Крупноформатные работы 2022–2023 годов из серии, задуманной художником специально для институционального проекта. Выставка представляет в том числе результаты творческого тандема художника с собственной матерью.
Евгений Музалевский
Монохром, с мамой за спиной
Евгений Музалевский — один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в традиционной живописной технике.
Основу музейной экспозиции составляют монохромные работы 2022-2023 годов. Музалевский о начале этой серии: «Я жил тогда в маленькой комнате в общежитии. Не мог спать примерно месяц. Чтобы отвлечься, постоянно читал. Мне было сложно рефлексировать настоящее, поэтому я стал копаться в прошлом, в 1920–1940-х годах. Много читал про обэриутов. Размышлял над тем, что такое заточение. Разглядывая фотографии культурных деятелей того времени, читая их биографии, я попытался упаковать все это в некую галерею, в жестко структурированное пространство, которое напоминает заточение и какой то архив».
Часть выставки посвящена результату творческого тандема художника с собственной матерью. Логически все шло к тому, чтобы однажды они стали что-то создавать вместе. Образ матери, обращение к ней, размышления о ней - все это перманентно присутствует в работах Музалевского. Все началось с определенного рода терапии, придуманной художником для мамы, находившейся в тюрьме. Удивительные, пронзительные, мастерски исполненные вышивки повторяют серию вертикальных холстов.
17 ноября 2022 - 30 января 2023
И как нам создавать свою красоту?
Вопрос "Как нам создавать свою красоту?" был задан тридцать лет назад философом-феминисткой Люс Иригарей, мятежной ученицей знаменитого психоаналитика Жака Лакана. Ее рецепт прозвучал вызывающе: хватит страдать и примерять чуждые формы и цвета, найдите наконец свои собственные, женские, ведь форма и цвет чувственны, интимны, сексуальны, они и есть измерение "нашей воплощенности".
Работы восемнадцати художниц в широком и неожиданном диапазоне от Наталии Гончаровой до Наталии Турновой, от Лидии Мастерковой до Дуни Захаровой, от Марии Серебряковой до Натты Конышевой в галерее, не присягавшей феминистскому движению, — это интрига. Галерея Алины Пинской известна успешным лобби модернистских и ретромодернистских ценностей, поэтому ожидаем акцент на живописи и границах живописности. Но в формате выставки ничто не бывает случайным. Почему только женщины? Существует не так много устойчивых идей о "природе женщины" и ее реализации в искусстве. Часто эти программы обходятся политической повесткой или мифотворчеством.
Действительно, что такое "женская выставка" сегодня? После многочисленных феминистских теорий мы по-прежнему транслируем мужской взгляд, ищем приметы женской достоверности или стараемся забыть о гендерном различии? Жива ли сегодня вера в то, что нет никакого искусства женщин и мужчин, а есть лишь истинное искусство? И что мы сегодня думаем о "женской воплощенности" в работах столь разных художниц столь разного времени?
Итак, есть два противоположных способа говорить об искусстве женщин и производить его: традиционный ("мужской") и феминистский (оппозиционно "женский"). В рамках традиционного есть также ниша, предоставленная женщинам для воплощения привычных для них тем. Они известны — автопортрет, дети, быт, пейзаж, букет... Феминистская критика пытается переосмыслить канон, предлагая другие критерии интерпретации и производства. К ним, в частности, относят децентрированность мира, где мужчина больше не занимает привилегированного положения; предельно интимное общение со зрителем; максимальную актуализацию женских материалов ("шерсть, а не мрамор"); использование настоящего длительного времени (Г. Стайн); открытость цикличному времени; приоритет природного над цивилизационным, горизонтального над вертикальным, эмоционального над рациональным и многое другое. Забегая вперед, скажу, что галерея определенно ищет возможность третьего, серединного пути.
Галерейная выставка имеет понятные ограничения в объеме материала и обобщениях. Историческая часть этой групповой выставки не столько претендует на историчность, сколько отражает интерес и вкус Алины Пинской и маркирует важные для галереи вехи. Современная часть более обстоятельна и, если не обещает, то напрашивается на интригующее продолжение.
На выставке много ожидаемых лакун и неожиданных сближений. Скажем, от лирического реализма Веры Пестель до лирической абстракции Анны Старицкой (1950) большая и непрописанная дистанция. Скромная "Обнаженная" (1935) "тихой авангардистки" Пестель заметно противоречит ее же агрессивным графическим ню. (Заметим в скобках, не так уж тиха эта Вера Пестель, если уверяла учеников, что Репин пошловат, не чувствует цвета и пишет лишь "кожу вещей"). Единственный на выставке пример лирически-реалистического обнажения выглядит почти вызовом, и кажется, что обнаженная обулась, чтобы срочно уйти. Но в заметной редукции самого традиционного из "женских" мотивов видится сознательное решение. Экспозиционный акцент сделан здесь на различных видах абстракции, что усложняет работу гендерного различия. Более того, Наталия Гончарова представлена выразительной, но неузнаваемой цветочной композицией ("Эскиз декорации"), Анна Старицкая — не характерными для нее массивными переливами и контрастами цвета, но тщательно сбалансированной композицией. Геометрическая игра Риммы Заневской в данном контексте кажется лукавой, и в памяти всплывают ее стихи:
Как же тебе неуютно стоять
Перед моим
Тебя изучающим взглядом…
Даже краснеешь.
В рамках одной экспозиции "Композиции" Мастерковой (1960-е) вступают в непредвиденный диалог с "рок-н-рольными" композициями ранней Бегальской, а привычные метафизические гризайль-ландшафты Марии Серебряковой вытеснены ее же неожиданным объектом "Капли", где объявленные капли напоминают скорей сбитые самолеты. Приятной неожиданностью для поклонников Маревны может стать ее живописная "Ваза с цветами" (1930-е), свидетельство творческих поисков там, где, казалось, все уже найдено.
Серии "Солдаты" (2000-е) и "Диагноз" (2009) Наталии Турновой, где ее эпос о меняющемся времени неожиданно сбрасывал фирменные цвета и чернел, потеснились, чтобы дать место яркой фигуре снайпера из 90-х. Легко убедиться в том, что живопись Турновой не утратила ни суровой эмпатии, ни мифогенного измерения, оставаясь похожей только на саму себя.
Цвет и форма многих работ на выставке не кричат об особом женском взгляде и другой чувственности, и все-таки, думается, в той или иной степени свидетельствуют о той самой женской воплощенности, на которой энергично настаивала Иригарей. Справедливости ради заметим, что феминистское теоретизирование знало и сомнения, и меньшую, чем у Люс, требовательность. Скажем, профессор Гизела Экер примерно в то же время писала: "Если мы смогли довольствоваться утверждением, что в женском искусстве задействована другая чувственность, которую невозможно определить, то почему мы никак не оставим попыток определить ее?". Действительно, если до сих пор не найдена достоверность того, что считается "женским" в искусстве, то почему бы не продолжить поиски. И вряд ли стоит останавливаться, если в конкретном поиске заметен элемент мифотворчества, ведь история искусства не чужда производству мифов.
Псевдоабстракции Алены Кирцовой удивляют элегантностью и особым умением вдруг включить цвет, который имеет прямой доступ к самым непроговариваемым пластам восприятия и способен дружелюбно напомнить о чем-то подзабытом ("Интерьер коридора с зеркалом", "Вид на набережную с Москворецкого моста"). В ее серии "Маленькие ночные прогулки" цвет временами почти выключен, но интимная связь со зрителем не теряется.
Интерьеры Александры Паперно при их программной распахнутости отведены под некую семиотическую меланхолию и сновидческую недосказанность. Цвет приглушен и рассеян, многочисленные комнаты никуда не торопят, но реализуют шанс сказать самое необходимое, обнаружить самое сокровенное. Иногда это просто неразличимый для постороннего взгляда прямоугольник тонкой рисовой бумаги, тайная шторка на окне "своей комнаты", если вспомнить эссе Вирджинии Вульф.
В работах Ирины Петраковой происходит постоянная перегласовка текучего письма тела или его сбивчивой речи. Физиологические мотивы, напоминающие о Марии Лассниг, Фрэнсисе Бэконе или Люсьене Фрейде, всплывают автоматически, чтобы тут же исчезнуть, а главное, зафиксировать собственное, исповедальное и героическое формотворчество.
На выставке представлен и традиционно "женский" материал — вышивка. Но даже она способна терять традиционность, приобретая в работе Дуни Захаровой точность графического наброска и мастерство, сравнимое разве что с искусной лессировкой. "Киоты" Федоры Акимовой также заметно расширяют территорию этого медиума.
Ни одна каталогизация искусства не универсальна. Мужской взгляд не универсальнее женского, и наоборот. Мы не сможем с уверенностью определить пол автора по его или ее работам, однако пристальное внимание ко всем особенностям художественного высказывания, включая гендерные, максимально приближает искусство к универсальной возможности быть воплощенным.
Вера Пестель
Обнаженная, 1935
Холст, масло
70 х 46,5 см
Вера Ефимовна Пестель (1887 - 1952) — Живописец, график, сценограф. Училась в частной студии Э. Фализ (1902–1903), Строгановском училище (1903–1905), школе К. Ф. Юона и И. О. Дудина (1906–1907) в Москве, мастерской К. Э. Киша (1909–1911) в Будапеште, академии «Ла Палетт» (1912) в Париже у А. Ле Фоконье и Ж. Метценже. Посещала частные художественные мастерские Мюнхена; работала в коллективной свободной мастерской М. Ф. Ларионова «Башня» в Москве.
Жила в Москве. Путешествовала по Италии и Германии (1907). В конце 1900-х — начале 1910-х сблизилась с Л. С. Поповой, Н. А. Удальцовой, В. Е. Татлиным, Л. Ф. Жегиным; прошла через увлечение кубизмом, футуризмом, проявляла интерес к супрематизму К. С. Малевича. Член группы Малевича «Супремус».
Создавала натюрморты, портреты, пейзажи, абстрактные композиции. Занималась журнальной графикой, монументальной живописью. В начале 1920-х отошла от беспредметного искусства и начала работать в духе лирического реализма.
Участвовала в футуристической выставке «0,10» (1915), выставках в Художественном бюро Н. Е. Добычиной (1916–1917) в Петрограде, «Магазин» (1916) в Москве. Экспонент объединений «Союз молодежи», «Бубновый валет» (1916), «Мир искусства» (1917, 1921). Член и экспонент обществ «Маковец» (1922, 1924–1925), «Путь живописи» (1927, 1930). В советские годы участвовала в 1-й выставке профессионального союза художников (1918), 5-й Государственной выставке картин «От импрессионизма к субъективному искусству» (1918–1919) в Москве, 3-й выставке картин (1919) в Рязани, 1-й русской художественной выставке (1922) в Берлине, VII выставке группы «Л`Аренье» («Паук», 1925) в Париже и других
В 1920–30-х преподавала в созданной А. В. Бакушинским школе «Детское творчество» в Москве.
Произведения Пестель находятся в крупнейших музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Госу-дарственном Русском музее, Саратовском государственном художественном музее им. А. Н. Радищева.
Маревна
Женский портрет (Марика), к.1930-х
Холст, масло
55 х 46 см
Мария Воробьева-Стебельская — русская художница, принадлежащая к «Парижской школе» живописи. Ее работы являют собой оригинальный синтез пуантилизма и кубизма.
Воробьева-Стебельская, родом из Мариинского Посада, небольшого города в Чувашской республике, начала заниматься живописью в Тбилиси, куда по службе перевели ее отца, а затем – в 1910 – переехала в Москву и поступила в Строгановское училище.
В 1912 году художница переехала в Париж и поселилась в «Улье», чьими обитателями также были Давид Штеренберг, Амедео Модильяни, Фернан Леже, Марк Шагал, Хаим Сутин и другие.
В «Улье» Маревна сблизилась с кубистами, в особенности с Пикассо, Леже и Сутиным.
Маревна вела активную выставочную деятельность: выставлялась в парижских салонах — Тьюильри, Независимых; русского искусства в Лондоне, Париже; «Неоимпрессионизма» (Нью-Йорк, 1968); «Женщины-художницы Парижской школы» (Женева, 1975) и др.
Воробьева-Стебельская написала мемуары «Моя жизнь с художниками Улья», в которых рассказала о модернистах, с которыми была знакома.
Работы Воробьевой-Стебельской находятся в музейных и частных собраниях Парижа, Лондона, Женевы и других городов.
Анна Старицкая
Ритм, 1950-е г.
Холст, масло
100 х 50 см
Старицкая Анна Георгиевна (1908 - 1981) - живописец, график, художник декоративно прикладного искусства.
Племянница В. И. Вернадского. В начале 1920-х училась в детской художественной рисовальной школе Т. Л. Сухотиной-Толстой в Москве, позднее — в Школе изящных искусств в Софии (1926–1931).
В 1932–1947 жила в Брюсселе, затем — в Париже и Ницце. Занималась станковой и прикладной графикой — книжной иллюстрацией, дизайном рекламы. Работала в техниках офорта на меди и цинке, литографии, линогравюры, коллажа. Была близка к группе художников так называемой «Ниццкой школы».
Под влиянием мужа, бельгийского художника Гийома Орикса, в начале 1950-х увлеклась абстракцией. Создавала композиции, построенные на ярких, порой спонтанных сочетаниях красок. Для поздних работ (1970-е) характерно появление мифологических образов колдунов, духов, демонов.
С 1951 экспонировалась в салоне Новых реальностей в Париже. Провела ряд персональных выставок в Париже, Брюсселе, Антверпене, Ницце, Каннах и других городах. Ретроспективная выставка произведений состоялась в Санкт-Петербурге (2001).
Ольга Потапова
Абстракция, 1959 г.
Фанера, масло
38,5 х 28 см
Потапова Ольга Ананьевна (1892 — 1971) - Русская и советская художница, входившая в так называемую «Лианозовскую группу». Жена художника Евгения Кропивницкого, мать художников Льва и Валентины Кропивницких. Родилась в Орле. С 1917 года жила в Москве. Училась в университете Шанявского.
В 1920 году познакомилась со своим будущим мужем, художником и поэтом Евгением Кропивницким. В 1923 г., после нескольких лет жизни в провинциальных городах, семья поселилась под Москвой у железнодорожной станции Лианозово. Ольга Потапова в 20-е годы училась живописи в мастерских Ильи Машкова и Вениамина Эйгеса, в 1936-38 гг. — на отделении переподготовки кадров в области ИЗО Педагогического училища МосГорОНО. В 1930-е, как и муж, она преподавала живопись, участвовала в выставках художников-преподавателей. С 1941 года до конца 1950-х работала художником-оформителем.
В 1956 году Лев Кропивницкий, сын Ольги Потаповой, возвращается из ссылки. В 1957 году её зять, Оскар Рабин, после успеха на фестивальной выставке впервые получает возможность зарабатывать художественным трудом, а сама Ольга Потапова выходит на пенсию. Для семьи наступает время относительного благополучия. 60-е годы — самый плодотворный период в жизни художницы. В это время она полностью отказывается от изобразительности и пишет абстрактные картины.
Участвовала в выставке женщин-художниц (Москва, 1959), выставке двенадцати художников в клубе «Дружба» (Москва, 1967), выставке живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси, 1967). После смерти художницы её работы выставлялись на Измайловской выставке «на открытом воздухе» в 1974 г., в павильоне «Дом Культуры» на ВДНХ (Москва, 1975), на выставках Музея русского искусства в изгнании (1976, 1979, 1982), «Oscar Rabine et la “tribu des Kropivnitski”, l’Art Russe nonconformiste» (Париж, Galerie Jaquester, 1977), в Parkway Focus Gallery (Лондон, 1978), «Ретроспекция творчества московских художников. 1957-1987» (Москва, 1987), «Другое искусство» (ГРМ и ГТГ, 1991), «Lianosowo. Gedichte und Bilder aus Moskau» (Музей имени Даля, Москва, 1991), «Катакомбное икусство шестидесятых. Художники и поэты Лианозовской школы» (Галерея АЗ, Москва, 1994), выставке коллекции А. Глезера (ГМИИ, 1995), «Нонконформисты. Второй русский авангард 1955-1988. Собрание Бар-Гера» (Санкт-Петербург (ГРМ), Самара, Москва, 1996), «Абстракция в России. XX век» (ГРМ, 2001), АРТ МАНЕЖе (2002), выставках «Георгий Костаки и его время» (Московский Дом Национальностей, 2003), «Второй Авангард, Москва 1950–1970» (Париж, Hôtel de l’Industrie, 2007), «Пятьдесят на пятьдесят. Живопись и графика из коллекций Михаила Алшибая и Марка Курцера» (ГМИИ, 2007).
Работы Ольги Потаповой хранятся в Русском музее, Третьяковской галерее и Московском музее современного искусства.
Ольга Потапова
Абстракция, 1959 г.
Фанера, масло
38,5 х 28 см
Потапова Ольга Ананьевна (1892 — 1971) - Русская и советская художница, входившая в так называемую «Лианозовскую группу». Жена художника Евгения Кропивницкого, мать художников Льва и Валентины Кропивницких. Родилась в Орле. С 1917 года жила в Москве. Училась в университете Шанявского.
В 1920 году познакомилась со своим будущим мужем, художником и поэтом Евгением Кропивницким. В 1923 г., после нескольких лет жизни в провинциальных городах, семья поселилась под Москвой у железнодорожной станции Лианозово. Ольга Потапова в 20-е годы училась живописи в мастерских Ильи Машкова и Вениамина Эйгеса, в 1936-38 гг. — на отделении переподготовки кадров в области ИЗО Педагогического училища МосГорОНО. В 1930-е, как и муж, она преподавала живопись, участвовала в выставках художников-преподавателей. С 1941 года до конца 1950-х работала художником-оформителем.
В 1956 году Лев Кропивницкий, сын Ольги Потаповой, возвращается из ссылки. В 1957 году её зять, Оскар Рабин, после успеха на фестивальной выставке впервые получает возможность зарабатывать художественным трудом, а сама Ольга Потапова выходит на пенсию. Для семьи наступает время относительного благополучия. 60-е годы — самый плодотворный период в жизни художницы. В это время она полностью отказывается от изобразительности и пишет абстрактные картины.
Участвовала в выставке женщин-художниц (Москва, 1959), выставке двенадцати художников в клубе «Дружба» (Москва, 1967), выставке живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси, 1967). После смерти художницы её работы выставлялись на Измайловской выставке «на открытом воздухе» в 1974 г., в павильоне «Дом Культуры» на ВДНХ (Москва, 1975), на выставках Музея русского искусства в изгнании (1976, 1979, 1982), «Oscar Rabine et la “tribu des Kropivnitski”, l’Art Russe nonconformiste» (Париж, Galerie Jaquester, 1977), в Parkway Focus Gallery (Лондон, 1978), «Ретроспекция творчества московских художников. 1957-1987» (Москва, 1987), «Другое искусство» (ГРМ и ГТГ, 1991), «Lianosowo. Gedichte und Bilder aus Moskau» (Музей имени Даля, Москва, 1991), «Катакомбное икусство шестидесятых. Художники и поэты Лианозовской школы» (Галерея АЗ, Москва, 1994), выставке коллекции А. Глезера (ГМИИ, 1995), «Нонконформисты. Второй русский авангард 1955-1988. Собрание Бар-Гера» (Санкт-Петербург (ГРМ), Самара, Москва, 1996), «Абстракция в России. XX век» (ГРМ, 2001), АРТ МАНЕЖе (2002), выставках «Георгий Костаки и его время» (Московский Дом Национальностей, 2003), «Второй Авангард, Москва 1950–1970» (Париж, Hôtel de l’Industrie, 2007), «Пятьдесят на пятьдесят. Живопись и графика из коллекций Михаила Алшибая и Марка Курцера» (ГМИИ, 2007).
Работы Ольги Потаповой хранятся в Русском музее, Третьяковской галерее и Московском музее современного искусства.
Алена Кирцова
"Листва", 1988 г.
Из серии "Судак"
Холст, масло
120 х 120 см
Алена Кирцова (*1954)
Родилась в поселке Баренцбург на острове Шпицберген. В 1973–1975 училась живописи у Василия Ситникова. Принимает участие в выставках с 1977. В начале 1980-х предложила свою версию геометрической абстракции, редуцировавшей к чистым формам реальные визуальные образы — окна, лестницы, двери, углы.
Персональные выставки прошли в МГУ (1990), в "Первой галерее» (Москва, 1991), в Музее архитектуры имени А. В. Щусева («Стены и лестницы», совместно с Юрием Аввакумовым, 1991), в Государственном Русском музее (1994), в галерее Karmeliterkloster (Frankfurt — Aufenthalte, совместно с Гией Ригвавой, Франкфурт-на-Майне, 1996), в галерее «Роза Азора» («Красное вино — зеленая трава., 1996), в Московском центре искусств на Неглинной (2002), в галерее Стелла («Справочник по цвету», 2006), в Stella Art Foundation (.Север., 2010; «Серая шкала», 2014), в ММОМА («Вещество», 2010), в галерее Тотибадзе («ВхШхГ», 2016), в галерее ЕКАртБЮРО («Водораздел», 2022).
Произведения Алены Кирцовой находятся в коллекциях:
Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, Новосибирского государственного художественного музея, Музейного Центра «Площадь Мира» (Красноярск), Музея Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк), Corcoran Gallery of Art (Вашингтон), Художественного музея Зиммерли при Университете Ратгерс (Нью-Брансуик, США), Stella Art Foundation (Москва), а также в других публичных и частных собраниях.
Алена Кирцова
Интерьер коридора с зеркалом, 1986 г.
Из серии "Северное Чертаново"
Холст, масло
160 х 85 см
Алена Кирцова (*1954)
Родилась в поселке Баренцбург на острове Шпицберген. В 1973–1975 училась живописи у Василия Ситникова. Принимает участие в выставках с 1977. В начале 1980-х предложила свою версию геометрической абстракции, редуцировавшей к чистым формам реальные визуальные образы — окна, лестницы, двери, углы.
Персональные выставки прошли в МГУ (1990), в "Первой галерее» (Москва, 1991), в Музее архитектуры имени А. В. Щусева («Стены и лестницы», совместно с Юрием Аввакумовым, 1991), в Государственном Русском музее (1994), в галерее Karmeliterkloster (Frankfurt — Aufenthalte, совместно с Гией Ригвавой, Франкфурт-на-Майне, 1996), в галерее «Роза Азора» («Красное вино — зеленая трава., 1996), в Московском центре искусств на Неглинной (2002), в галерее Стелла («Справочник по цвету», 2006), в Stella Art Foundation (.Север., 2010; «Серая шкала», 2014), в ММОМА («Вещество», 2010), в галерее Тотибадзе («ВхШхГ», 2016), в галерее ЕКАртБЮРО («Водораздел», 2022).
Произведения Алены Кирцовой находятся в коллекциях:
Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, Новосибирского государственного художественного музея, Музейного Центра «Площадь Мира» (Красноярск), Музея Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк), Corcoran Gallery of Art (Вашингтон), Художественного музея Зиммерли при Университете Ратгерс (Нью-Брансуик, США), Stella Art Foundation (Москва), а также в других публичных и частных собраниях.
Лидия Мастеркова
Композиция, 1994 г.
Бумага, смешанная техника, коллаж
68×53 см
Лидия Мастеркова (1927 - 2008) - художница Лианозовской группы. Одна из первых обратилась к метафизической абстракции: геометрические фигуры наделяет сакральным значением. Художница часто прибегала к форме круга, будто решала задачи на равновесие и завершенность пластической формы.
В детстве увлекалась театром, музыкой, поэзией, посещала драматический кружок. Училась в Московской средней художественной школе (1943–1946), первым педагогом начинающей художницы был Михаил Перуцкий. Затем поступила в Московское городское художественное училище.
Входила в Лианозовскую группу. В конце 1950-х одной из первых начала заниматься абстрактным искусством и навсегда сохранила верность этому направлению.
Лидия Мастеркова рано начала участвовать в художественных выставках. Ее первая персональная выставка состоялась в 1961 году в доме искусствоведа И. Цирлина.
Она была участницей нашумевших московских выставок:
1967 — выставка произведений «двенадцати художников» в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов (Москва). Эта выставка была закрыта через два часа после вернисажа, причем работы Л. Мастерковой были сняты еще до открытия выставки;
1974 — 1-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» — так называемая «Бульдозерная выставка» (Москва);
1974 — 2-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» в лесопарке Измайлово (Москва); 1974 — Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);
1975 — выставка живописи московских художников в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (Москва).
В конце 1975 г. Лидия Мастеркова эмигрировала в Вену, а в марте 1976 г. попала во Францию, где жила в живописной деревне Сен-Лоран в 300 км от Парижа, заботясь о своих многочисленных домашних животных. «Во Франции я живу тихо, как мышь, я просто работаю и мне там не до разговоров» (из интервью с Л. Мастерковой, 24.01.2006).
В последние годы она создавала графические серии, а также крупноформатные живописные работы с элементами коллажа. Одна из таких картин стала ее последней работой.
После переезда на Запад Лидия Мастеркова много работала и активно выставлялась во Франции, США, Швейцарии, Германии, Италии. В Париже в 1977 году прошла ее персональная выставка в галерее Дины Верни.
Работы Лидии Мастерковой находятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва); Музее современного искусства (США), в Музее Циммерли (США), в коллекциях Дины Верни (Франция), Нортона Доджа (США) и др.
Лидия Мастеркова
Композиция, 1994 г.
Бумага, смешанная техника, коллаж
68×53 см
Лидия Мастеркова (1927 - 2008) - художница Лианозовской группы. Одна из первых обратилась к метафизической абстракции: геометрические фигуры наделяет сакральным значением. Художница часто прибегала к форме круга, будто решала задачи на равновесие и завершенность пластической формы.
В детстве увлекалась театром, музыкой, поэзией, посещала драматический кружок. Училась в Московской средней художественной школе (1943–1946), первым педагогом начинающей художницы был Михаил Перуцкий. Затем поступила в Московское городское художественное училище.
Входила в Лианозовскую группу. В конце 1950-х одной из первых начала заниматься абстрактным искусством и навсегда сохранила верность этому направлению.
Лидия Мастеркова рано начала участвовать в художественных выставках. Ее первая персональная выставка состоялась в 1961 году в доме искусствоведа И. Цирлина.
Она была участницей нашумевших московских выставок:
1967 — выставка произведений «двенадцати художников» в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов (Москва). Эта выставка была закрыта через два часа после вернисажа, причем работы Л. Мастерковой были сняты еще до открытия выставки;
1974 — 1-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» — так называемая «Бульдозерная выставка» (Москва);
1974 — 2-й осенний смотр картин «на открытом воздухе» в лесопарке Измайлово (Москва); 1974 — Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);
1975 — выставка живописи московских художников в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (Москва).
В конце 1975 г. Лидия Мастеркова эмигрировала в Вену, а в марте 1976 г. попала во Францию, где жила в живописной деревне Сен-Лоран в 300 км от Парижа, заботясь о своих многочисленных домашних животных. «Во Франции я живу тихо, как мышь, я просто работаю и мне там не до разговоров» (из интервью с Л. Мастерковой, 24.01.2006).
В последние годы она создавала графические серии, а также крупноформатные живописные работы с элементами коллажа. Одна из таких картин стала ее последней работой.
После переезда на Запад Лидия Мастеркова много работала и активно выставлялась во Франции, США, Швейцарии, Германии, Италии. В Париже в 1977 году прошла ее персональная выставка в галерее Дины Верни.
Работы Лидии Мастерковой находятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва); Музее современного искусства (США), в Музее Циммерли (США), в коллекциях Дины Верни (Франция), Нортона Доджа (США) и др.
Дуня Захарова
Пепел, 2022 г.
Ткань, вышивка
133×133 см
Дуня Захарова (*1987) - Молодая российская художница, которая работает с темами природы и экологии, сублимируя личный опыт и выстраивая собственную мифологию. Она создает образы эфемерных существ на грани реального и мистического, используя войлок и хлопковые нити.
Дуня родилась в Республике Саха (Якутия). С 2008 года принимает участие в выставках в музеях и галереях Москвы, Санкт-Петербурга, Парижа, Тулузы, Гренобля, Сан-Франциско. В 2016 году прошла первая персональная выставка «Вымершие виды» в Osnova Gallery (Москва).
В своем творчестве Захарова обращается к разным техникам – от традиционных, таких как акрил и масло на холсте или бумаге, до более оригинальных, таких как кропотливая и скрупулезная вышивка или создание объектов и «мягких скульптур» из разных видов тканей, войлока, нейлона, синтепона. В последних работах доминирующей техникой становится вышивка, которая всегда присутствовала в практике художницы, но была продолжением ее графических композиций. Сейчас для Захаровой нити становятся полноценной заменой краскам.
Все произведения художницы – это тщательно проработанные образы, которые кажутся похожими на фантастических существ из сказок или снов
и вместе являются частью персонального мироощущения. Сублимируя свои переживания, Дуня выстраивает нарратив, обращаясь к якутским корням, темам природы и времени, психическим расстройствам, различным несоответствиям и аномалиям.
Мария Серебрякова
TD#1, 2022 (2020) г.
Сталь
150×100х50 см
Мария Серебрякова (*1965) - Родилась в Москве. В 1983 окончила Московскую среднюю художественную школу (МСХШ) при МГХИ имени Сурикова. В 1984–1985 посещала занятия в Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова в качестве вольнослушателя. В 1986 вместе с Ильей Пигановым, Владиславом Ефимовым и Леонидом Бажановым была у истоков создания любительского объединения «Эрмитаж», выставки которого проходили в Беляево, в помещении на улице Профсоюзная, 100.
Приняла участие в documenta IX (Кассель, Германия), Новом берлинском фестивале искусств, в IV Триеннале скульптуры малых форм в Штутгарте, в выставке .Искусство и идея. в Мехико, 1-й и 2-й Московской международной биеннале современного искусства, а также в выставках в Центре современного искусства MоMA PS1 в Нью-Йорке, в Национальном музее современного искусства в Осло, в музее Стеделейк в Амстердаме и др.
С 1998 живет и работает в Берлине, Рюгене и Москве. Сегодня стиль художницы отличают сдержанность, монохромность, пейзажные сюжеты. Серебрякова работает как в графике, так и в скульптуре, создавая лаконичные композиции или инсталляции,
минималистичные по форме.
Работы находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, ММОМА, MoMA (Нью-Йорк, США), Художественного музея Зиммерли при Университете Ратгерс (Нью-Брансуик, США) и др.
Наталия Турнова
Из серии "Диагноз", 2009 г.
Холст, масло
170×110 см
Наталия Турнова (*1957) — художница и скульптор, занимающая особое место в современном российском искусстве. Она выросла на Востоке: родилась в Кабуле, столице Афганистана, а в возрасте пяти лет вместе с родителями переехала в государство Бирма в Юго-Восточной Азии. Исследователи творчества Турновой предполагают, что яркие, насыщенные краски Востока во многом повлияли на особенности колористики ее картин.
Окончив Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1983 году, она познакомилась с Борисом Орловым, художником, который отметил близость ее искусства к неофициальному, чт во многом определило ее дальнейший путь. С 1990-х годов Наталья Турнова стала одной из самых востребованных художниц. К этому времени она выработала свой собственный узнаваемый стиль: экспрессионистская манера, яркие цвета, большой формат, точная форма.
Турнова всегда была верна своей интуиции, не стремясь принадлежать ни к каким течениям и группировкам - и в итоге стала оригинальным художником и философом, для которого творчество - это то, что вырастает из жизни. Именно поэтому любое ее высказывание, рожденное в ходе долгих размышлений и многочисленных "проб и ошибок", - это декларация о бытии, о сути, сделанная тонким наблюдателем и исследователем.
Работы Натальи Турновой находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Дальневосточного художественного музея, Музея Оклахомы (США), Музея современного искусства Лодзь (Польша) и других.
Наталия Турнова
Снайпер, 1994 г.
Холст, масло, серебряная эмаль
200×170 см
Наталия Турнова (*1957) — художница и скульптор, занимающая особое место в современном российском искусстве. Она выросла на Востоке: родилась в Кабуле, столице Афганистана, а в возрасте пяти лет вместе с родителями переехала в государство Бирма в Юго-Восточной Азии. Исследователи творчества Турновой предполагают, что яркие, насыщенные краски Востока во многом повлияли на особенности колористики ее картин.
Окончив Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1983 году, она познакомилась с Борисом Орловым, художником, который отметил близость ее искусства к неофициальному, чт во многом определило ее дальнейший путь. С 1990-х годов Наталья Турнова стала одной из самых востребованных художниц. К этому времени она выработала свой собственный узнаваемый стиль: экспрессионистская манера, яркие цвета, большой формат, точная форма.
Турнова всегда была верна своей интуиции, не стремясь принадлежать ни к каким течениям и группировкам - и в итоге стала оригинальным художником и философом, для которого творчество - это то, что вырастает из жизни. Именно поэтому любое ее высказывание, рожденное в ходе долгих размышлений и многочисленных "проб и ошибок", - это декларация о бытии, о сути, сделанная тонким наблюдателем и исследователем.
Работы Натальи Турновой находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Дальневосточного художественного музея, Музея Оклахомы (США), Музея современного искусства Лодзь (Польша) и других.
Натта Конышева
Презентация книги Лаврина «Хроники Харона», 1993 г.
Холст, масло
75×143 см
Натта Конышева (1935 - 2022) родилась в Москве. В 1959 году окончила Московский полиграфический институт, где ее наставником был Элий Белютин, создатель студии «Новая реальность». В 1960–70-х работала в промграфике. Член Творческого объединения женщин-художников «Ирида». В 1974 вступила в МОССХ (Московский Союз Художников), а позднее — в Горком графиков.
В своем творчестве Натта Конышева обращается к тому, что происходит на московских улицах, в квартирах, кафе, галереях — в безудержной московской стихии, в которой обитают многочисленные фантасмагоричные жители, парящие и зачастую перевернутые вверх ногами. Работы Натты Конышевой — сгусток самых разных течений искусства ХХ века: примитивизма, постимпрессионизма, экспрессионизма и сюрреализма.
За спиной художницы большой список экспозиций, который начинается с неформальных «квартирников» — широко распространенных выставок в квартирах художников или близких к ним любителей, друзей, собирателей и пр., и полуразрешенных показов на свежем воздухе вроде «бульдозерной выставки». Персональные выставки Натты Конышевой минимум 7 раз были в Москве и дважды во Франции (1988, 1994). А весной 2016 года в пространстве музея АРТ4 в Москве прошла выставка, приуроченная к 80-летию художницы, на которой были показаны произведения 1970–80-х годов из коллекции Игоря Маркина и живописные полотна 2000–2005 годов (собрание М. Егорова и Е. Комаренко).
Работы Конышевой находятся в коллекциях Русского музея и Третьяковской галереи, а также в других крупных собраниях.
Римма Заневская (Сапгир)
Композиция, 1968 г.
Картон, темпера
54×54 см
Римма Заневская (1930 - 2021) - родилась в Саранске в Мордовии. В 1944–1945 училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. В 1962–1966 входила в состав группы художников-кинетистов (позже — группа «Движение»). Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила и работала в Москве.
Произведения Риммы Заневской отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. Работы находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи и других частных и государственных коллекциях.
Александра Паперно
Пространство картины, 2015-2018 г.
Холст, акрил, рисовая бумага
200х160 см
Александра Паперно (*1978) родилась в Москве. В 1996–2000 училась в Купер-Юнион (Нью-Йорк) у Дори Эштон, Роберта Бриира и Ханса Хааке. В 2004 состоялась первая персональная выставка в ГЦСИ (Москва), за которой последовали многочисленные персональные выставки, в том числе в ММОМА (2009), галерее «Виктория» (Самара, 2011), Центре современной культуры «Смена» (Казань, 2015), галерее Volker Diehl (Берлин, 2018), Музее архитектуры имени А. В. Щусева (2018), Studiocur/art at Paris Internationale Nonprofit Program (Париж, 2021).
Среди групповых проектов: Пражская биеннале современного искусства (2005), Dreaming Russia (Музей Альбертина, Вена, 2013), 5-я Московская международная биеннале современного искусства .Больше света. 100 101 (2013), «Молоко без бутылки» (Приволжский филиал ГЦСИ, Нижний Новгород, 2014), «Кинотеатр повторного фильма» (кинотеатр «Круговая кинопанорама» ВДНХ, Москва, 2015), «Обсерватория» (Специальная астрофизическая обсерватория РАН, Нижний Архыз, 2016), 4-я Уральская индустриальная биеннале «Новая грамотность» (2017), Первая Триеннале российского современного искусства (Музей «Гараж», Москва, 2017), Moenlight Sonata (Kunsthal 44, Мён, 2018), «Генеральная репетиция» ММОМА, 2018), «Передумали? Ничего страшного!» (Музей MAMbo, Болонья, 2018), «Город завтрашнего дня» (Государственная Третьяковская галерея, Москва, 2019), «Посмотри наверх, падает небо» (галерея MYTH, Санкт-Петербург, 2019), «Кондуити Швамбрания» (Дом творчества Переделкино, 2022) и др.
Работы Александры Паперно находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, ММОМА, ГЦСИ, Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина, Фонда V-A-C, Музея современного искусства M HKA (Антверпен, Бельгия) и др.
Вика Бегальская
Летчица, 2008 г.
Холст, масло
141х195 см
Вика Бегальская (*1975) родилась в Днепропетровске. Окончила Харьковскую государ-ственную академию дизайна и искусств. В 2001 переехала в Москву и начала сотрудничество с галереей pop/off/art, в которой прошло несколько персональных выставок художницы. Кроме основного медиа — живописи, занимается также видео и перформансом. В 2013 совместно с Оксаной Саркисян и Владиславом Чиженковым основала художественную платформу «Феминистская кухня» в Москве. С 2014 работает совместно с Александром Вилкиным. В 2014 совместно с Александром Вилкиным и Дианой Портленд основала творческий союз секс-работников и художников «Тереза» в Санкт-Петербурге.
С 2014 творческим союзом было осуществлено несколько художественных проектов, в том числе два кукольных спектакля:
«Пояс Афродиты» и «Военные ботинки просят нежности».
В 2015 «Пояс Афродиты» был выдвинут на соискание премии «Инновация» в номинации «Главный визуальный проект года», в 2016 проект вошел в коллекцию Антверпенского музея современного искусства MHKA.
Среди групповых выставок: «Гендерные волнения» (спецпроект в рамках 1-й Московской международной биеннале современного искусства, ММОМА, 2005); «ArtDigital: Пограничное состояние» (спецпроект в рамках 2-й Московской международной биеннале современного искусства, галерея «Марс», 2007); Свободные пространства (спецпроект в рамках 4-й Московской между-народной биеннале современного искусства, Москва, 2011); «Кинопрограмма 5-й Московской международной биеннале современного искусства» (ЦВЗ «Манеж», 2013); «Поколение XXI. Дар Владимира Смирнова и Константина Сорокина (Третьяковская галерея, 2020) и др.
Работы Вики Бегальской представлены в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, ММОМА, Музея современного искусства M KHA (Антверпен, Бельгия), ГЦСИ, Центра современного искусства «Заря» (Владивосток).
Федора Акимова
Android Tatianaв 14, 2021 г.
Холст, масло, вышивка
60х50 см
Федора Акимова (*1987) родилась в Киеве. В 2004–2008 училась на факультете книжной и печатной графики в Киевском политехническом институте имени Игоря Сикорского. Работала иллюстратором. В 2009 переехала в Калининград, затем в Санкт-Петербург. В 2011– 2017 училась в Академии художеств имени Репина на отделении сценографии. Через призму театра и сцены начала заниматься современным искусством. Переехала в Москву. В 2018 окончила Школу современного искусства. Свободные мастерские. при Московском музее современного искусства. Принимала участие в групповых выставках ММОМА (2018), Музея .Гараж. (2021), ярмарках современного искусства Cosmoscow (2018, 2021). Персональные выставки прошли в ММОМА (.Код произведения., 2021), в галерее Lazy Мike (.Ил., 2021) и др. В марте 2022 представила инсталля- цию Noah в Voskhod Gallery в Базеле (Швейцария); в июле 2022 — проект .Гомин. в Ria Keburia Foundation в Тбилиси (Грузия). С 2022 — художник- резидент и преподаватель в Школе искусств и дизайна в Сент-Этьене (Франция).
Федора Акимова специализируется на инсталляциях, видео, скульптурах и объектах, в которых соседствуют социальные и антропологические темы. Работы находятся в коллекциях по всему миру.
Федора Акимова
Antianthrop 12, 2021 г.
Шинковка СССР, разделочная доска IKEA, стекло от циферблата. детали мебели СССР, ткань, вышивка, игрушки45×30×35 см
Федора Акимова (*1987) родилась в Киеве. В 2004–2008 училась на факультете книжной и печатной графики в Киевском политехническом институте имени Игоря Сикорского. Работала иллюстратором. В 2009 переехала в Калининград, затем в Санкт-Петербург. В 2011– 2017 училась в Академии художеств имени Репина на отделении сценографии. Через призму театра и сцены начала заниматься современным искусством. Переехала в Москву. В 2018 окончила Школу современного искусства. Свободные мастерские. при Московском музее современного искусства. Принимала участие в групповых выставках ММОМА (2018), Музея .Гараж. (2021), ярмарках современного искусства Cosmoscow (2018, 2021). Персональные выставки прошли в ММОМА (.Код произведения., 2021), в галерее Lazy Мike (.Ил., 2021) и др. В марте 2022 представила инсталля- цию Noah в Voskhod Gallery в Базеле (Швейцария); в июле 2022 — проект .Гомин. в Ria Keburia Foundation в Тбилиси (Грузия). С 2022 — художник- резидент и преподаватель в Школе искусств и дизайна в Сент-Этьене (Франция).
Федора Акимова специализируется на инсталляциях, видео, скульптурах и объектах, в которых соседствуют социальные и антропологические темы. Работы находятся в коллекциях по всему миру.
Мария Кошенкова
Объект No24 из серии «Bodegones», 2021г.
Алюминий, литье в песок, окраска эмалями, зеркало
159х77х12,5 см
Мария Кошенкова (*1981) - художник и скульптор, известная созданием произведений из стекла. Работает в России и Дании.
По мнению Марии, стекло - идеальный материал для создания сложносочиненных объектов и для исследования хрупкого баланса, находящегося на границе красоты и брутальности.
Обычно Мария создает серию скульптур в рамках одной концепции. Сначала рождается идея, а уже потом под нее подбираются материалы, поэтому они так разнообразны: стекло, воск, бумага, «найденные объекты».
Ирина Петракова
Связь невидимки со слепой, 2021 г.
Холст, ойлстик, уголь
153х104 см
Ирина Петракова (*1980) родилась в Сибири в городе Усть-Илимске. В 2003 окончила художественно-графический факультет в Новосибирске. В 2010–2011 училась в Институте современного искусства в Москве, в 2011–2013 — в институте «БАЗА», в 2015 — в Зальцбургской летней академии искусств в классе скульптуры Норы Шульц. В 2015 состоялась первая персональная выставка GunPowder в ЦСИ «Заря» во Владивостоке. В 2015–2018 — соорганизатор и создатель арт-центра «Красный» в Москве. Занимается художественной и образовательной практикой с детьми и подростками. Живет и работает в Москве.
В 2021 состоялась персональная выставка «Проявляется исчезновением» в ММОМА. Ирина Петракова использует разные виды искусства от вышивки и графики масляными карандашами до видео, скульптуры, инсталляции. В фокусе ее художественной оптики — хтоническое, тема сектантства, религии, медиа. Художница исследует мрачную, подсознательную сторону реальности и ее проявления в повседневности.
Работы находятся в коллекциях Daniel et Florence Guerlain, ММОМА, Фонда Ruarts, ЦСИ .Заря., Iragui Gallery и в частных собраниях.
Света Холлис
Side story, 2022 г.
Холст, акрил
136 х 99,5 см
Света Холлис (*1995) родилась в Новосибирске. В 2018–2021 училась в Московской
школе фотографии и мультимедиа имени А. Родченко, в 2022 — в лондонском Колледже искусства и дизайна Святого Мартина. В 2019 состоялась первая персональная выставка 5 O’clock Saints в Московской школе фотографии и мультимедиа имени А. Родченко. Принимала участие в выставках «Записывая архитектуру» (Молодежный центр Эрмитажа, Санкт-Петербург, 2016), «Скажи, кто твой….» Сибирский филиал Государственного центра современного искусства, Томск, 2017), «Классное собрание» (Центр современного искусства .Винзавод., Москва, 2018), «A-real ШШШ» (Электромузей, Москва, 2019), 2-я Триеннале российского современного искусства (Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020). Живет и работает в Стамбуле (Турция). В своей практике Светлана Холлис использует преимущественно холст и собственное тело как материал для художественного производства.
Работы находятся в собрании Мультимедиа Арт Музея и ММОМА.