написал вместе с Понтусом Хюльтеном и Роже Бордье. Благодаря этому манифесту и некоторым другим, написанным позже, Вазарели стал главным теоретиком и пропагандистом оптического и кинетического искусства.
Работы Виктора Вазарели этого периода чёрно-белые. Лишь в 1960 г. в них возвращается цвета.
Помимо ежегодных выставок в галерее Дениз Рене и зарубежных выставок, которые организовывала чаще всего эта же галерея, Вазарели регулярно показывал свои работы на Салоне новых реальностей, Салоне Сверхнезависисых и Майском салоне. С галереей Рене с 1958 г. сотрудничал также Ивараль, сын Виктора Вазарели.
Идеи, высказанные в манифестах Вазарели (в частности, о том, что произведение искусства существует лишь в воображении зрителя, который в различных ситуациях по-разному воспринимает один и тот же набор оптических сигналов; поэтому зритель, а не художник — его подлинный автор), вдохновили, среди прочих, художников из Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV, активна в 1960-68 гг.). Следуя мысли Вазарели о том, что концепция авторства устарела, они работали коллективно и не афишировали свои имена.
Сам Вазарели пошёл по другому пути. Подобно Малевичу, Мондриану и художникам Баухауза, которые рассматривали абстрактную живопись как систематическую, почти научную работу по выработке универсальных композиционных принципов, в соответствии с которыми может и должна быть заново сконструирована вся предметная среда, окружающая человека; с конца 50-х годов он разрабатывал собственную версию всеобщего пластического языка (или пластического алфавита, как он сам его называл).
Вазарели ограничивает и упорядочивает набор элементов, с которыми работает: три круга, два квадрата, три ромба, два длинных прямоугольника, один треугольник и т. д.; а также по два-три оттенка спектральных и ахроматических цветов. Он постепенно расширял свой «словарь», нумеруя каждый элемент. Производство «произведений искусства» теоретически сводилось к свободным комбинациям ограниченного числа элементов; фактически же эта система так обширна, что оставляет бесконечный простор для творчества. Итог этой работы — альбом 1963 г. «Планетарный фольклор» (Folklore planétaire). Вазарели полагал, что выработанный им набор правил, ясный, последовательный, научный, должен стать новым универсальным языком дизайна и архитектуры.
Поэтому он часто сотрудничал с архитекторами. Первая такая совместная работа — монументальное панно «Посвящение Малевичу» в университетском городке Каракаса, 1954 (архитектор Карлос Рауль Вийянуэва). Кроме того, Вазарели участвовал в оформлении вокзала Мэн-Монпарнас в Париже, жилого дома R.T.L. в Париже, Филологического факультета в Монпелье, Музея Иерусалима, французского павильона на Всемирной выставке 1967 г. в Монреале, катка в Гренобле. Разработал орнамент для сервиза Suomi Тимо Сарпаневы для Rosenthal (1976).
В 1964 — 1976 гг. работал над серией «Hommage à l’Hexagone». Следующий период он называл «гештальт-периодом».
В 1970 г. в Горде открылся музей Виктора Вазарели (закрылся в 1997 г.) В 1975 г. в Экс-ан-Прованс открылся второй и главный музей Вазарели в здании, спроектированном при участии самого художника. Этот музей — один из больших культурных проектов Жоржа Помпиду, который, однако, сам не дожил до его открытия. В 1976 г. Виктор Вазарели установил в центре Жоржа Помпиду в Париже большой кинетический объект «Жорж Помпиду». Тогда же, в 1976-м, в Пече, родном городе художника, открылся третий его музей. В 1987-м — четвёртый, в Будапеште.
Искусство Виктора Вазарели отмечено многими премиями. В 1955 г., после публикации Жёлтого манифеста, он получил премию Критиков в Брюсселе, Золотую медаль на Триеннале в Милане, международные премии в Валенсии и Венесуэле. В 1964 г. — премию Гуггенхайма. В 1965 — Гран-при на VI Международной графической выставке в Любляне, Гран-при VIII Биеннале Сан-Паулу, Золотую медаль Общества содействия искусству и индустрии (Франция). В 1966 г. — премию I Графической биеннале в Кракове и Золотую медаль на II международном симпозиуме эстетики в Римини. В 1967 — приз министра иностранных дел Японии на IX Токийской биеннале и премию института Карнеги. В 1968 г. — первую премию на II Графической биеннале в Кракове, в 1969 — премию «Золотая палитра» на международном Фестивале живописи, Канн-сюр-Мер.
Кавалер Ордена Искусств и Литературы при министерстве культуры Франции (1965) и Ордена Почётного легиона (1970). Профессор Высшей школы прикладного искусства в Будапеште (1969).
Работы Виктора Вазарели побывали в космосе: в 1982 г. альбом с его гравюрами взял с собой французский космонавт Жан-Луп Кретьен на борт корабля «Салют-7». Позже они были проданы на благотворительном аукционе в пользу ЮНЕСКО.
Помимо музея Фонда Виктора Вазарели в Эксе и двух его музеев в Венгрии, работы Вазарели хранятся в Центре Помпиду, музее Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Музее современного искусства (MoMA) и Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, LACMA, Музее современного искусства в Сан-Франциско, Художественном музее Хьюстона, Cranbrook Art Museum, Национальном художественном музее и Музее латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе, Национальном художественном музее в Рио-де-Жанейро, EMMA в Эспоо, Музее современного искусства в Антверпене, Музее Израиля в Иерусалиме и многих других.
1906 – 1997
Один из главных художников второй половины XX века. Важнейший представитель и теоретик оп-арта и кинетического искусства.
Виктор (венг. Дьёзё) Вазарели родился в городе Печ в Венгрии. Учился на медика в университете Лоранда Этвёша в Будапеште. В 1927 г., отказавшись от карьеры врача, поступил в частную художественную академию Подолини и Фолкмана. Через год поступил в «Мюхей» — частную школу авангардного художника Шандора Бортника, бывшего преподавателя Баухауза, недавно вернувшегося в Будапешт.
В 1930 г. Виктор Вазарели женился на Кларе Шпиннер, другой ученице Бортника, и вместе с ней переехал в Париж. Во Франции работал графическим дизайнером, делал рекламные плакаты для агентств Havas, Draeger и Devambez. Он планировал развивать методику художественного образования Шандора Бортника и открыть собственную школу, но так и не открыл её. В 30-е Вазарели создвал графические серии с изображениями зебр, тигров, арлекинов, в которых часто прибегает к оптическим эффектам.
В 1942-44 гг. жил в Сен-Сере. После войны его мастерская находилась в Аркёе, пригороде Парижа. В 1961 г. переехал в Анне-сюр-Марн.
Лишь с 1944 года Вазарели систематически занимается живописью. С этого же года он регулярно выставляется в парижской галерее Дениз Рене. Первое время он хаотически осваивал опыт авангардной живописи того времени, подражая то сюрреалистам, то кубистам, то экспрессионистам. С 1947 года начинает писать абстрактные картины. Тогда же он начинает называть своё искусство оптическим).
С конца 1940-х Вазарели создаёт серии работ, в каждой из которых последовательно разрабатывет один пластический мотив: «Данфер» (по станции метро Данфер-Рошро в Париже, основой мотива была мозаика облицовки на этой станции), «Бель-Иль» с мотивом гальки с бель-ильского пляжа, «Горд/Кристалл» — с кубическими структурами, напоминающими дома южнофранцузского города Горда (с 1948 г. Вазарели проводил там лето). Были и другие циклы — в частности, «Посвящение Малевичу».
С 1951 г. занимается кинетическим искусством. Вместе с Марселем Дюшаном, Александером Колдером, Мэн Рэем, Хесусом Рафаэлем Сото и Жаном Тенгели он участвует в большой выставке Le Mouvement («Движение») в галерее Дениз Рене в Париже (1955). К этой выставке было приурочено издание «Жёлтого манифеста» (Le Manifeste Jaune), который Виктор Вазарели написал вместе с Понтусом Хюльтеном и Роже Бордье. Благодаря этому манифесту и некоторым другим, написанным позже, Вазарели стал главным теоретиком и пропагандистом оптического и кинетического искусства.
Работы Виктора Вазарели этого периода чёрно-белые. Лишь в 1960 г. в них возвращается цвета.
Помимо ежегодных выставок в галерее Дениз Рене и зарубежных выставок, которые организовывала чаще всего эта же галерея, Вазарели регулярно показывал свои работы на Салоне новых реальностей, Салоне Сверхнезависисых и Майском салоне. С галереей Рене с 1958 г. сотрудничал также Ивараль, сын Виктора Вазарели.
Идеи, высказанные в манифестах Вазарели (в частности, о том, что произведение искусства существует лишь в воображении зрителя, который в различных ситуациях по-разному воспринимает один и тот же набор оптических сигналов; поэтому зритель, а не художник — его подлинный автор), вдохновили, среди прочих, художников из Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV, активна в 1960-68 гг.). Следуя мысли Вазарели о том, что концепция авторства устарела, они работали коллективно и не афишировали свои имена.
Сам Вазарели пошёл по другому пути. Подобно Малевичу, Мондриану и художникам Баухауза, которые рассматривали абстрактную живопись как систематическую, почти научную работу по выработке универсальных композиционных принципов, в соответствии с которыми может и должна быть заново сконструирована вся предметная среда, окружающая человека; с конца 50-х годов он разрабатывал собственную версию всеобщего пластического языка (или пластического алфавита, как он сам его называл).
Вазарели ограничивает и упорядочивает набор элементов, с которыми работает: три круга, два квадрата, три ромба, два длинных прямоугольника, один треугольник и т. д.; а также по два-три оттенка спектральных и ахроматических цветов. Он постепенно расширял свой «словарь», нумеруя каждый элемент. Производство «произведений искусства» теоретически сводилось к свободным комбинациям ограниченного числа элементов; фактически же эта система так обширна, что оставляет бесконечный простор для творчества. Итог этой работы — альбом 1963 г. «Планетарный фольклор» (Folklore planétaire). Вазарели полагал, что выработанный им набор правил, ясный, последовательный, научный, должен стать новым универсальным языком дизайна и архитектуры.
Поэтому он часто сотрудничал с архитекторами. Первая такая совместная работа — монументальное панно «Посвящение Малевичу» в университетском городке Каракаса, 1954 (архитектор Карлос Рауль Вийянуэва). Кроме того, Вазарели участвовал в оформлении вокзала Мэн-Монпарнас в Париже, жилого дома R.T.L. в Париже, Филологического факультета в Монпелье, Музея Иерусалима, французского павильона на Всемирной выставке 1967 г. в Монреале, катка в Гренобле. Разработал орнамент для сервиза Suomi Тимо Сарпаневы для Rosenthal (1976).
В 1964 — 1976 гг. работал над серией «Hommage à l’Hexagone». Следующий период он называл «гештальт-периодом».
В 1970 г. в Горде открылся музей Виктора Вазарели (закрылся в 1997 г.) В 1975 г. в Экс-ан-Прованс открылся второй и главный музей Вазарели в здании, спроектированном при участии самого художника. Этот музей — один из больших культурных проектов Жоржа Помпиду, который, однако, сам не дожил до его открытия. В 1976 г. Виктор Вазарели установил в центре Жоржа Помпиду в Париже большой кинетический объект «Жорж Помпиду». Тогда же, в 1976-м, в Пече, родном городе художника, открылся третий его музей. В 1987-м — четвёртый, в Будапеште.
Искусство Виктора Вазарели отмечено многими премиями. В 1955 г., после публикации Жёлтого манифеста, он получил премию Критиков в Брюсселе, Золотую медаль на Триеннале в Милане, международные премии в Валенсии и Венесуэле. В 1964 г. — премию Гуггенхайма. В 1965 — Гран-при на VI Международной графической выставке в Любляне, Гран-при VIII Биеннале Сан-Паулу, Золотую медаль Общества содействия искусству и индустрии (Франция). В 1966 г. — премию I Графической биеннале в Кракове и Золотую медаль на II международном симпозиуме эстетики в Римини. В 1967 — приз министра иностранных дел Японии на IX Токийской биеннале и премию института Карнеги. В 1968 г. — первую премию на II Графической биеннале в Кракове, в 1969 — премию «Золотая палитра» на международном Фестивале живописи, Канн-сюр-Мер.
Кавалер Ордена Искусств и Литературы при министерстве культуры Франции (1965) и Ордена Почётного легиона (1970). Профессор Высшей школы прикладного искусства в Будапеште (1969).
Работы Виктора Вазарели побывали в космосе: в 1982 г. альбом с его гравюрами взял с собой французский космонавт Жан-Луп Кретьен на борт корабля «Салют-7». Позже они были проданы на благотворительном аукционе в пользу ЮНЕСКО.
Помимо музея Фонда Виктора Вазарели в Эксе и двух его музеев в Венгрии, работы Вазарели хранятся в Центре Помпиду, музее Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Музее современного искусства (MoMA) и Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, LACMA, Музее современного искусства в Сан-Франциско, Художественном музее Хьюстона, Cranbrook Art Museum, Национальном художественном музее и Музее латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе, Национальном художественном музее в Рио-де-Жанейро, EMMA в Эспоо, Музее современного искусства в Антверпене, Музее Израиля в Иерусалиме и многих других.
Пётр Павлович Гримм (Pierre Grimm)
1898 – 1979
Живописец, график, сценограф, фотограф. Родился в России в дворянской семье немецкого происхождения. Учился в мастерской Я. Ф. Ционглинского в Петербурге и несколько месяцев посещал Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры.
В 1915 году в качестве художника и фотографа участвовал в этнографической экспедиции по русской части Центральной Азии. В 1917 году жил в Москве и работал как театральный декоратор, рисовал для газет. Увлекался фотографией. После тюремного заключения переехал в Крым.
В 1920 году эмигрировал в Константинополь, затем в Загреб, Вену, Берлин. В 1923 г. поселился в Париже. С 1927 жил на Монпарнасе, где снял небольшую мастерскую и писал виды из ее окна. Там он познакомился с Ю. П. Анненковым, И. А. Пуни, М. Э. Виейра да Силва, А. Сенешем и А. Старицкой.
После войны обратился к абстрактной живописи. С 1952 создавал картоны гобеленов для мануфактуры в Бовэ.
Выставлялся на Осеннем салоне (с 1929), Салоне Тюильри (1939), Салоне Независимых (1957). Его персональные выставки проходили в галерее Crausen в Копенгагене (1935), парижских галереях A. Poyet (1938), Rotgé (1943), Pierre (1949), Bellechasse» (1957), Le Point Cardinal (1962), галерее Knoedler в Нью-Йорке (1949), O`Hana в Лондоне (1954), а также в Стокгольме и Осло (1962). Был участником групповых выставок в галерее Beaux-arts. В 1945 — 1946 гг. участвовал в выставках русских художников, организованных комитетом «Франция–СССР» и Союзом русских патриотов.
Работы экспонировались также на выставках: «Русский взгляд» в Гейдельберге (1974), «Русские художники Парижской школы» (1961), «Снова русские» (1975) в Париже. В 1964 году был награжден орденом Искусств и словесности. В 2011 работы художника экспонировались в Москве на выставке «Арт-миссия: Возвращение на Родину».
1898 – 1979
Живописец, график, сценограф, фотограф. Родился в России в дворянской семье немецкого происхождения. Учился в мастерской Я. Ф. Ционглинского в Петербурге и несколько месяцев посещал Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры.
В 1915 году в качестве художника и фотографа участвовал в этнографической экспедиции по русской части Центральной Азии. В 1917 году жил в Москве и работал как театральный декоратор, рисовал для газет. Увлекался фотографией. После тюремного заключения переехал в Крым.
В 1920 году эмигрировал в Константинополь, затем в Загреб, Вену, Берлин. В 1923 г. поселился в Париже. С 1927 жил на Монпарнасе, где снял небольшую мастерскую и писал виды из ее окна. Там он познакомился с Ю. П. Анненковым, И. А. Пуни, М. Э. Виейра да Силва, А. Сенешем и А. Старицкой.
После войны обратился к абстрактной живописи. С 1952 создавал картоны гобеленов для мануфактуры в Бовэ.
Выставлялся на Осеннем салоне (с 1929), Салоне Тюильри (1939), Салоне Независимых (1957). Его персональные выставки проходили в галерее Crausen в Копенгагене (1935), парижских галереях A. Poyet (1938), Rotgé (1943), Pierre (1949), Bellechasse» (1957), Le Point Cardinal (1962), галерее Knoedler в Нью-Йорке (1949), O`Hana в Лондоне (1954), а также в Стокгольме и Осло (1962). Был участником групповых выставок в галерее Beaux-arts. В 1945 — 1946 гг. участвовал в выставках русских художников, организованных комитетом «Франция–СССР» и Союзом русских патриотов.
Работы экспонировались также на выставках: «Русский взгляд» в Гейдельберге (1974), «Русские художники Парижской школы» (1961), «Снова русские» (1975) в Париже. В 1964 году был награжден орденом Искусств и словесности. В 2011 работы художника экспонировались в Москве на выставке «Арт-миссия: Возвращение на Родину».
Клод Бельгард (Claude Bellegarde)
1927 – 2019
Французский художник-абстракционист. В юности изучал живопись и скульптуру в частной мастерской в Париже.
В конце Второй мировой войны встречается с Ланца дель Васто — знаменитым сторонником концепции ненасильственного протеста, поэтом, писателем и духовной главой «Сообщества Ковчега». Клод Бельгард становится активным участником этого сообщества. Тогда же он начинает заниматься скульптурой.
Вдохновленный тестами Роршаха и живописью абстрактных экспрессионистов, Бельгард постепенно приходит к ташизму («живописи пятнами»).
С 1951 года начинается период монохромной живописи, названный «Белым периодом». Бельгард создает серию работ под названием «Ахроматизм» — текстурные монохромные абстрактные полотна. Именно в этот период Бельгард становится узнаваемым и полноправным членом сообщества послевоенных фрацузских художников. Он присоединяется к авангардной группе «Dessins», которая занимается живописью действия — художественной техникой, заключающейся в том, что вместо нанесения традиционными способами краска наливается, разбрызгивается и т.д. Позже он сближается с абстрактным экспрессионизмом. Интересно, что в 1955 году его «Белые» работы экспонировались в галерее Facchetti, той самой галерее, где впервые был представлен французской публике Джексон Поллок — самый известный представитель абстрактного экспрессионизма.
После высокой оценки критика и теоретика искусства Пьера Рестани Бельгард начинает выставляться за границей: в Германии, Бельгии, Великобритании и Италии, где его работы пользовались особенным успехом. В частности, в Милане, его работу приобрел знаменитый художник Лучо Фонтана. В этот же период его работы начали приобретать французские музеи и центры современного искусства, среди которых Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
В 1960-е годы Бельгард вновь вводит с свою живопись цвет. Некоторое время он проводит в Америке, участвуя в различных художественных симпозиумах, исследующих теорию цвета. В 1964 году его работы экспонируются в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке. Возвращаясь во Францию, он продолжает изучение цвета. Здесь ему предлагают оформить палату для хромотерапии в клинике доктора А. Томатис, что было спровоцировано исследованием о влиянии цвета на психологическое состояние беспокойных пациентов. Эти исследования были опубликованы в книге «Human Nature», а символичная работа художника этого периода «History of the Eye» была приобретена Лионским музеем изящных искусств (Musée des Beaux Arts de Lyon).
Бельгард был представителем Франции на Международной биеннале в Сан-Паулу 1965 года. В том же году он был удостоен премии на биеннале в Сан-Марино, Италия. В 1971 году прошла его ретроспективная выставка в Музее современного искусства города Парижа.
В 1983 году Бельгард получил докторскую степень в Сорбонне, после чего активно выступал на различных конференциях и работал над архитектурными, музыкальными и кинематографическими проектами. В 1986 году Министерство культуры Франции наградило его Орденом Искусств и литературы.
Его работы хранятся в Музее современного искусства города Парижа, центре Жоржа Помпиду, музее Кантини в Марселе; Музее изобразительных искусств в Лилле; галерее Тейт, музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке; Токийском музее современного искусства и других.
1927 – 2019
Французский художник-абстракционист. В юности изучал живопись и скульптуру в частной мастерской в Париже.
В конце Второй мировой войны встречается с Ланца дель Васто — знаменитым сторонником концепции ненасильственного протеста, поэтом, писателем и духовной главой «Сообщества Ковчега». Клод Бельгард становится активным участником этого сообщества. Тогда же он начинает заниматься скульптурой.
Вдохновленный тестами Роршаха и живописью абстрактных экспрессионистов, Бельгард постепенно приходит к ташизму («живописи пятнами»).
С 1951 года начинается период монохромной живописи, названный «Белым периодом». Бельгард создает серию работ под названием «Ахроматизм» — текстурные монохромные абстрактные полотна. Именно в этот период Бельгард становится узнаваемым и полноправным членом сообщества послевоенных фрацузских художников. Он присоединяется к авангардной группе «Dessins», которая занимается живописью действия — художественной техникой, заключающейся в том, что вместо нанесения традиционными способами краска наливается, разбрызгивается и т.д. Позже он сближается с абстрактным экспрессионизмом. Интересно, что в 1955 году его «Белые» работы экспонировались в галерее Facchetti, той самой галерее, где впервые был представлен французской публике Джексон Поллок — самый известный представитель абстрактного экспрессионизма.
После высокой оценки критика и теоретика искусства Пьера Рестани Бельгард начинает выставляться за границей: в Германии, Бельгии, Великобритании и Италии, где его работы пользовались особенным успехом. В частности, в Милане, его работу приобрел знаменитый художник Лучо Фонтана. В этот же период его работы начали приобретать французские музеи и центры современного искусства, среди которых Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
В 1960-е годы Бельгард вновь вводит с свою живопись цвет. Некоторое время он проводит в Америке, участвуя в различных художественных симпозиумах, исследующих теорию цвета. В 1964 году его работы экспонируются в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке. Возвращаясь во Францию, он продолжает изучение цвета. Здесь ему предлагают оформить палату для хромотерапии в клинике доктора А. Томатис, что было спровоцировано исследованием о влиянии цвета на психологическое состояние беспокойных пациентов. Эти исследования были опубликованы в книге «Human Nature», а символичная работа художника этого периода «History of the Eye» была приобретена Лионским музеем изящных искусств (Musée des Beaux Arts de Lyon).
Бельгард был представителем Франции на Международной биеннале в Сан-Паулу 1965 года. В том же году он был удостоен премии на биеннале в Сан-Марино, Италия. В 1971 году прошла его ретроспективная выставка в Музее современного искусства города Парижа.
В 1983 году Бельгард получил докторскую степень в Сорбонне, после чего активно выступал на различных конференциях и работал над архитектурными, музыкальными и кинематографическими проектами. В 1986 году Министерство культуры Франции наградило его Орденом Искусств и литературы.
Его работы хранятся в Музее современного искусства города Парижа, центре Жоржа Помпиду, музее Кантини в Марселе; Музее изобразительных искусств в Лилле; галерее Тейт, музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке; Токийском музее современного искусства и других.
Этторе Соттсас (Ettore Sottsass)
1917 – 2007
Знаменитый итальянский дизайнер и архитектор, один из главных идеологов радикального дизайна, основатель дизайн-группы “Мемфис”, прогремевшей на Миланском мебельном салоне в 1981 году. Обладатель премии Compasso d’Oro 1959 за проект первого итальянского компьютера Elea 9003 для Olivetti, автор бестселлера 1960-х печатной машинки Valentine и крупнейшего аэропорта Милана — Malpensa.
1935 — 1939 — изучал архитектуру в Туринском политехническом университете
Во время Второй Мировой войны оказался в югославском концентрационном лагере в Сараево
1945 — 1946 — работал с отцом над проектами жилищного строительства в архитектурном бюро Giuseppe Pagano
1956 — поездка в Нью-Йорк для работы в студии Джорджа Нельсона, путешествие по США
1958 — становится консультантом по дизайну в компании Olivetti
1959 — получает премию Copmpasso d’Oro за дизайн компьютера Elea 9003 для Olivetti
1961 — путешествует по Индии
1964 – 1965 – создаёт печатную машинку Valentine, за которую получает награду Delta di Ore, руководит ее рекламной компанией, проводимой по всему миру.
1966 — 1967 — начинает сотрудничество с мебельной фабрикой Poltronova; создаёт большую серию керамических ваз, вдохновлённых поездкой в Индию
1967 — становится соучредителем литературного журнала Planeta Fresco совместно с Алленом Гинсбергом
1970 — читает курс лекций в Великобритании и Японии, получает степень почетной доктора архитектуры в London College of Art
1972 — сотрудничество с компанией Alessi; участвует в коллективной выставке итальянского дизайна Italy, the New Domestic Landscape в MoMA, Нью Йорк
1973 — 1975 — участвует в создании Global Tools Group, мультидисциплинарной экспериментальной программы дизайнерского образования. Программа была задумана как система лабораторий во Флоренции, Милане и Неаполе для изучения природных материалов, их свойств и направлена на создание альтернативных отношений с итальянской промышленностью
1976 — большая ретроспективная выставка Этторе Соттсасса в Берлине, Париже, Иерусалиме и Сиднее
1980 — основание компании Sottsass Associati
1981 — возникновение радикальной дизайн-группы Memphis во главе с Этторе Соттсассом, в которую входили Марко Дзанини, Альдо Чибич, Маттео Тун, Микеле де Лукки, Мартин Бедан, Широ Курамата, Массанори Умеда, Натали дю Паскье
1985 — Этторе Соттсасс покидает Memphis и возвращается к архитектурной практике и промышленному дизайну в Sottsass Associati
2000 — проектирует аэропорт Malpensa в Милане
2001 — выставка Memphis Remembered в Музее дизайна в Лондоне.
2007 — выставка Ettore Sottsass: Work in Progress в Музее дизайна в Лондоне.
2008 — 2009 — выставка Ettore Sottsass et le design italien в Центре Помпиду в Париже.
Работы Этторе Соттсасса представлены в постоянных коллекциях музеев: MoMA, Нью Йорк; Centre Pompidou в Париже; Национальный музей Стокгольма.
1917 – 2007
Знаменитый итальянский дизайнер и архитектор, один из главных идеологов радикального дизайна, основатель дизайн-группы “Мемфис”, прогремевшей на Миланском мебельном салоне в 1981 году. Обладатель премии Compasso d’Oro 1959 за проект первого итальянского компьютера Elea 9003 для Olivetti, автор бестселлера 1960-х печатной машинки Valentine и крупнейшего аэропорта Милана — Malpensa.
1935 — 1939 — изучал архитектуру в Туринском политехническом университете
Во время Второй Мировой войны оказался в югославском концентрационном лагере в Сараево
1945 — 1946 — работал с отцом над проектами жилищного строительства в архитектурном бюро Giuseppe Pagano
1956 — поездка в Нью-Йорк для работы в студии Джорджа Нельсона, путешествие по США
1958 — становится консультантом по дизайну в компании Olivetti
1959 — получает премию Copmpasso d’Oro за дизайн компьютера Elea 9003 для Olivetti
1961 — путешествует по Индии
1964 – 1965 – создаёт печатную машинку Valentine, за которую получает награду Delta di Ore, руководит ее рекламной компанией, проводимой по всему миру.
1966 — 1967 — начинает сотрудничество с мебельной фабрикой Poltronova; создаёт большую серию керамических ваз, вдохновлённых поездкой в Индию
1967 — становится соучредителем литературного журнала Planeta Fresco совместно с Алленом Гинсбергом
1970 — читает курс лекций в Великобритании и Японии, получает степень почетной доктора архитектуры в London College of Art
1972 — сотрудничество с компанией Alessi; участвует в коллективной выставке итальянского дизайна Italy, the New Domestic Landscape в MoMA, Нью Йорк
1973 — 1975 — участвует в создании Global Tools Group, мультидисциплинарной экспериментальной программы дизайнерского образования. Программа была задумана как система лабораторий во Флоренции, Милане и Неаполе для изучения природных материалов, их свойств и направлена на создание альтернативных отношений с итальянской промышленностью
1976 — большая ретроспективная выставка Этторе Соттсасса в Берлине, Париже, Иерусалиме и Сиднее
1980 — основание компании Sottsass Associati
1981 — возникновение радикальной дизайн-группы Memphis во главе с Этторе Соттсассом, в которую входили Марко Дзанини, Альдо Чибич, Маттео Тун, Микеле де Лукки, Мартин Бедан, Широ Курамата, Массанори Умеда, Натали дю Паскье
1985 — Этторе Соттсасс покидает Memphis и возвращается к архитектурной практике и промышленному дизайну в Sottsass Associati
2000 — проектирует аэропорт Malpensa в Милане
2001 — выставка Memphis Remembered в Музее дизайна в Лондоне.
2007 — выставка Ettore Sottsass: Work in Progress в Музее дизайна в Лондоне.
2008 — 2009 — выставка Ettore Sottsass et le design italien в Центре Помпиду в Париже.
Работы Этторе Соттсасса представлены в постоянных коллекциях музеев: MoMA, Нью Йорк; Centre Pompidou в Париже; Национальный музей Стокгольма.