Выставка в честь 5-летия галереи. Работы художников-нонконформистов, произведения молодых авторов и европейская живопись из коллекции галереи.
26 Апреля - 31 Октября 2022
Вчера,
сегодня, всегда...
Вчера, сегодня, всегда
Выставка «Вчера, сегодня, всегда», предлагающая зрителю столкновение различных мировоззрений, биографий, опытов, - не просто подведение итогов и набросок опытов будущих. Она - очередной эксперимент Галереи Алины Пинской, подкрепленный верой в то, что качество искусства не зависит от языка, на котором оно говорит.
26 апреля в Alina Pinsky Gallery открылась выставка «Вчера, сегодня, всегда», посвященная пятилетию галереи.
На юбилейной выставке представлены работы авторов нескольких поколений — как художников-нонконформистов, чей авторский стиль формировался в условиях замкнутой социокультурной среды, так и новые произведения молодых авторов, чье профессиональное становление начиналось в условиях мультикультурности, интернационализма и свободного арт-рынка. Организованная в пространстве «белого куба» экспозиция дает возможность зрителю проследить если не преемственность художественных традиций и идей за последние пятьдесят лет, то их органичное сосуществование в рамках единого культурного поля. Произведения Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Франциско Инфанте, Владимира Андреенкова, Тима Парщикова, Евгения Музалевского, Дуни Захаровой и Игоря Скалецкого соседствуют на выставке с работами из коллекции галереи, таких авторов как Римма Заневская, Серж Шаршун, Клод Бельгард, Эдгар Жилле и других.
Советский нонконформизм разных направлений представлен работами Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Франциско Инфанте и Нонны Горюновой, Риммы Заневской, Владимира Андреенкова.
Эти художники давно считаются классиками советского неофициального искусства второй половины ХХ века, а их работы находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музея современного искусства, Фонда Людвига в Вене, Центра Помпиду в Париже, Музея Зиммерли в Нью-Джерси и в других известных собраниях по всему миру. Всех их объединяет увлеченность в разные годы идеями авангарда и аналитический подход к конструированию композиции на плоскости.
На юбилейной выставке представлены работы авторов нескольких поколений — как художников-нонконформистов, чей авторский стиль формировался в условиях замкнутой социокультурной среды, так и новые произведения молодых авторов, чье профессиональное становление начиналось в условиях мультикультурности, интернационализма и свободного арт-рынка. Организованная в пространстве «белого куба» экспозиция дает возможность зрителю проследить если не преемственность художественных традиций и идей за последние пятьдесят лет, то их органичное сосуществование в рамках единого культурного поля. Произведения Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Франциско Инфанте, Владимира Андреенкова, Тима Парщикова, Евгения Музалевского, Дуни Захаровой и Игоря Скалецкого соседствуют на выставке с работами из коллекции галереи, таких авторов как Римма Заневская, Серж Шаршун, Клод Бельгард, Эдгар Жилле и других.
Советский нонконформизм разных направлений представлен работами Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Франциско Инфанте и Нонны Горюновой, Риммы Заневской, Владимира Андреенкова.
Эти художники давно считаются классиками советского неофициального искусства второй половины ХХ века, а их работы находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музея современного искусства, Фонда Людвига в Вене, Центра Помпиду в Париже, Музея Зиммерли в Нью-Джерси и в других известных собраниях по всему миру. Всех их объединяет увлеченность в разные годы идеями авангарда и аналитический подход к конструированию композиции на плоскости.
К выставке издан каталог со вступительной статьей Ирины Горловой – искусствоведа, куратора и директора отдела Новейших течений Государственной Третьяковской галереи, и специалиста в области гендерных исследований. Он содержит иллюстрации всех представленных на выставке работ, биографии авторов и фото экспозиций галереи.
Ирина Горлова
Контуры искусства
В октябре 2020 года, в состоящем из нескольких стильных залов пространстве галереи Алины Пинской, на первом этаже знаменитого кекушевского Дома Исакова на Пречистенке открылась выставка «Четкие контуры». Выставка представила произведения, общим знаменателем которых были композиции, образованные прямыми линиями и геометрическими фигурами, работы, прошедшие проверку характером, вкусом, временем. Проект стал попыткой определить ареал российского искусства, близкого международному направлению «минимал-арт».
Понятие «русский минимализм» не утвердилось в искусствознании, и это объяснимо. Во времена, когда на Западе минималистское искусство, переводившее уроки авангарда и европейского модернизма в строгую аскезу монохромов и отличавшиеся упорядоченностью форм объемы, возникло как альтернатива уличенному в рекламной беспринципности «поп-арту» и элитарному, претендующему на мистическую «духовность» абстрактному экспрессионизму, в Советском Союзе проходили – одновременно в разных направлениях – поиски нового языка, отличного от норм господствующего социалистического «академизма» и сакральности «тихого» искусства, возможность овладения которым открывали библиотечные залы, запасники музеев и «фестивальные» зарубежные выставки. Опыты в области абстрактного экспрессионизма Лидии Мастерковой и «сигнальная система» Юрия Злотникова возникли параллельно. Приверженность ряда художников к геометрической абстракции не стала реакцией протеста против других форм современного искусства, но следствием знакомства с открытиями русского авангарда, ставшими примером не для подражания, но продолжения прерванного на долгие годы эксперимента. В арсенале американского минимализма оказались промышленные материалы, сознательно применяемые для производства культивировавших «холодную» пластику произведений. Советские «геометристы» осуществляли свои опыты на листах оставшегося от ремонтных работ оргалита при помощи красок, которые использовались для создания информационных стендов. Не потому, что они соответствовали их исканиям, а поскольку профессиональные художественные материалы были практически недоступны вне официальных заказов. Однако этот дефицит оказал свое влияние на формирование пластического языка, спровоцировав, например, появление новой скульптуры, состоявшееся в Абрамцеве, на дач, которую снимала компания друзей. В арсенале молодых экспериментаторов были дрова, доски и брус, грубую фактуру и пластику которых Игорь Шелковский, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Дмитрий Пригов сделали едва ли не главным выразительным средством своих композиций. Так появились первые рубленые рельефы Шелковского, которые не скрывали в названиях вдохновляющей автора реальности, просто реальность эта воплощалась в брутальной пластике – полено диктовало абстрагирование и аскетичность форм.
Игорь Шелковский – первый современный российский художник, с которым начала работать галерея «Палисандр». В ставших со временем в буквальном смысле утонченными, «нарисованных» прямыми линиями прозрачных скульптурах Шелковского создатель галереи Алина Пинская увидела интересовавший ее симбиоз искусства и дизайна. Открывшаяся пять лет назад в элегантно переделанном под себя пространстве одного из бывших промышленных корпусов Трехгорной мануфактуры галерея с первых выставок отличалась неординарным подходом к экспозиционным проектам. «Палисандр», заявившая о себе эксклюзивной коллекцией предметов дизайна, представляющей широкий временной диапазон – от 1930-х годов до начала XX века, – продемонстрировала не только высокий уровень профессионального отношения и взыскательный вкус, но и понимание дизайна как одного из видов не производства, но искусства двадцатого столетия. Галеристка отказалась от типичного приема дизайнерских бюро, когда картины представляют предметом декора, чем-то вроде эскорта, сопровождающего кресло, комод, диван. Скорее, наоборот, .Палисандр. показывала живопись, к которой подби-рались достойные ее артефакты, вроде стола Жана Пруве или стульев Джузеппе Пагано.
Выставка в Мультимедиа Арт Музее Mad House стала первым громким проектом галереи, доступным широкой публике. Произведения искусства из вымышленного собрания безумного коллекционера густо покрывали стены, а в центре зала на высоких подиумах, как скульптурные монументы, были расположены предметы дизайна, лишенные возможности использования по функциональному назначению. В 2018 году галерея .Палисандр. организовала персональную выставку Игоря Шелковского, на которой помимо скульптур и рельефов мастера было представлены кресла, сделанное по маленькой модели, обнаруженной Алиной Пинской в мастерской художника. Такая находка была неслучайной – ведь Шелковский, как истинный наследник авангарда, и сегодня увлечен идеей преобразования жизни посредством искусства. Поэтому его скульптуры всегда содержат в себе потенциал стать монументальными объектами, предназначенными для изменения городской среды. Алина Пинская сумела воплотить мечту Шелковского, переведя несколько его миниатюрных моделей в монументальный масштаб. В результате этого опыта во дворе Третьяковской галереи на Крымском Валу появились .Люди. Шелковского, вошедшие в коллекцию музея благодаря дару четы Пинских. А собрание шедевров мастера пополнилось креслами, столами, вазами.
Но вернемся к выставке .Четкие контуры.. Она открыла не только новую страницу в жизни галереи. С переездом на Пречистенку галерея .Палисандр. изменила название, став Галерей Алины Пинской. Эта персонализация произошла вместе с убежденностью галеристки, что она может ступить на территорию современного искусства уже без поддержки дизайна. И без страха войти в пространство, которое является одним из самых закрытых в художественном мире, где на всякого новичка смотрят пристально и оценивающе. Вместе со сменой пространства и имени изменилась концепция. Алина Пинская задалась целью продемонстрировать жизнеспособность определенных явлений в российском искусстве на международной сцене. Предприняв исследование развития искусства второй половины XX века, она отправилась на поиски .соратников. Шелковского. В результате была сформирована выставка, которая объединила приверженцев .четких контуров., начинавших свои эксперименты в 1960–70-х годах: Римму Заневскую и Михаила Чернышова, Франциско Инфанте и Юрия Злотникова, Бориса Турецкого и
Александра Юликова, Нонну Горюнову и Владимира Андреенкова. Эти художники принадлежали к разным .кланам., вышли из различных .ближних кругов., они редко выставлялись рядом. И это был новый взгляд на историю искусства, не привязанный к классической истории .андеграунда., в котором были свои секты, группировки и движения. Римма Заневская и Франциско Инфанте на какое-то время были связаны с группой .Движение., но если Инфанте триумфально продолжил сольную карьеру, сделав в конце 1960-х шаг в сторону .артефакта., то Заневская завершила свои эксперименты на поле современного искусства в начале 1970-х, поэтому ее работы стали раритетом, а сейчас вообще практически все разошлись по музейным и частным коллекциям.
Александр Юликов и Михаил Чернышов в своем искусстве соединяли живописные и перформативные практики, сделав живопись пространством для рефлексивных опытов. Владимир Андреенков эксперименты в духе неопластицизма начал благодаря работе в области графического дизайна, а Борис Турецкий и Юрий Злотников в первых опытах конца 1950-х балансировали между геометрией и экспрессивной абстракцией. В галерее Пинской они оказались в одном пространстве, объединенные по формальному признаку. Но это соединение было далеко от всеохватности многочисленных выставок .русской абстракции., отбор участников отличался строгостью, сопоставление обнаружило множество точек соприкосновения, а экспозиция – четкость и изысканность сочетаний.
В феврале 2021 года в Галерее Пинской открылся проект Франциско Инфанте и Нонны Горюновой, представивший новую, неожиданную серию ночных .артефактов., продемонстрировавших современность опытов и неисчерпаемый запас творческой энергии авторов. А спустя несколько месяцев Алина Пинская буквально создала выставку Михаила Чернышова, ставшую настоящим событием в мире искусства, открытием художника, произведения которого постоянно присутствуют в экспозиции Третьяковки и участвуют в .эпохальных. проектах, но никогда не показывались в развитии.
Дальнейшая жизнь галереи приготовила еще один радикальный поворот.
В 2021 году Алина Пинская организовала персональную выставку недавнего выпускника Школы Родченко, молодого художника Евгения Музалевского. Вместо проверенной .классики., вместо имен, утвержденных в истории искусства, вместо .четких контуров. она показала экспрессию на грани абстракции и фигуративности, в которой вспышки воспоминаний сливались с запечатленными мгновениями реальности. Вместо минимализма и выверенности безупречных композиций, построенных на принципе необходимости, – искусство, в котором главенствует спонтанность, расточительность, неконтролируемое живописание.
Настоящая же выставка, организованная к юбилею галереи, сталкивает вместе два поколения художников – две упомянутые художественные системы. И этот шаг вновь можно рассматривать как вызов, который является продолжением стратегии галереи, продемонстрировавшей за свою пятилетнюю историю необыкновенную дерзость и уверенность в выборе ориентиров. В одном пространстве соединились никогда до этого не выставлявшиеся в России цветные скульптуры, а также рельефы и .трафаретные. картины Игоря Шелковского и вышитые длинными стежками аллегории водных стихий Дуни Захаровой; сочетающие поп-артовские знаки и минималистскую структуру композиции Михаила Чернышова и .случайные. пятна и линии Евгения Музалевского; преображающие ландшафты ночные линии .артефактов. Франциско Инфанте и Нонны Горюновой и кажущиеся внедренными в природу инсталляциями картины реальности, пойманные камерой Тима Парщикова; отточенные сопряженные плоскости Владимира Андреенкова и порожденные опытами цифровых коллажей и призраков югендстиля живописные мутанты Игоря Скалецкого. А рядом – как будто лакмусовые бумажки, как сторонние, но нужные рифмы – отбрасывающие тени круги и линии Риммы Заневской, хранящие воспоминание о пейзажах и орнаментах картины Эди Леграна, энергичный монохромный хаос Роже-Эдгара Жилле, тающие формы в мареве туманных абстракций Сержа Шаршуна и Клода Бельграда.
Выставка .Вчера, сегодня, всегда., предлагающая зрителю столкновение различных мировоззрений, биографий, опытов, – не просто подведение итогов и набросок опытов будущих. Она – очередной эксперимент Галереи Алины Пинской, подкрепленный верой в то, что качество искусства не зависит от языка, на котором оно говорит.
И интересно, что Пинская не ищет в сегодняшнем дне продолжения столь ценимой и пропагандируемой классики, основанной на прямых линиях и геометрических фигурах, понимая, что .четкие контуры., помогавшие художникам противостоять рыхлости окружающей действительности, сегодня сменились желанием окутать хаос современного бытия длинными стежками и сворачивающимися в клубок нитями, деформирующими реальность пятнами и накладывающимися друг на друга формами. Прозрачность сменилась многослойностью, организация пространства – стремление подчиниться его потокам, попытки удержать контроль над реальностью – воспроизведением мира, в котором сознание следует за материей.
Экспозиция
Избранные работы
Композиция, 2018
Фанера, акрил
65 х 50
Я не могу не растаять, 2022
Холст, масло
174,5 × 140 см
Холст, масло
174,5 × 140 см
Бах, Бранденбургский концерт №3, 1959
Холст, масло50 × 100 см
Первосцена, 2022
Холст, масло
159 × 127 см
Холст, масло
159 × 127 см
Невеста-отшельница, 2022
Холст, масло
Холст, масло
139 × 140 см
Contacts №2, 1960
Холст, масло, вышивка
55 × 38 см
Без названия, 2019
Холст, смешанная техника
141,1 × 120,5 см
Холст, смешанная техника
141,1 × 120,5 см
Парижский самолет, 1981
Холст, масло
160 × 200 см
Холст, масло
160 × 200 см
Эбэ, 2, 2022
Ткань, вышивка
147,5 х 191 см
Из серии "Цветы", 2007
Оргалит, масло
154 × 122 см
Розовое панно, 2014
Дерево, акриловый пигмент18 частей: 80 х 60 см каждая, общий размер: 240 х 360 см
Разноцветное дерево, 1999
Дерево, краска
67 × 41 х 28,5 см., основание: 19 х 16 см
Дерево, краска
67 × 41 х 28,5 см., основание: 19 х 16 см
Абстрактная композиция, 1950-е
Холст, масло
97 × 130 см
Женя и Вика грабят банк, 2020
Холст, масло
150 × 140 см
Холст, масло
150 × 140 см
Israel Dead Sea, 2013
Из серии 'Dead Time'
Фотопечать, пластификация, алюминиевый профиль
80 × 120 см. Тираж: 3/5 + 1 A.P.
Из серии 'Dead Time'
Фотопечать, пластификация, алюминиевый профиль
80 × 120 см. Тираж: 3/5 + 1 A.P.
Композиция, 1980-е
Бумага, смешанная техника
83,5 × 88,5 см
Бумага, смешанная техника
83,5 × 88,5 см
Женщина у моря, 1956
Холст, масло
60 × 70 см
Холст, масло
60 × 70 см
Видимость, 1956
Холст, масло
81 × 100 см
Холст, масло
81 × 100 см
Композиция, 1948
Холст, масло
38 × 46 см
Холст, масло
38 × 46 см
Артефакты, из серии «К ночи», 2020
Хромогенная печать, бумага Fujiflex Crystal Archive
115 х 170 см. Тираж: 1/2 + 2 A.P.
Хромогенная печать, бумага Fujiflex Crystal Archive
115 х 170 см. Тираж: 1/2 + 2 A.P.
Абстрактная композиция, 1970
Холст, масло
73 ×100 см
Холст, масло
73 ×100 см
Композиция, 1969
Холст, темпера
90 × 90 см
Холст, темпера
90 × 90 см
Лето № 3, 2007
Холст, масло
150 × 90 см
Холст, масло
150 × 90 см
Композиция, 1960
Холст, масло
81 × 116 см
Холст, масло
81 × 116 см
Владимир Андреенков
Композиция, 2018
Фанера, акрил
65 х 50 см
Владимир Андреенков (род. 1930) — советский и российский живописец, скульптор и график-нонконформист, один из пионеров геометрической абстракции в нашей стране.
Владимир Андреенков родился 23 августа 1930 года в городе Чаусы на востоке Беларуси. В 1944 году поступил в МСХШ. В 1958 году окончил Суриковский институт. Тогда же участвует сразу в двух этапных для его поколения художников выставках: в 4-й московской Молодежной выставке на Кузнецком мосту, 11 и во Всесоюзной художественной выставке «40 лет ВЛКСМ» в московском Манеже, где экспонирует «Женский портрет». После защиты диплома зарабатывал на жизнь как иллюстратор в различных издательствах. С1962 года член Союза художников СССР, с 1968 — в штате Комбината графических искусств МОСХ, где показывает эстампы: линогравюры и литографии. С 1970 года выставляется за границей, в основном в Швейцарии. В 1987 году, совместно с Ю. Злотниковым, Д. Приговым, Б. Орловым, П. Малиновским) участвует в создании «Первого творческого объединения». Относительный успех приходит к художнику в годы падения железного занавеса и распада СССР. После 1989 года Андреенков становится востребованным, его приглашают участвовать во множестве выставок России и за рубежом.Зрители и критики отмечают музыкальность работ художника: об этом говорят и сочетания контрастных, часто очень звучных, спектрально-чистых цветов, и ясность пропорций, и заострённая резкость границ между цветовыми плоскостями, и выразительный линейный ритм. В самих названиях работ заметны прямые отсылки к музыкальным темам: перед нами многочисленные «Созвучия», «Концерты», «Вариации», «Фуги» (Красная, Синяя, Зелёная), «Трио» (Альт, Виолончель, Скрипка), «Ритмы» и т. д.
В 2001 и 2015 годах в выставочном зале Союза художников на Кузнецком мосту были представлены ретроспективные выставки художника. Работы Андреенкова находятся в коллекциях ГТГ, ГРМ, музеев Тулы, Белгорода, Орла, Кемерова, Владивостока, Могилёва, Падуи.
Владимир Андреенков
Лето № 3, 2007Холст, масло
150 × 90 см
Владимир Андреенков (род. 1930) — советский и российский живописец, скульптор и график-нонконформист, один из пионеров геометрической абстракции в нашей стране.
Владимир Андреенков родился 23 августа 1930 года в городе Чаусы на востоке Беларуси. В 1944 году поступил в МСХШ. В 1958 году окончил Суриковский институт. Тогда же участвует сразу в двух этапных для его поколения художников выставках: в 4-й московской Молодежной выставке на Кузнецком мосту, 11 и во Всесоюзной художественной выставке «40 лет ВЛКСМ» в московском Манеже, где экспонирует «Женский портрет». После защиты диплома зарабатывал на жизнь как иллюстратор в различных издательствах. С1962 года член Союза художников СССР, с 1968 — в штате Комбината графических искусств МОСХ, где показывает эстампы: линогравюры и литографии. С 1970 года выставляется за границей, в основном в Швейцарии. В 1987 году, совместно с Ю. Злотниковым, Д. Приговым, Б. Орловым, П. Малиновским) участвует в создании «Первого творческого объединения». Относительный успех приходит к художнику в годы падения железного занавеса и распада СССР. После 1989 года Андреенков становится востребованным, его приглашают участвовать во множестве выставок России и за рубежом.Зрители и критики отмечают музыкальность работ художника: об этом говорят и сочетания контрастных, часто очень звучных, спектрально-чистых цветов, и ясность пропорций, и заострённая резкость границ между цветовыми плоскостями, и выразительный линейный ритм. В самих названиях работ заметны прямые отсылки к музыкальным темам: перед нами многочисленные «Созвучия», «Концерты», «Вариации», «Фуги» (Красная, Синяя, Зелёная), «Трио» (Альт, Виолончель, Скрипка), «Ритмы» и т. д.
В 2001 и 2015 годах в выставочном зале Союза художников на Кузнецком мосту были представлены ретроспективные выставки художника. Работы Андреенкова находятся в коллекциях ГТГ, ГРМ, музеев Тулы, Белгорода, Орла, Кемерова, Владивостока, Могилёва, Падуи.
Сергей Шаршун (Serge Charchoune)
Бах, Бранденбургский концерт №3, 1959
Холст, масло50 × 100 см
Серж Шаршун (Serge Charchoune)
1888 - 1975
Французский живописец, график и поэт русского происхождения, в разные периоды своей жизни увлекавшийся футуризмом, кубизмом, дадаизмом и абстракционизмом.
Детство провел в Бугуруслане. В октябре 1909-го переехал в Москву, где занимался в частных студиях Ильи Машкова и Константина Юона. В 1912 г. году дезертировал со службы в армии и переехал в Париж, где начал заниматься живописью. Посещал Русскую академию Марии Васильевой и академию Ла Палетт, учился у Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре де Сегонзака. В 1913–1914 гг. показал первые кубистские опыты в Салоне Независимых.
В Париже примкнул к группе «Дада», участвовал во многих манифестациях дадаизма. В 1921 году выставлялся в Салоне Независимых, на групповой выставке дадаистов в галерее Montaigne и на Выставке русского искусства в галерее Whitechapel в Лондоне.
В середине 1940-х перешел к абстрактно-геометрической живописи. Часто обращался к теме воды и музыки.
В 1960 году переехал в Ванв. Его персональные выставки проходили в Париже, Нью-Йорке, Милане, Дюссельдорфе, Сент-Этьене, Женеве, Люксембурге, Реймсе, Каннах и др. В 1971 году состоялась ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже, после которой пришло признание, а большинство картин было приобретено коллекционерами и музеями.
В 1976 году мемориальные выставки были показаны в галереях C. Ratié и de Seine, в Национальном музее современного искусства в Париже. В 2006 году выставка работ художника была организована Русским музеем и ГМИИ им. А. С. Пушкина.
Произведения Сергея Шаршуна находятся в собраниях крупнейших музеев современного искусства Европы и США, включая Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей современного искусства метрополии Лилля, Государственную Третьяковскую галерею (Москва).
Игорь Скалецкий
Я не могу не растаять, 2022Холст, масло
174,5 × 140 см
Мультидисциплинарный художник, работающий и живущий в Москве, Тель-Авиве, Берлине и Лондоне.
Родился в 1978 году в Воронеже, в 13 лет вместе с родителями эмигрировал в Израиль. В 2006 году Скалецкий принял участие в своем первом групповом проекте — выставке молодого искусства Power, прошедшей в Московском музее современного искусства. Уже тогда цель его работ была обозначена кураторами как «ассоциативный поиск на основе эмоционального переживания». Спустя ещё несколько лет — в 2008 году — Скалецкий получил в Москве степень бакалавра в МГАХ им. Сурикова в мастерской Татьяны Назаренко. В 2009 году состоялась первая небольшая персональная выставка Скалецкого в московском пространстве MEL, затем в последующие годы его работы были представлены на групповых и персональных экспозициях в Москве, Калининграде, Тель-Авиве, Париже, Стокгольме, а также на арт-ярмарках по всему миру.
Излюбленной техникой Скалецкого долгие годы был цифровой коллаж с элементами живописи, который погружал зрителя в фантасмагоричный мир гротескных образов, заимствованных из мировой масс-медийной и классической западноевропейской культуры. Метод художника — комбинирование или противопоставление, казалось бы, несовместимого визуального ряда, позаимствованного из высокой и низкой культур, который в совокупности порождает новые парадоксальные, вызывающие, кричащие, на грани вульгарности и китча образы.
В последнее время, начав эксклюзивно работать с Alina Pinsky Gallery, обратился к живописи, в которой гротеск сочетается с экспрессионистическим ярким колоритом и сюрреалистической компоновкой планов.
Игорь Скалецкий
Невеста-отшельница, 2022
Холст, масло
139 × 140 см
Мультидисциплинарный художник, работающий и живущий в Москве, Тель-Авиве, Берлине и Лондоне.
Родился в 1978 году в Воронеже, в 13 лет вместе с родителями эмигрировал в Израиль. В 2006 году Скалецкий принял участие в своем первом групповом проекте — выставке молодого искусства Power, прошедшей в Московском музее современного искусства. Уже тогда цель его работ была обозначена кураторами как «ассоциативный поиск на основе эмоционального переживания». Спустя ещё несколько лет — в 2008 году — Скалецкий получил в Москве степень бакалавра в МГАХ им. Сурикова в мастерской Татьяны Назаренко. В 2009 году состоялась первая небольшая персональная выставка Скалецкого в московском пространстве MEL, затем в последующие годы его работы были представлены на групповых и персональных экспозициях в Москве, Калининграде, Тель-Авиве, Париже, Стокгольме, а также на арт-ярмарках по всему миру.
Излюбленной техникой Скалецкого долгие годы был цифровой коллаж с элементами живописи, который погружал зрителя в фантасмагоричный мир гротескных образов, заимствованных из мировой масс-медийной и классической западноевропейской культуры. Метод художника — комбинирование или противопоставление, казалось бы, несовместимого визуального ряда, позаимствованного из высокой и низкой культур, который в совокупности порождает новые парадоксальные, вызывающие, кричащие, на грани вульгарности и китча образы.
В последнее время, начав эксклюзивно работать с Alina Pinsky Gallery, обратился к живописи, в которой гротеск сочетается с экспрессионистическим ярким колоритом и сюрреалистической компоновкой планов.
Игорь Скалецкий
Первосцена, 2022
Холст, масло
159 × 127 см
Мультидисциплинарный художник, работающий и живущий в Москве, Тель-Авиве, Берлине и Лондоне.
Родился в 1978 году в Воронеже, в 13 лет вместе с родителями эмигрировал в Израиль. В 2006 году Скалецкий принял участие в своем первом групповом проекте — выставке молодого искусства Power, прошедшей в Московском музее современного искусства. Уже тогда цель его работ была обозначена кураторами как «ассоциативный поиск на основе эмоционального переживания». Спустя ещё несколько лет — в 2008 году — Скалецкий получил в Москве степень бакалавра в МГАХ им. Сурикова в мастерской Татьяны Назаренко. В 2009 году состоялась первая небольшая персональная выставка Скалецкого в московском пространстве MEL, затем в последующие годы его работы были представлены на групповых и персональных экспозициях в Москве, Калининграде, Тель-Авиве, Париже, Стокгольме, а также на арт-ярмарках по всему миру.
Излюбленной техникой Скалецкого долгие годы был цифровой коллаж с элементами живописи, который погружал зрителя в фантасмагоричный мир гротескных образов, заимствованных из мировой масс-медийной и классической западноевропейской культуры. Метод художника — комбинирование или противопоставление, казалось бы, несовместимого визуального ряда, позаимствованного из высокой и низкой культур, который в совокупности порождает новые парадоксальные, вызывающие, кричащие, на грани вульгарности и китча образы.
В последнее время, начав эксклюзивно работать с Alina Pinsky Gallery, обратился к живописи, в которой гротеск сочетается с экспрессионистическим ярким колоритом и сюрреалистической компоновкой планов.
Сильвано Боццолини
Contacts №2, 1960
Холст, масло
55 × 38 см
Сильвано Боццолини родился в 1911 году в Фьезоле. В начале 1930-х он изучал живопись в Академии изящных искусств во Флоренции, где изучал ранних тосканских художников.
В 1940 г. был мобилизован и участвовал в итало-греческой войне. С 1945 года Сильвано Боццолини живет во Флоренции, где он работает в газете «Posizioni», защищает новое искусство, присоединившись к группе «Arte d'Oggi», и начинает создавать абстрактные работы. В 1947 году поселился на постоянной основе в Париже.
Михаил Чернышов
Парижский самолет, 1981
Холст, масло
160 × 200 см
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов, во время изучения искусства Византии потерял интерес и был отчислен. В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Работы Михаила Чернышова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Русского Музея (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), Музея Зиммерли (штат Нью-Джерси, США) и других музеев.
Михаил Чернышов
Композиция, 1980-е
Бумага, смешанная техника
83,5 × 88,5 см
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов, во время изучения искусства Византии потерял интерес и был отчислен. В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Работы Михаила Чернышова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Русского Музея (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), Музея Зиммерли (штат Нью-Джерси, США) и других музеев.
Дуня Захарова
Эбэ, 2, 2022
Ткань, вышивка
147,5 х 191 см
Молодая российская художница, которая работает с темами природы и экологии, сублимируя личный опыт и выстраивая собственную мифологию. Она создает образы эфемерных существ на грани реального и мистического, используя войлок и хлопковые нити.
Дуня родилась в Республике Саха (Якутия). С 2008 года принимает участие в выставках в музеях и галереях Москвы, Санкт-Петербурга, Парижа, Тулузы, Гренобля, Сан-Франциско. В 2016 году прошла первая персональная выставка «Вымершие виды» в Osnova Gallery (Москва).
В своем творчестве Захарова обращается к разным техникам – от традиционных, таких как акрил и масло на холсте или бумаге, до более оригинальных, таких как кропотливая и скрупулезная вышивка или создание объектов и «мягких скульптур» из разных видов тканей, войлока, нейлона, синтепона. В последних работах доминирующей техникой становится вышивка, которая всегда присутствовала в практике художницы, но была продолжением ее графических композиций. Сейчас для Захаровой нити становятся полноценной заменой краскам.
Все произведения художницы – это тщательно проработанные образы, которые кажутся похожими на фантастических существ из сказок или снов
и вместе являются частью персонального мироощущения. Сублимируя свои переживания, Дуня выстраивает нарратив, обращаясь к якутским корням, темам природы и времени, психическим расстройствам, различным несоответствиям и аномалиям.
Евгений Музалевский
Без названия, 2019
Холст, смешанная техника
141,1 × 120,5 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в традиционной живописной технике.
Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент он продолжает обучение под руководством немецкого концептуалиста Хайнера Блюма в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе в Германии.
Художник начинал свои поиски с фотографии и через графику пришел к живописи. Работает со скульптурой и различными медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста. Неакадемическое мышление в его творчестве идет рука об руку с самодостаточностью.
2021 год стал насыщенным для художника: в Alina Pinsky Gallery прошла его персональная выставка, а работа «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила первый приз Премии Зверева. Искусствовед Андрей Сарабьянов отмечает в творчестве Музалевскогопреемственность авангарда, поставангарда и искусства шестидесятников.
Живет и работает в Москве и Франкфурте.
Евгений Музалевский
Женя и Вика грабят банк, 2019
Холст, смешанная техника
150 × 140 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в традиционной живописной технике.
Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент он продолжает обучение под руководством немецкого концептуалиста Хайнера Блюма в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе в Германии.
Художник начинал свои поиски с фотографии и через графику пришел к живописи. Работает со скульптурой и различными медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста. Неакадемическое мышление в его творчестве идет рука об руку с самодостаточностью.
2021 год стал насыщенным для художника: в Alina Pinsky Gallery прошла его персональная выставка, а работа «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила первый приз Премии Зверева. Искусствовед Андрей Сарабьянов отмечает в творчестве Музалевскогопреемственность авангарда, поставангарда и искусства шестидесятников.
Живет и работает в Москве и Франкфурте.
Игорь Шелковский
Композиция, 1948
Холст, масло
60 × 73 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А—Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Творчество художника остается актуальным с 70-х, когда сформировался его стиль, благодаря экспериментам с цветом, формой и материалами внутри его художественной манеры.
Шелковский известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы художника находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Игорь Шелковский
Розовое панно, 2014
Дерево, акриловый пигмент18 частей: 80 х 60 см каждая, общий размер: 240 х 360 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А—Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Творчество художника остается актуальным с 70-х, когда сформировался его стиль, благодаря экспериментам с цветом, формой и материалами внутри его художественной манеры.
Шелковский известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы художника находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Игорь Шелковский
Из серии "Цветы", 2007
Оргалит, масло
154 × 122 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А—Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР».
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Творчество художника остается актуальным с 70-х, когда сформировался его стиль, благодаря экспериментам с цветом, формой и материалами внутри его художественной манеры.
Шелковский известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы художника находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Эди Легран
Абстрактная композиция, 1957
Холст, масло
97 × 130 см
Эди-Легран (Edy-Legrand)
(урожденный Эдуард Леон Луи Варшавский, 1892–1970)
Французский иллюстратор и художник.
Учился в Школе изящных искусств в Париже, затем с 1911 года – в Мюнхенской
академии художеств, где учителем Эди-Леграна был Людвиг фон Гертерих – ведущий представитель мюнхенской художественной школы. В ранние годы Эди-Легран занимал- ся в основном книжной иллюстрацией и рекламой. В 1919 году он придумал иллюстрации к детской книге Macao et Cosmage ou l’expérience du bonheur («Макао и Космаж, или Опыт счастья»), изданной Nouvelle Revue franéaise («Новое французское обозрение»). Вдохнов- ленный стилистикой ар-деко, альбом стал настоящей революцией в книжном издатель- стве для детей и впоследствии выдержал несколько переизданий.
В начале 1920-х Эди-Легран принимал участие в Осеннем салоне, Салоне Независи- мых и выставках Общества художников-декораторов. В 1932 году он принял участие в пер- вой Всемирной выставке гравюр Чикагского художественного института, где представлял Францию, а его работы выставлялись рядом с произведениями Пикассо, Матисса и Де- рена. Затем Эди-Легран переехал в Рабат (Марокко). Там он прожил около двадцати лет и был очень близок с художником-ориенталистом Жаком Мажорелем. Именно в этот период складывается собственный стиль Леграна. Его увлекает повседневная жизнь Марокко с его улочками, базарами, бесконечным толкучками, яркими цветами и игрой света. Параллель- но с классическим ориентализмом художник занялся в 1950-е годы абстракцией. Абстракт- ные работы Эди-Леграна, яркие и узнаваемые, активно коллекционируются.
В конце жизни Эди-Легран переселился недалеко от Боньё в Любероне (Франция),
где писал свои последние полотна в огромном каменном карьере рядом с домом.
Работы Эди-Леграна находятся в Центре Жоржа Помпиду (Париж), Женевском музее искусства и истории, частных и публичных коллекциях США и Европы.
Валерий Юрлов
Женщина у моря, 1956
Холст, масло
60 × 70 см
Валерий Юрлов (род. 1932)
Принадлежит к поколению художников-шестидесятников. Родился в Алма-Ате. Там в 14 лет принят в художественное училище. Занимался у профессора Черкасского. Продолжил образование на факультете художников книги в Московском полиграфическом институте (1949–1955). Там ему преподают выпускники знаменитых Высших художественно-технических мастерских — Андрей Гончаров, ученик Фаворского, Иван Чекмазов, Павел Захаров. Последний становится наставником Юрлова и занимается с ним вне класса. С 1954 г. Юрлов работает в издательстве «Детгиз». Разойдясь в творческом видении с главным художником, он уходит из издательства в 1959 г. Продолжает искать и вырабатывать собственную художественную манеру. Создаёт азбуку геометрических форм (треугольник, круг, капля), экспериментирует в изучении пары форм. В конце 1950-х уединяется в местечке Гульрипше возле Сухуми, ищет и рисует вещи, которые выбрасывает море. Художник размышляет над предметами, которые изменились под влиянием времени и стихии, сравнивает с первоначальной формой. Так рождается серия работ «было — стало». В 1960 г. вступает в Союз журналистов СССР и ассоциацию художников-дизайнеров. В 90-е живёт в США, активно выставляется. Произведения Валерия Юрлова хранятся в ГТГ, ГРМ, ММСИ, Центре Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музее Циммерли Рутгерского университета (США).
Клод Бельгард
Видимость, 1956
Холст, масло
81 × 100 см
Клод Бельгард (Claude Bellegarde)
1927 – 2019
Французский художник-абстракционист. В юности изучал живопись и скульптуру в частной мастерской в Париже.
В конце Второй мировой войны встречается с Ланца дель Васто — знаменитым сторонником концепции ненасильственного протеста, поэтом, писателем и духовной главой «Сообщества Ковчега». Клод Бельгард становится активным участником этого сообщества. Тогда же он начинает заниматься скульптурой.
Вдохновленный тестами Роршаха и живописью абстрактных экспрессионистов, Бельгард постепенно приходит к ташизму («живописи пятнами»).
С 1951 года начинается период монохромной живописи, названный «Белым периодом». Бельгард создает серию работ под названием «Ахроматизм» — текстурные монохромные абстрактные полотна. Именно в этот период Бельгард становится узнаваемым и полноправным членом сообщества послевоенных фрацузских художников. Он присоединяется к авангардной группе «Dessins», которая занимается живописью действия — художественной техникой, заключающейся в том, что вместо нанесения традиционными способами краска наливается, разбрызгивается и т.д. Позже он сближается с абстрактным экспрессионизмом. Интересно, что в 1955 году его «Белые» работы экспонировались в галерее Facchetti, той самой галерее, где впервые был представлен французской публике Джексон Поллок — самый известный представитель абстрактного экспрессионизма.
После высокой оценки критика и теоретика искусства Пьера Рестани Бельгард начинает выставляться за границей: в Германии, Бельгии, Великобритании и Италии, где его работы пользовались особенным успехом. В частности, в Милане, его работу приобрел знаменитый художник Лучо Фонтана. В этот же период его работы начали приобретать французские музеи и центры современного искусства, среди которых Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
В 1960-е годы Бельгард вновь вводит с свою живопись цвет. Некоторое время он проводит в Америке, участвуя в различных художественных симпозиумах, исследующих теорию цвета. В 1964 году его работы экспонируются в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке. Возвращаясь во Францию, он продолжает изучение цвета. Здесь ему предлагают оформить палату для хромотерапии в клинике доктора А. Томатис, что было спровоцировано исследованием о влиянии цвета на психологическое состояние беспокойных пациентов. Эти исследования были опубликованы в книге «Human Nature», а символичная работа художника этого периода «History of the Eye» была приобретена Лионским музеем изящных искусств (Musée des Beaux Arts de Lyon).
Бельгард был представителем Франции на Международной биеннале в Сан-Паулу 1965 года. В том же году он был удостоен премии на биеннале в Сан-Марино, Италия. В 1971 году прошла его ретроспективная выставка в Музее современного искусства города Парижа.
В 1983 году Бельгард получил докторскую степень в Сорбонне, после чего активно выступал на различных конференциях и работал над архитектурными, музыкальными и кинематографическими проектами. В 1986 году Министерство культуры Франции наградило его Орденом Искусств и литературы.
Его работы хранятся в Музее современного искусства города Парижа, центре Жоржа Помпиду, музее Кантини в Марселе; Музее изобразительных искусств в Лилле; галерее Тейт, музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке; Токийском музее современного искусства и других.
Александр Гарбель
Композиция, 1948
Холст, масло
38 × 46 см
Александр Гарбель (Alexandre Garbell)
1903 - 1970Французский художник, представитель Парижской школы.
Родился в Риге. Начал рисовать в возрасте тринадцати лет. После учебы в Москве переехал с семьей в Германию и начал посещать Гейдельбергскую академию. В 1923 году он прибыл в Париж и стал учеником в Академии Рансона, где он учился у Роже Биссьера — представителя лирической абстракции. Там же Гарбель познакомился с Альфредом Маннесье, Франсисом Грюбером и др. Так он стал частью того, что называется Парижской школой. Довольно быстро Гарбель вырабатывает собственную стилистику.
С 1928 года работы Гарбеля регулярно экспонируются в Париже, как на персональных, так и на групповых выставках.
Во время Второй мировой войны, как многие другие художники (Марсель Ривье, Андре Ланской), Гарбель нашел убежище в Мирманде, где Андре Лот (художник, скульптор, педагог, теоретик искусства) открыл академию. Работая преподавалетем в Академии Андре Лота, Гарбель оказывает влияние на новое поколение художников.
В 1946 году Александр Гарбель вернулся в Париж, где подружился с Полом Акерманом и выставлялся в больших галереях (Delpierre, Galerie du Siècle, Pierre Loeb). Он регулярно участвовал в важных выставках во Франции: Salon des overindépendants, Salon de mai ( 1950, 1954 — 1961); Salon des realités nouvelles (1961); Salon Comparaisons (1956, 1957, 1962, 1963) и многих других. В 50-е и 60-е годы его работы показывали на выставках в Дании, Швейцарии, Англии, Италии, США. К выставке, прошедшей в Нью-Йорке в 1956 году, о Гарбеле был снят телевизионный фильм «Художник и его работы».
Большая персональная выставка «Гарбель, пятнадцать лет живописи» прошла в 1970 году в Galerie Framond в Париже. Художник умер в декабре того же года и был похоронен в Монри.
У Александра Гарбеля есть сын — Камиль Гарбель, скульптор.
В начальный период своего творчества Гарбель был увлечен абстракцией. Позже он он отошел от резкого противопоставления абстрактной и фигуративной живописи. Одними из основных источников вдохновения для него стали скалы и пляж в Мер-ле-Бен — коммуне на севере Франции.
Франциско Инфанте и Нонна Горюнова
Артефакты из серии "К ночи", 2020
Хромогенная печать, бумага Fujiflex Crystal Archive115 х 170 см. Тираж: 1/2 + 2 A.P.
Франциско Инфанте (род. 1943) и Нонна Горюнова (род. 1944)
Cоветские и российские художники, исследующие взаимоотношения и взаимопроник- новение искусства и природы. Свои работы они называют «артефактами», сводя в этом понятии природное (инсталляции в ландшафте) и искусственное (фотографии).
Сразу после окончания МСХШ, с 1962 по 1968 год, Инфанте входил в состав и при- нимал участие в выставках группы художников-кинетистов, которая позже стала известна под названием «Движение». Учился на факультете монументальной живописи Москов- ского высшего художественно-промышленного училища (бывшее Строгановское).
С 1968 года Инфанте работает совместно с женой – художницей Нонной Горюновой, которая также получила высшее образование в МВХПУ (1962–1967). В 1970 году вместе
с Нонной Горюновой, Виктором Николаевым и инженером Валерием Осиповым организовал группу «Арго» («Авторская рабочая группа»), занимавшуюся реализацией выставочных инсталляций и масштабных кинетических проектов. Член Горкома графиков,
а с 1973 года – член Московского союза художников. В 1996 году получил Государственную премию РФ в области изобразительного искусства. В 2010 году получил медаль академика Королевской академии изящных искусств (Кадис). Автор нескольких книг и монографий.
С 1970-х Инфанте и Горюнова работают над серией пространственных композиций на открытом воздухе, получивших название «Артефакты». Художники конструируют в мастерской объекты, которые затем фотографируются в некой естественной среде. Окончательный результат их работы – это именно фотография.
С середины 1960-х произведения Франциско Инфанте и Нонны Горюновой регу- лярновыставляютсязапределамиСССР.
Живут и работают в Москве.
Работы Франциско Инфанте и Нонны Горюновой находятся в собраниях крупней- ших российских и мировых музеев, среди которых: Центр Жоржа Помпиду (Париж), Бруклинский музей (Нью-Йорк), Художественный музей Базеля, Государственная Третья- ковская галерея (Москва), Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), ГМИИ
им. А. С. Пушкина (Москва), Московский музей современного искусства, Мультимедиа Арт Музей (Москва) и многие другие.
Леон Зак
Абстрактная композиция, 1970
Холст, масло73 х 100 см
Леон Зак / Léon Zack (Лев Васильевич Зак)
1892 - 1980
Художник «русского зарубежья», скульптор, сценограф, поэт, представитель Парижской школы.
В 1911 году окончил московскую гимназию при Лазаревском институте восточных языков. В 1911–1916 учился на романо-германском отделении историко-филологического факультета Московского университета. Первые уроки живописи брал у художника Александра Якимченко, позже посещал художественные студии Фёдора Рерберга и Ильи Машкова. В 1910-е участвовал в выставках Московского товарищества художников и «Мира искусства». В то же время начинается период футуризма в творчестве Леона Зака. Он становится членом литературной группы эгофутуристов «Мезонин поэзии». Оформляет обложки поэтических сборников членов группы, а также коллективных альманахов «Засахаре кры», «Вернисаж», «Пир во время чумы».
После революции с женой и дочерью эмигрировал через Крым и Турцию в Европу. С 1920 по 1921 жил во Флоренции, затем с 1922 по 1924 — в Берлине, где работал сценографом, оформлял книги. В 1924 году переехал в Париж, где участвовал в Осеннем салоне и салоне Независимых; выставлялся в галереях Парижа, Лондона, Брюсселя, Праги. Одновременно продолжал иллюстрировать книги, создавал рисунки для тканей, делал статуэтки из стекла. В 1930–1940-е неоднократно возвращался к работе в театре, оформлял балеты. В 1938 году получил французское гражданство.
В середине 1940-х начинает уходить от фигуративности к экспрессионизму, а затем к абстракционизму. В 1948 году на персональной выставке в парижской галерее des Garets впервые показал абстрактно-геометрические композиции, которые были и остаются крайне популярными у коллекционеров. В 1950-е произвел художественные и реставрационные работы в Нотр-Дам-де-Повр в Исси-ле-Мулино, Пти-Фрер-де-Повр, в соборах Сакре-Кёр и св. Жанны д’Ар в Париже и многих других. В 1970 году получил приз Президента Франции на биеннале в Ментоне. В 1981 году прошла мемориальная выставка в рамках Осеннего салона.
Работы Леона Зака хранятся в Музее современного искусства города Парижа, Британской галерее Тейт (Лондон), Королевском музее Брюсселя, Институте Карнеги (Питтсбург), в музеях Нанта, Антверпена, Венеции и многих других.
Римма Заневская (Сапгир)
Композиция, 1969
Холст, темпера90 х 90 см
Римма Заневская (Сапгир)
1930 – 2021
Cоветская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В начале 1960-х вместе с Франциско Инфанте входила в состав группы художников-кинетистов «Движение».
В 1944–1945 гг. Заневская училась в художественном училище при киностудии «Мосфильм». В 1961 году после знакомства со Львом Нусбергом начала серьезно заниматься искусством. Первая жена поэта Генриха Сапгира. В середине 1970-х Заневская приняла участие в главных неофициальных выставках, включая Бульдозерную (1974), Измайловскую (1974), а также Выставку произведений московских художников, прошедшую в павильоне «Дом культуры» ВДНХ (1975). В последние десятилетия занималась иконописью. Жила в Москве.
Работы Риммы Заневской находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи (Москва), в других государственных и частных коллекциях.
Эдгар Жилле
Композиция, 1960
Холст, темпера81 х 116 см
Эдгар Жилле (Roger-Edgar Gillet)
1924 - 2004
Роджер-Эдгар Жилле родился в 1924 году в Париже. С 1939 по 1943 год он обучался гравировке медалей в École Boulle , а также, чтобы избежать обязательной трудовой службы , посещал курсы Мориса Брианшона в Высшей школе декоративного искусства. Затем он преподавал в Юлианской академии с 1946 по 1948 год , где познакомился с Терезой, которая стала его женой.
Изначально работает в абстрактной эстетике, принимает участие в нескольких выставках, организованных критиками Мишелем Тапье и Шарлем Этьеном. Затем он был связан с европейской лирической абстракцией, также называемой неформальным искусством или Nouvelle École de Paris, с такими художниками, как Жорж Матье, Пьер Алешинский, Жан Мессажье, Серж Поляков и др.
Он представил свою первую персональную выставку в 1953 году в галерее Крейвен в Париже. В 1954 году он был награжден премией Фенеона , затем, после выставки в Galerie de France , он получил премию Катервуд и уехал в Соединенные Штаты . По возвращении он выставлялся в галерее Ариэль. В 1957 году он присоединился к Galerie de France вместе с другими молодыми художниками ( Алешинский , Леви, Марьян ), и в 1959, 1961 и 1963 годах было 3 персональных выставки. Отойдя от абстракции, он покинул Galerie de France и вернулся в галерею Ариэль из его друг Жан Поллак. Это четко подтверждает линию его галереи, особенно с выставкой «15 художников моего поколения» (1964).
В середине 1960-х Роджер-Эдгар Жилле обратился к фигуратуре, и человечество стало центральным предметом его творчества. Его постановка четко представлена в виде серии: Les Poux , Les Juges , Les Bigotes , Marilyn , Les Musiciens , Les Mutants. Кроме того, он не стесняется цитировать темы из религиозной живописи, такие как Тайная вечеря или Распятие. Он также обращается с ландшафтом своими городами и морскими пехотинцами .
Эстетически Жилле имеет сходство с Гойей и фламандцем Джеймсом Энсором. Его можно связать с новой образностью и с течением экспрессионизма.
Он входил в отборочную комиссию Салона де Май, с которым он отправился на Кубу в 1967 году и участвовал в создании коллективной фрески в Гаване .
В 1970-х он жил недалеко от Сенса в Йонне с женой и четырьмя детьми. Затем он разделит свою жизнь между Парижем и Сен-Сюлиак , недалеко от Сен-Мало. Он является членом почетного комитета Международного Дома поэтов и писателей в Сен-Мало.
Жилле перестал рисовать в 1998 году . Он умер от рака в 2004 году в Сен-Сюлиаке. Его прах развеян в Париже в сувенирном саду кладбища Пер-Лашез.
Тим Парщиков
Israel Dead Sea, 2013Из серии 'Dead Time'
Фотопечать, пластификация, алюминиевый профиль
80 × 120 см. Тираж: 3/5 + 1 A.P.
Лауреат премии Кандинского и Московской Арт Премии Тим Парщиков (р. 1983) — один из немногих российских художников, давно представляемых европейскими и азиатскими галереями.
Парщиков работает с фотографией. Его произведения отличаются, как результат полученного образования на операторском факультете ВГИКа, кинематографическим началом и синефильской эстетизацией. Его персональные выставки Тима Парщикова проходили в Риме, Мадриде, Париже, Кёльне, Санкт-Петербурге и Москве.
Участвовал в Венецианской Биеннале (2011), в Фотобиеннале в Салониках (2014) и Фестивале фотографии в Лианьчжоу (2016). Произведения регулярно выставляются на престижных ярмарках Art Basel, Frieze, ARCO.
Предыдущая
Тим Парщиков. Just one shot away
Следующая
И как нам создавать свою красоту?