ACCROCHAGE
Maison Pidtsan x AP Gallery
Работы разных поколений художников, разных направлений: от европейских модернистов до молодых российских авторов. Всегда интересно как разноплановое искусство может существовать в классическом жилом пространстве.
Арбуз, 2003
Цифровая печать на дибонде
122 x 91 см
Композиция, 1962
Бумага, гуашь
23,5 х 34,5 см
Из серии «Цветы», 2006
Оргалит, масло
145 х 122 см
Синий цветок, 2014
Из серии «Трава»
Авторский картон, акрил
95 x 118 см
Contacts #2, 1960
Холст, масло
55 х 38 см
Холст, масло
55 х 38 см
Парусник Махаон, 1992
Бумага, гуашь
99 х 100 см
Бумага, гуашь
99 х 100 см
🦢🦢🐇🧝🏿♀️ , 2022
Холст, масло
150 х 70 см
Холст, масло
150 х 70 см
Всадники, 1997
Из серии «Спрятанные лица»
Бумага, карандаш, акрил, перламутровый акрил 33,2 x 24,5 см
Из серии «Спрятанные лица»
Бумага, карандаш, акрил, перламутровый акрил 33,2 x 24,5 см
Снайпер, 1994
Холст, масло, серебряная эмаль
200 х 170 см
Холст, масло, серебряная эмаль
200 х 170 см
Панно «Травы», 1988
Дерево, акрил
126,5 х 52 см
Дерево, акрил
126,5 х 52 см
Рельеф «Цветы на красном», 2000
Дерево, краска
43 х 35 см
Дерево, краска
43 х 35 см
Панно «Без названия», 1987
Дерево, масло
50 х 50 см
Дерево, масло
50 х 50 см
Из серии «Цветы» 2006
Холст, масло
100 х 80 см
Холст, масло
100 х 80 см
Скорбный мальчик, 2022
Холст, масло, масляная пастель
188 х 50 см
Холст, масло, масляная пастель
188 х 50 см
Абстрактная композиция, 2019
Бумага, смешанная техника
70 х 95 см
Бумага, смешанная техника
70 х 95 см
Композиция, 1960
Холст, масло
81 х 116 см
Холст, масло
81 х 116 см
«Модули» из серии «Магниты», 1974-1975
Бумага Гознак, гуашь
127 х 43,5 см
Бумага Гознак, гуашь
127 х 43,5 см
V1, 2023
Бумага, пастель
60 х 140 см
Бумага, пастель
60 х 140 см
Композиция, 1960
Холст, масло
81 х 116 см
Холст, масло
81 х 116 см
«Модули» из серии «Магниты», 1974-1975
Бумага Гознак, гуашь
127 х 43,5 см
Бумага Гознак, гуашь
127 х 43,5 см
V1, 2023
Бумага, пастель
60 х 140 см
Бумага, пастель
60 х 140 см
Нобуёси Араки
Арбуз, 2003Цифровая печать на дибонде
122 x 91 см
Араки - пожалуй, самый широко известный японский фотограф настоящего времени. Родившись в Токио, где он продолжает жить и работать, Араки быстро стал знаменитостью благодаря своему плодовитому и провокационному творчеству, включающему разнообразные фотоальбомы, фильмы, публикации и выставки.
Араки изучал фотографию и кино в Университете Чиба, прежде чем начать карьеру коммерческого фотографа в японском рекламном агентстве Dentsu. Именно в этот период он начал привлекать внимание своими фотографиями местных детей, живущих в обветшалом жилом доме недалеко от дома Араки. В 1964 году эта серия, названная "Сачин", была удостоена премии Тайё. Заинтересованный в волне творческой активности, возникшей в ответ на фотографическое движение Provoke, Араки начал самостоятельно издавать свои первые фотоальбомы, которые он отправлял друзьям, художественным критикам и случайным людям из телефонной книги.
Араки разработал автобиографический, исповедальный стиль фотографии, который он называет "Я-фотографией" (shi-shashin), в отсылке к движению "Я-романа" (shi-shōsetsu), которое доминировало в японском литературном мире в начале 20-го века.
Владение Араки драматическим - и, в особенности, эротическим - напряжением создает уникальные и вызывающие работы. Оказавшись среди первых художников, нарушивших японские запреты на изображение лобковых волос, он отказался поддаваться общественному недовольству и даже интервенциям, организованным полицией.
Араки был удостоен премии Фотографического общества Японии в 1990 году, за которой последовали премия за фотографию Хигашикава в 1991 году и премия Mainichi Art в 2012 году.
Его работы входят в постоянные коллекции международных учреждений, включая Музей современного искусства в Сан-Франциско, Стедельский музей в Амстердаме, Музей современного искусства в Чикаго и Тейт Модерн в Лондоне..
Жан Майе
Композиция, 1962Бумага, гуашь
23,5 х 34,5 см
Французский художник. Родился в Реймсе. После службы в Иностранном легионе жил в Северной Африке (в основном в Марокко). Там прошли его первые выставки: в 1935 и 1939 гг. в Мекнесе, в 1939 в Рабате.
С 1946 г. живёт во Франции. В 1950 году по совету Альбера Глейзера переезжает в Париж и под влиянием этого художника отходит от фигуративизма. В 1962 г. прошла персональная выставка Жана Майе — сначала в мастерской художника, затем в галерее l’Antipoète, находившейся неподалёку. В 1962-63 гг. он участвовал в групповых выставках вместе с Сержем Поляковым, Жаном Арпом, Куртом Зелигманом. В 1967 г. на биеннале в Анконе получил золотую медаль. После 1975 г. выставлялся на Осеннем салоне, салоне Независимых, Salon Comparaisons.
Работы художника хранятся в Парижском музее естественной истории, Fondation Maeght в Сен-Поль-де-Ванс, в музее Пфрцхайма.
Игорь Шелковский
Из серии «Цветы», 2006
Оргалит, масло
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Из серии «Цветы», 2006
Оргалит, масло
145 х 122 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Лев Повзнер
Синий цветок, 2014
Из серии «Трава»
Авторский картон, акрил
Российский художник, живописец и поэт постмодернист. Родился в Москве, где живет и работает по сей день..
Творческое становление Льва Познера приходится на середину 1960-х, когда он вливается в ряды художественного андеграунда. После окончания Московского полиграфического института Повзнер начинает выставляться вместе с Евгением Измайловым и Михаилом Рогинским, участвует в квартирных выставках.
В те годы художник увлекается ностальгическим «ретро» — искусством старых европейских мастеров. Параллельно интересуется примитивным искусством, лубком и китчем, пишет водяными красками и темперой по левкасу на специальных дощечках.
В 1975 году его работы экспонируются на легендарной Выставке произведений московских художников в павильоне «Дома культуры» ВДНХ. В 1976 году Повзнера принимают в Горком графиков, в 1982 — в Союз художников СССР.
В конце 90-х художник отходит от романтики и определяет себя как постмодернист. Начинает работать над сериями картин-загадок с использованием приемов сюрреализма, среди них «Спрятанные лица», «Травы», «Шпигель», «Поле чудес», «Психарт» и другие.
Работы находятся в ГТГ, Русском музее, Московском музее современного искусства, музее Гуггенхайма (Нью-Йорк), Музее Дюк Университета штата Северная Каролина (Дархэм, США), Колодзей Арт Фаундэйшн (Хайланд Парк, Нью-Джерси, США).
Синий цветок, 2014
Из серии «Трава»
Авторский картон, акрил
95 x 118 см
Российский художник, живописец и поэт постмодернист. Родился в Москве, где живет и работает по сей день..
Творческое становление Льва Познера приходится на середину 1960-х, когда он вливается в ряды художественного андеграунда. После окончания Московского полиграфического института Повзнер начинает выставляться вместе с Евгением Измайловым и Михаилом Рогинским, участвует в квартирных выставках.
В те годы художник увлекается ностальгическим «ретро» — искусством старых европейских мастеров. Параллельно интересуется примитивным искусством, лубком и китчем, пишет водяными красками и темперой по левкасу на специальных дощечках.
В 1975 году его работы экспонируются на легендарной Выставке произведений московских художников в павильоне «Дома культуры» ВДНХ. В 1976 году Повзнера принимают в Горком графиков, в 1982 — в Союз художников СССР.
В конце 90-х художник отходит от романтики и определяет себя как постмодернист. Начинает работать над сериями картин-загадок с использованием приемов сюрреализма, среди них «Спрятанные лица», «Травы», «Шпигель», «Поле чудес», «Психарт» и другие.
Работы находятся в ГТГ, Русском музее, Московском музее современного искусства, музее Гуггенхайма (Нью-Йорк), Музее Дюк Университета штата Северная Каролина (Дархэм, США), Колодзей Арт Фаундэйшн (Хайланд Парк, Нью-Джерси, США).
Сильвано Боццолини
Contacts #2, 1960
Холст, масло
Сильвано Боццолини родился в 1911 году в провинции Флоренции (Италия) в семье торговцев. Семнадцатилетний Сильвано изучает искусство в Риме, а затем продолжает начатое образование в Милане. В начале 30-х годов Сильвано Боццолини изучает тосканскую примитивную живопись во Флоренции; в этом же городе он становится студентом школы изящных искусств в 1936 году. В 1950х годах становится членом художественного объединения «Espace (Пространство)» и начинает активно сотрудничать с галереей Denise René, где выставляется в 1954 году. На протяжении долгого времени после этого художник участвует в многочисленных французских коллективных выставках (Salon de Mai, Salon des Réalités Nouvelles, где он становится членом комитета, Salon des Comparaisons, затем Grand et Jeunes d'Aujourd'hui и т.д.).
Параллельно с живописью художник создает важные работы, в частности, в области гравюры на дереве.
Первая персональная парижская выставка Сильвано Боццолини проходит в библиотеке La Hune в 1951 году.
С этого момента работы художника регулярно фигурируют в самых престижных галереях и музеях мира (Копенгаген, Флоренция, Милан, Льеж, Брюссель, Париж, Токио и т.д.).
Сильвано Боццолини умер в 1998 году.
На протяжении многих лет вплоть года работы Сильвано Боццолини регулярно выставляются в галерее Hanina Fine Arts (Лондон).
Contacts #2, 1960
Холст, масло
55 х 38 см
Сильвано Боццолини родился в 1911 году в провинции Флоренции (Италия) в семье торговцев. Семнадцатилетний Сильвано изучает искусство в Риме, а затем продолжает начатое образование в Милане. В начале 30-х годов Сильвано Боццолини изучает тосканскую примитивную живопись во Флоренции; в этом же городе он становится студентом школы изящных искусств в 1936 году. В 1950х годах становится членом художественного объединения «Espace (Пространство)» и начинает активно сотрудничать с галереей Denise René, где выставляется в 1954 году. На протяжении долгого времени после этого художник участвует в многочисленных французских коллективных выставках (Salon de Mai, Salon des Réalités Nouvelles, где он становится членом комитета, Salon des Comparaisons, затем Grand et Jeunes d'Aujourd'hui и т.д.).
Параллельно с живописью художник создает важные работы, в частности, в области гравюры на дереве.
Первая персональная парижская выставка Сильвано Боццолини проходит в библиотеке La Hune в 1951 году.
С этого момента работы художника регулярно фигурируют в самых престижных галереях и музеях мира (Копенгаген, Флоренция, Милан, Льеж, Брюссель, Париж, Токио и т.д.).
Сильвано Боццолини умер в 1998 году.
На протяжении многих лет вплоть года работы Сильвано Боццолини регулярно выставляются в галерее Hanina Fine Arts (Лондон).
Татьяна Андреева
Парусник Махаон, 1992
Бумага, гуашь
Математик и художница, известная своими экспериментальными проектами, в которых используются оптические паттерны.
Родилась в Москве. Мать — известный дизайнер тканей, ведущая художница фабрики «Красная Роза» им. Розы Люксембург. Училась на механико-математическом факультете МГУ по специализации теоретической и математической физики. В 1970–1971 занималась в мастерской Гриши Брускина. В 1975 закончила Текстильный институт. После распределения попала в Комбинат прикладного искусства.
Получила медаль за коллекцию «Градиент» на Таллинских днях моды и медаль за коллекцию «Волна» на Рижских дня моды. Основные проекты: «Квадраты», «Насекомые», Градиент», «Городец», «Привет!», «Союз-Аполлон», «Волна», «Электрификация» (совместно с Анной Андреевой), а также «Четыре комнаты тотального дизайна» для Центрального дома туриста. Среди выставок последних лет: «Art from the USSR» (Музей Чек-поинт Чарли, Берлин, 1998), «Ткани Москвы» (Музей Москвы, 2019), «Лаборатория Будущего Кинетическое искусство в России» (Третьяковская галерея, Москва, 2020), «Everyday Soviet» (Музей Зиммерли при Университете Ратгерс, штат Нью-Йорк, США, 2020), «История российского дизайна. Избранное» (Музей дизайна, Москва, 2021), «Building Socialist Spaces» (Музей художественных ремёсел, Берлин, 2022).
Парусник Махаон, 1992
Бумага, гуашь
99 х 100 см
Математик и художница, известная своими экспериментальными проектами, в которых используются оптические паттерны.
Родилась в Москве. Мать — известный дизайнер тканей, ведущая художница фабрики «Красная Роза» им. Розы Люксембург. Училась на механико-математическом факультете МГУ по специализации теоретической и математической физики. В 1970–1971 занималась в мастерской Гриши Брускина. В 1975 закончила Текстильный институт. После распределения попала в Комбинат прикладного искусства.
Получила медаль за коллекцию «Градиент» на Таллинских днях моды и медаль за коллекцию «Волна» на Рижских дня моды. Основные проекты: «Квадраты», «Насекомые», Градиент», «Городец», «Привет!», «Союз-Аполлон», «Волна», «Электрификация» (совместно с Анной Андреевой), а также «Четыре комнаты тотального дизайна» для Центрального дома туриста. Среди выставок последних лет: «Art from the USSR» (Музей Чек-поинт Чарли, Берлин, 1998), «Ткани Москвы» (Музей Москвы, 2019), «Лаборатория Будущего Кинетическое искусство в России» (Третьяковская галерея, Москва, 2020), «Everyday Soviet» (Музей Зиммерли при Университете Ратгерс, штат Нью-Йорк, США, 2020), «История российского дизайна. Избранное» (Музей дизайна, Москва, 2021), «Building Socialist Spaces» (Музей художественных ремёсел, Берлин, 2022).
Евгений Музалевский
🦢🦢🐇🧝🏿♀️, 2022
Холст, масло
150 х 70 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в основном в традиционной живописной технике. Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент Евгений продолжает обучение в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе, Германия.
Художник начинал свои поиски с фотографии, но через графику пришел к живописи. Обращается также к скульптуре и различным медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского самодостаточна. Она эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста.
Карьера Музалевского складывается стремительно. В Alina Pinsky Gallery прошли уже две персональные выставки; большая составная живопись «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила в 2022 году Первую Премию Зверева; работы художника вошли в музейные коллекции и в значимые частные собрания.
🦢🦢🐇🧝🏿♀️, 2022
Холст, масло
150 х 70 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в основном в традиционной живописной технике. Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент Евгений продолжает обучение в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе, Германия.
Художник начинал свои поиски с фотографии, но через графику пришел к живописи. Обращается также к скульптуре и различным медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского самодостаточна. Она эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста.
Карьера Музалевского складывается стремительно. В Alina Pinsky Gallery прошли уже две персональные выставки; большая составная живопись «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила в 2022 году Первую Премию Зверева; работы художника вошли в музейные коллекции и в значимые частные собрания.
Лев Повзнер
Всадники, 1997
Из серии «Спрятанные лица»
Бумага, карандаш, акрил, перламутровый акрил
Российский художник, живописец и поэт постмодернист. Родился в Москве, где живет и работает по сей день..
Творческое становление Льва Познера приходится на середину 1960-х, когда он вливается в ряды художественного андеграунда. После окончания Московского полиграфического института Повзнер начинает выставляться вместе с Евгением Измайловым и Михаилом Рогинским, участвует в квартирных выставках.
В те годы художник увлекается ностальгическим «ретро» — искусством старых европейских мастеров. Параллельно интересуется примитивным искусством, лубком и китчем, пишет водяными красками и темперой по левкасу на специальных дощечках.
В 1975 году его работы экспонируются на легендарной Выставке произведений московских художников в павильоне «Дома культуры» ВДНХ. В 1976 году Повзнера принимают в Горком графиков, в 1982 — в Союз художников СССР.
В конце 90-х художник отходит от романтики и определяет себя как постмодернист. Начинает работать над сериями картин-загадок с использованием приемов сюрреализма, среди них «Спрятанные лица», «Травы», «Шпигель», «Поле чудес», «Психарт» и другие.
Работы находятся в ГТГ, Русском музее, Московском музее современного искусства, музее Гуггенхайма (Нью-Йорк), Музее Дюк Университета штата Северная Каролина (Дархэм, США), Колодзей Арт Фаундэйшн (Хайланд Парк, Нью-Джерси, США).
Всадники, 1997
Из серии «Спрятанные лица»
Бумага, карандаш, акрил, перламутровый акрил
33,2 x 24,5 см
Российский художник, живописец и поэт постмодернист. Родился в Москве, где живет и работает по сей день..
Творческое становление Льва Познера приходится на середину 1960-х, когда он вливается в ряды художественного андеграунда. После окончания Московского полиграфического института Повзнер начинает выставляться вместе с Евгением Измайловым и Михаилом Рогинским, участвует в квартирных выставках.
В те годы художник увлекается ностальгическим «ретро» — искусством старых европейских мастеров. Параллельно интересуется примитивным искусством, лубком и китчем, пишет водяными красками и темперой по левкасу на специальных дощечках.
В 1975 году его работы экспонируются на легендарной Выставке произведений московских художников в павильоне «Дома культуры» ВДНХ. В 1976 году Повзнера принимают в Горком графиков, в 1982 — в Союз художников СССР.
В конце 90-х художник отходит от романтики и определяет себя как постмодернист. Начинает работать над сериями картин-загадок с использованием приемов сюрреализма, среди них «Спрятанные лица», «Травы», «Шпигель», «Поле чудес», «Психарт» и другие.
Работы находятся в ГТГ, Русском музее, Московском музее современного искусства, музее Гуггенхайма (Нью-Йорк), Музее Дюк Университета штата Северная Каролина (Дархэм, США), Колодзей Арт Фаундэйшн (Хайланд Парк, Нью-Джерси, США).
Наталия Турнова
Снайпер, 1994
Холст, масло, серебряная эмаль
200 х 170 см
Художница и скульптор, занимающая особое место в современном российском искусстве. Она выросла на Востоке: родилась в столице Афганистана Кабуле , а в возрасте пяти лет вместе с родителями переехала в государство Бирма в Юго-Восточной Азии. Исследователи творчества Турновой предполагают, что яркие, насыщенные краски Востока во многом повлияли на особенности ее колористики.
Окончив Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1983 году, Турнова познакомилась с Борисом Орловым, художником, который отметил близость ее искусства к неофициальному, что во многом определило ее дальнейший путь. С 1990-х годов Наталия Турнова стала одной из самых востребованных художниц. К этому времени она выработала свой собственный узнаваемый стиль: экспрессионистская манера, яркие цвета, большие форматы.
Турнова всегда была верна своей интуиции, не стремясь принадлежать ни к каким течениям и группировкам - и в итоге стала оригинальным художником и философом, для которого творчество - это то, что «вырастает из жизни». Именно поэтому любое ее высказывание, рожденное в ходе долгих размышлений и многочисленных "проб и ошибок", - это декларация о бытии, о сути, сделанная тонким наблюдателем и исследователем.
Работы Наталии Турновой находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Дальневосточного художественного музея, Музея Оклахомы (США), Музея современного искусства Лодзь (Польша) и других.
Живет и работает в Москве.
Снайпер, 1994
Холст, масло, серебряная эмаль
200 х 170 см
Художница и скульптор, занимающая особое место в современном российском искусстве. Она выросла на Востоке: родилась в столице Афганистана Кабуле , а в возрасте пяти лет вместе с родителями переехала в государство Бирма в Юго-Восточной Азии. Исследователи творчества Турновой предполагают, что яркие, насыщенные краски Востока во многом повлияли на особенности ее колористики.
Окончив Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1983 году, Турнова познакомилась с Борисом Орловым, художником, который отметил близость ее искусства к неофициальному, что во многом определило ее дальнейший путь. С 1990-х годов Наталия Турнова стала одной из самых востребованных художниц. К этому времени она выработала свой собственный узнаваемый стиль: экспрессионистская манера, яркие цвета, большие форматы.
Турнова всегда была верна своей интуиции, не стремясь принадлежать ни к каким течениям и группировкам - и в итоге стала оригинальным художником и философом, для которого творчество - это то, что «вырастает из жизни». Именно поэтому любое ее высказывание, рожденное в ходе долгих размышлений и многочисленных "проб и ошибок", - это декларация о бытии, о сути, сделанная тонким наблюдателем и исследователем.
Работы Наталии Турновой находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Дальневосточного художественного музея, Музея Оклахомы (США), Музея современного искусства Лодзь (Польша) и других.
Живет и работает в Москве.
Игорь Шелковский
Панно «Травы», 1988
Дерево, акрил
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Панно «Травы», 1988
Дерево, акрил
126,5 х 52 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Игорь Шелковский
Рельеф «Цветы на красном», 2000
Дерево, краска
43 х 35 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Рельеф «Цветы на красном», 2000
Дерево, краска
43 х 35 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Игорь Шелковский
Панно «Без названия», 1987
Дерево, масло
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Панно «Без названия», 1987
Дерево, масло
50 х 50 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Игорь Шелковский
Из серии «Цветы», 2006
Холст, масло
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Из серии «Цветы», 2006
Холст, масло
100 х 80 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Евгений Музалевский
Скорбный мальчик, 2022
Холст, масло, масляная пастель
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в основном в традиционной живописной технике. Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент Евгений продолжает обучение в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе, Германия.
Художник начинал свои поиски с фотографии, но через графику пришел к живописи. Обращается также к скульптуре и различным медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского самодостаточна. Она эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста.
Карьера Музалевского складывается стремительно. В Alina Pinsky Gallery прошли уже две персональные выставки; большая составная живопись «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила в 2022 году Первую Премию Зверева; работы художника вошли в музейные коллекции и в значимые частные собрания.
Скорбный мальчик, 2022
Холст, масло, масляная пастель
188 х 50 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в основном в традиционной живописной технике. Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент Евгений продолжает обучение в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе, Германия.
Художник начинал свои поиски с фотографии, но через графику пришел к живописи. Обращается также к скульптуре и различным медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского самодостаточна. Она эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста.
Карьера Музалевского складывается стремительно. В Alina Pinsky Gallery прошли уже две персональные выставки; большая составная живопись «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила в 2022 году Первую Премию Зверева; работы художника вошли в музейные коллекции и в значимые частные собрания.
Игорь Шелковский
Абстрактная композиция, 2019
Бумага, смешанная техника
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Абстрактная композиция, 2019
Бумага, смешанная техника
70 х 95 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Живет и работает в Москве и Париже.
Эдгар Жилле
Композиция, 1960
Холст, масло
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало .
Жилле перестал рисовать в 1998 году. Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке . Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез
Композиция, 1960
Холст, масло
81 х 116 см
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало .
Жилле перестал рисовать в 1998 году. Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке . Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез
Татьяна Андреева
«Модули» из серии «Магниты», 1974-1975
Бумага Гознак, гуашь
Математик и художница, известная своими экспериментальными проектами, в которых используются оптические паттерны.
Родилась в Москве. Мать — известный дизайнер тканей, ведущая художница фабрики «Красная Роза» им. Розы Люксембург. Училась на механико-математическом факультете МГУ по специализации теоретической и математической физики. В 1970–1971 занималась в мастерской Гриши Брускина. В 1975 закончила Текстильный институт. После распределения попала в Комбинат прикладного искусства.
Получила медаль за коллекцию «Градиент» на Таллинских днях моды и медаль за коллекцию «Волна» на Рижских дня моды. Основные проекты: «Квадраты», «Насекомые», Градиент», «Городец», «Привет!», «Союз-Аполлон», «Волна», «Электрификация» (совместно с Анной Андреевой), а также «Четыре комнаты тотального дизайна» для Центрального дома туриста. Среди выставок последних лет: «Art from the USSR» (Музей Чек-поинт Чарли, Берлин, 1998), «Ткани Москвы» (Музей Москвы, 2019), «Лаборатория Будущего Кинетическое искусство в России» (Третьяковская галерея, Москва, 2020), «Everyday Soviet» (Музей Зиммерли при Университете Ратгерс, штат Нью-Йорк, США, 2020), «История российского дизайна. Избранное» (Музей дизайна, Москва, 2021), «Building Socialist Spaces» (Музей художественных ремёсел, Берлин, 2022).
«Модули» из серии «Магниты», 1974-1975
Бумага Гознак, гуашь
127 х 43,5 см
Математик и художница, известная своими экспериментальными проектами, в которых используются оптические паттерны.
Родилась в Москве. Мать — известный дизайнер тканей, ведущая художница фабрики «Красная Роза» им. Розы Люксембург. Училась на механико-математическом факультете МГУ по специализации теоретической и математической физики. В 1970–1971 занималась в мастерской Гриши Брускина. В 1975 закончила Текстильный институт. После распределения попала в Комбинат прикладного искусства.
Получила медаль за коллекцию «Градиент» на Таллинских днях моды и медаль за коллекцию «Волна» на Рижских дня моды. Основные проекты: «Квадраты», «Насекомые», Градиент», «Городец», «Привет!», «Союз-Аполлон», «Волна», «Электрификация» (совместно с Анной Андреевой), а также «Четыре комнаты тотального дизайна» для Центрального дома туриста. Среди выставок последних лет: «Art from the USSR» (Музей Чек-поинт Чарли, Берлин, 1998), «Ткани Москвы» (Музей Москвы, 2019), «Лаборатория Будущего Кинетическое искусство в России» (Третьяковская галерея, Москва, 2020), «Everyday Soviet» (Музей Зиммерли при Университете Ратгерс, штат Нью-Йорк, США, 2020), «История российского дизайна. Избранное» (Музей дизайна, Москва, 2021), «Building Socialist Spaces» (Музей художественных ремёсел, Берлин, 2022).
Мария Серебрякова
V1, 2023
Бумага, пастель
60 х 140 см
Родилась в Москве. В 1983 окончила художественную школу (МСХШ) при МГХИ имени Сурикова, где затем, посещала занятия в качестве вольнослушателя (1984–1985)
На московской арт-сцене имя художницы стало известным во второй половине 1980-х. Её ранний творческий метод строился на совмещении черно-белой фотографии и живописи. Дорисовывая, например, недостающие части кресла на снимке, Серебрякова обращала внимание зрителя на феномены восприятия.
В 1986 вместе с И. Пигановым, В. Ефимовым и Л, Бажановым была у истоков создания любительского объединения «Эрмитаж», выставки которого проходили в Беляево.
В 1992 году Серебрякова представляла Россию на documenta, и с тех пор реализовала множество проектов в таких известных институциях, как Новый Берлинский Фестиваль Искусств, IV Триеннале скульптуры малых форм в Штутгарте, «Искусство и Идея» в Мехико, 1-я и 2-я Московская Биеннале современного искусства. На счету Серебряковой персональные и групповые выставки в Центре современного искусства PS1 (филиал MOMA, Нью-Йорк, США), Национальном Музее Современного Искусства (Осло), Стеделик Музее (Амстердам)
С 1998 живет и работает в Берлине, Рюгене и Москве.
Сегодня стиль художницы отличают сдержанность, монохромность, пейзажные сюжеты. Её произведения ахроматичны и внеэмоциональны, а образы в них прозрачны и отстранены. Серебрякова также работает в области скульптуры. Зачастую это крупные композиции или инсталляции, лаконичные и минималистичные по форме. Их смысловым ядром становится визуальный парадокс, основанный на неожиданном сопоставлении форм и фактур.
Работы находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, ММОМА, MoMA (Нью-Йорк, США), Художественного музея Зиммерли при Университете Ратгерс (Нью-Брансуик, США) и др.
V1, 2023
Бумага, пастель
60 х 140 см
Родилась в Москве. В 1983 окончила художественную школу (МСХШ) при МГХИ имени Сурикова, где затем, посещала занятия в качестве вольнослушателя (1984–1985)
На московской арт-сцене имя художницы стало известным во второй половине 1980-х. Её ранний творческий метод строился на совмещении черно-белой фотографии и живописи. Дорисовывая, например, недостающие части кресла на снимке, Серебрякова обращала внимание зрителя на феномены восприятия.
В 1986 вместе с И. Пигановым, В. Ефимовым и Л, Бажановым была у истоков создания любительского объединения «Эрмитаж», выставки которого проходили в Беляево.
В 1992 году Серебрякова представляла Россию на documenta, и с тех пор реализовала множество проектов в таких известных институциях, как Новый Берлинский Фестиваль Искусств, IV Триеннале скульптуры малых форм в Штутгарте, «Искусство и Идея» в Мехико, 1-я и 2-я Московская Биеннале современного искусства. На счету Серебряковой персональные и групповые выставки в Центре современного искусства PS1 (филиал MOMA, Нью-Йорк, США), Национальном Музее Современного Искусства (Осло), Стеделик Музее (Амстердам)
С 1998 живет и работает в Берлине, Рюгене и Москве.
Сегодня стиль художницы отличают сдержанность, монохромность, пейзажные сюжеты. Её произведения ахроматичны и внеэмоциональны, а образы в них прозрачны и отстранены. Серебрякова также работает в области скульптуры. Зачастую это крупные композиции или инсталляции, лаконичные и минималистичные по форме. Их смысловым ядром становится визуальный парадокс, основанный на неожиданном сопоставлении форм и фактур.
Работы находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, ММОМА, MoMA (Нью-Йорк, США), Художественного музея Зиммерли при Университете Ратгерс (Нью-Брансуик, США) и др.